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出版者:旗標科技股份有限公司

作者:ARENSK

出品人:

页数:224

译者:吳嘉芳

出版时间:2019-4-3

价格:NT$450

装帧:平装

isbn号码:9789863125839

丛书系列:

图书标签:

• 设计
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《设计者的直觉：从视觉流程到空间叙事》 本书并非一本探讨图示化排版技巧的教程，而是深入剖析那些隐藏在优秀设计背后的视觉逻辑与思维模式。它将引导读者超越对具体“图解”元素的模仿，去理解其背后更普适的视觉传达原理。 第一部分：看见的语言——视觉元素的构成与对话 这一章节将从最基础的视觉单元入手，解析点、线、面、形的内在力量与相互关系。我们不再将它们视为独立的工具，而是如同音符般，能够组合成具有不同情绪和意义的乐章。 点的延展与焦点： 如何通过点的疏密、大小、形状来引导视线，营造氛围？点如何从简单的标记演变成视觉的中心，或成为构成更大形体的基石？我们将探讨点的“存在感”与“缺失感”如何共同作用于读者的感知。 线的律动与边界： 直线、曲线、折线，它们各自蕴含怎样的力量？直线带来的秩序与方向感，曲线的流动与情感表达，折线的转折与动态。线不仅是划分空间、勾勒轮廓的工具，更是表达速度、张力、甚至情感的语言。本书将揭示线如何通过其粗细、断续、方向的变化，建立起视觉的节奏与层次。 面的张力与肌理： 面如何定义空间？纯粹的色彩面、带有纹理的肌理面，它们如何影响空间的感知深度与质感？我们将分析面的大小、比例、与周围元素的对比，如何产生稳定、扩张、或内敛等不同的视觉效果。 形的演变与意象： 从几何形到有机形，形是如何在组合与变化中产生新的意义？我们将探索圆形、方形、三角形等基本几何形所代表的普遍象征意义，以及它们如何与自然形态融合，创造出丰富的视觉意象。 第二部分：秩序的编织——空间布局的哲学思考 此部分将跳出“排版”的狭隘定义，从更宏观的“空间”角度审视设计。我们学习的不是如何“放置”元素，而是如何“构建”一个引导、平衡、并引发思考的空间。 黄金分割的宇宙节律： 探索黄金分割在自然界与艺术中的普遍存在，以及它如何为视觉创作带来和谐与美感。本书将不再是简单的比例计算，而是理解其背后蕴含的自然和谐的规律。 对称与均衡的内在力量： 对称的庄重与秩序，非对称的活力与趣味。我们将深入理解不同形式的均衡如何影响画面的稳定感与视觉张力，以及如何在打破常规中创造惊喜。 留白的智慧： 留白并非“空白”，而是“有意识的缺失”。它为观众提供了呼吸的空间，也为重要信息提供了聚焦的舞台。我们将探讨不同类型的留白（呼吸留白、焦点留白、节奏留白）在引导视线、突出重点、以及营造整体氛围中的作用。 视觉流动的路径： 如何通过元素的排列、大小、对比，自然地引导读者的视线在页面上流动，完成信息的接收与理解？我们将分析Z字形、S字形等经典的视觉路径，并探讨如何根据内容与目的，创造出独属于该设计的流动方向。 层次与深度的构建： 如何利用大小、色彩、阴影、叠加等多种手段，在二维平面上创造出三维的深度感与丰富的空间层次？我们将学习如何通过“远近”关系，让信息的主次更加分明，阅读更加顺畅。 第三部分：意义的生成——情感与叙事的视觉化表达 设计不仅仅是形式的组合，更是情感的传递与故事的讲述。这一部分将聚焦于如何运用视觉语言来触动人心，讲述一个引人入胜的故事。 色彩的情绪与象征： 除了基本的色彩理论，我们将探讨色彩在不同文化背景下的象征意义，以及如何通过色彩的搭配与对比，直接影响读者的情绪，唤起共鸣。 字体的情感温度： 字体不再仅仅是识别文字的工具，它们本身也承载着性格与情绪。衬线体、无衬线体、手写体，各自传递着怎样的信息？我们将分析不同字体的历史渊源、设计特点，以及它们如何与内容形成情感上的呼应。 图像的叙事力量： 如何选择、组织、甚至是“裁剪”图像，来构建一个视觉故事？我们将探讨构图、角度、光影等如何影响图像的情感表达，以及如何让图像与文字相互补充，形成更强大的叙事张力。 节奏与韵律的体验： 视觉的节奏感来自元素的重复、变化、以及它们的对比与呼应。本书将引导读者如何通过设计，创造出如同音乐般的起伏与韵律，让阅读过程本身成为一种愉悦的体验。 概念的具象化： 如何将抽象的概念、复杂的理论，通过具象的视觉元素进行传达，使其易于理解与记忆？我们将分析一些经典的案例，学习如何将“概念”转化为“视觉语言”。 《设计者的直觉》旨在成为一本启发思考的书，它提供了一种观察世界、理解设计的方法论，而不是一套现成的公式。通过对视觉本质的深入探索，读者将能够培养出更敏锐的直觉，创作出更具力量与生命力的设计作品，让每一个元素都在最恰当的位置，讲述最动人的故事。

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哎呀，最近手头这本新书真是让人眼前一亮，虽然我对设计和排版这类专业知识一向是望而却步的，但这本书的呈现方式简直是救星。打开书的第一页，那种直观的冲击力就让人忍不住想一探究竟。它没有堆砌那些让人头疼的术语，反而是用大量的图示和清晰的步骤来引导你进入“布局”这个看似玄奥的世界。我记得我之前尝试看过的几本同类书籍，要么是文字太密集，要么是图示过于概念化，根本无法落地。但这本不同，它就像一个耐心极好的老师，手里拿着放大镜，一步步拆解那些看似复杂的网格系统、留白的处理，乃至字体和色彩在空间中的平衡感。尤其是关于阅读动线的讲解，简直是醍醐灌顶，我立刻联想到了自己平时浏览网页和阅读实体杂志时的体验，终于明白为什么有些设计就是让人感觉舒服，而有些则让人烦躁。我特别欣赏作者在讲解每一个原则时，都会配上“好”与“坏”的对比案例，这种直观的差异对比，比任何长篇大论的说教都要有效得多。对于初学者来说，它建立了一个非常扎实的底层认知框架，让你知道“为什么”要这么做，而不是死记硬背“应该”怎么做。

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我是一个对美学要求较高，但动手能力和理论基础都偏弱的业余爱好者。过去在尝试做自己的个人项目时，总感觉设计出来的东西“差了点意思”，但又说不上来具体是哪里不对劲。直到我接触到这本关于结构与平衡的书籍，我才找到了那个缺失的环节。这本书最牛的地方在于，它没有让你去模仿那些华而不实的流行设计，而是把重点放在了那些恒久不变的设计基石上，比如网格的逻辑、对齐的精度、以及最重要的——如何用“空”来衬托“有”。我曾经对“留白”这个概念嗤之以鼻，觉得那不过是浪费空间，但书里用各种详尽的图例解释了负空间如何引导视线、如何建立节奏，看完之后，我简直想把过去自己做过的所有东西全部推翻重来。书中的案例分析非常到位，它们选取了不同领域的设计范例，从印刷品到数字界面，展现了布局原则的普适性。阅读过程更像是一场沉浸式的体验，而不是枯燥的学习。我甚至开始关注周围环境中的布局了——商店的货架摆放、建筑物的窗户排列，一切都变得有迹可循，有章可依。

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作为一名长期从事内容创作的文字工作者，我原本认为布局美学是设计师的专利，与我无关。然而，我发现我的文章在社交媒体上的阅读完成率一直不高，直到我开始应用书中的某些基础概念，情况才有了显著的改善。这本书的叙述方式非常适合非设计背景的人士。它不是从复杂的数学公式或者历史渊源入手，而是从最直观的“感受”出发，比如“舒适感”、“清晰度”、“焦点集中”。书中对如何利用粗细对比和色彩饱和度来划分主次信息的讲解，简直是为我们这些文字工作者量身定做的“视觉语法课”。我尤其体会到，好的布局能让读者在无意识中更愿意停留，更愿意深入阅读。它教会我的不仅仅是如何安排文字和图片的物理位置，更是一种“尊重读者注意力”的设计哲学。读完之后，我再审视自己以往的作品，简直是触目惊心，简直是把读者放在了一个杂乱无章的房间里，让他们自行寻找重点。这本书真正做到了将深奥的设计原理，转化成可执行、可理解的日常操作指南，极大地提升了我的内容呈现效率。

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说实话，我抱着试试看的心态翻开了这本关于空间组织的书，原本以为又是另一本故纸堆里的理论集合，但出乎意料的是，它的节奏感把握得极佳。每一章的切换都非常自然流畅，仿佛在进行一场精心编排的视觉旅行。作者显然对如何引导读者的注意力有着深刻的理解，这点从书本身的排版设计就能窥见一斑——这本身就是最好的证明。我尤其欣赏其中关于信息层级梳理的部分，它没有仅仅停留在传统的“大标题、小正文”的层面，而是深入探讨了如何利用视觉重量、对比度和空间疏密来暗示信息的重要性，这对于任何需要制作演示文稿或者报告的人来说，都是宝贵的财富。我有个习惯，看书的时候会随手做笔记，但这本书的很多关键点，作者已经用极其简洁的图形注解完成了，让我几乎没有需要额外书写的冲动，因为一切都在图像中被完美阐释了。它的结构设计非常科学，知识点由浅入深，环环相扣，读完一个单元，你就能立刻感觉到自己的“视觉雷达”被提升了一个档次。这本书的价值，远超出了工具书的范畴，更像是一本关于“如何高效沟通”的艺术指南。

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这本书给我的感觉是，它彻底颠覆了我对“设计”这个词的理解。在过去，我总觉得设计是关于“装饰”和“美化”，但这本书清晰地指出，好的布局首先是关于“组织”和“功能”。它的论述逻辑严密得像一套精密的机械装置，每一个部件（也就是每一个设计原则）都必须恰到好处地运作起来，才能实现整体的美观和效率。尤其让我印象深刻的是它对“视觉引导”的阐述。作者非常巧妙地运用了心理学原理，讲解了人类视觉的自然倾向，然后将这些倾向转化为实际的布局策略。我特别喜欢书中反复强调的一个观点：排版不是将元素堆砌在一起，而是让元素之间产生“对话”。这种“对话”的构建，是通过精确控制间距、统一的对齐基线来实现的。这本书的语言风格也极为精准、克制，没有丝毫的冗余，每一句话似乎都经过了反复的锤炼，直击要害，让人不得不佩服作者的功底。它不是一本能让你快速学会“套用模板”的书，而是能让你建立起一套属于自己的“设计思维体系”的指南。

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对于新手来讲，即插即用

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