艺用人体解剖学

艺用人体解剖学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:
作者:彭西春
出品人:
页数:202
译者:
出版时间:2008-7
价格:38.00元
装帧:
isbn号码:9787810918473
丛书系列:
图书标签:
  • 美术
  • 绘画
  • 武功秘籍
  • 人体解剖学
  • 艺术解剖
  • 人体结构
  • 绘画
  • 素描
  • 人体绘画
  • 艺术
  • 医学
  • 解剖学
  • 人体
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具体描述

《艺用人体解剖学》共分六章:第一章概论,首先从美术史的角度阐述了人体解剖学在人体造型艺术中的地位和作用,从而使读者树立正确的学习态度,接下来从人体的骨骼、肌肉、关节,外形的划分与比例以及人体的形体结构与对立统一规律几方面,对人体进行了总体论述,使读者对人体结构有一个整体的把握;第二、三、四、五章分别对人体的头部、躯干、上肢、下肢几部分作了具体而翔实的阐述,包括各部分的骨骼、肌肉、关节的解剖结构和这些结构对人体造型的直接影响以及人体各部分的形体结构和运动规律等,以帮助读者更加深入地理解和研究人体结构;第六章是对人体动态的研究,归纳了人体动态的结构关系和基本特征以及人体动态的平衡与韵律等,有助于读者更好地理解和掌握人体运动状态的造型规律,从而更好地运用于艺术实践。另外,在每一章节的后面均附有与之相匹配的优秀美术作品,使读者在学习理论的同时能够陶冶性情并增强学习的乐趣和信心,引领读者将理论学习与艺术实践有机结合,最终回归到艺术实践,同时也能提高艺术审美能力和艺术修养,从而更好地进行艺术创作。

雕塑时光:西方古典雕塑的艺术与技艺 图书简介 本书深入探讨了西方古典雕塑从古希腊的理想主义萌芽到古罗马的现实主义巅峰,再到文艺复兴时期对古典精神的复兴与超越的宏伟历程。我们聚焦于雕塑作为一种独立艺术形式的演变,剖析其在不同历史阶段如何回应社会思潮、宗教信仰以及美学追求。这不是一本单纯的艺术史梳理,而是一部关于“凝固的瞬间”如何承载人类精神重量的技艺与哲学之书。 第一章:希腊之光——从几何到和谐的探索 本章追溯了西方雕塑的源头——古希腊文明。我们将详细考察早期(几何时期和古风时期)雕塑的程式化特征,特别是“古风式微笑”背后蕴含的文化意义。重点分析了古典时期的艺术革命,如何通过引入“对立平衡”(Contrapposto)打破僵硬,使人体雕塑首次展现出内在的生命力和动态潜力。米隆的《掷铁饼者》和波留克列特斯的《规范》(Canon)被视为这一时期人体美学探索的里程碑。我们不仅关注作品本身,更探讨了斐狄亚斯如何将雕塑与建筑(如帕特农神庙的楣饰)完美结合,以及如何通过对理想化人体比例的极致追求,表达出希腊人对“完美人”(Kalokagathia)的哲学向往。 第二章:罗马的回响——权力、肖像与现实的镜像 进入罗马时期,雕塑的重心从神性与理想转向了世俗与个体。本章阐述了罗马人对希腊艺术的吸收与改造,并强调了其在写实肖像方面的独特贡献。罗马雕塑不再满足于“理想化的美”,而是力求捕捉特定人物的性格、年龄甚至瑕疵,这直接服务于罗马的政治宣传和家族荣誉感。我们将细致分析凯撒、奥古斯都等历代统治者的“官方肖像”的塑造手法,探讨这些石刻或青铜面容如何成为帝国权力的视觉载体。此外,对浮雕艺术的深入分析,特别是纪念性石棺和胜利纪念碑(如图拉真纪功柱)上的叙事性群像,揭示了罗马人如何将历史事件转化为永恒的、具有强大叙事力的视觉文本。 第三章:中世纪的转型——从肉身到灵魂的指引 随着罗马帝国的分裂和基督教的兴起,雕塑的功能发生了根本性的转变。本章探讨了在这一漫长时期内,雕塑如何从独立的纪念物或装饰品,转变为建筑的附属品,成为传播教义和引导信徒的“无声的布道者”。我们将对比早期基督教艺术的象征手法与拜占庭艺术的平面化、程式化倾向。中世纪盛期,尤其是在罗马式和哥特式大教堂的立面上,雕塑重新获得了叙事的力量。重点分析了哥特式雕塑如何逐渐摆脱墙面的束缚,人物形象变得更加人性化、情感外露,例如沙特尔大教堂的柱式雕像,它们开始展现出对自然形态的重新观察,为后来的文艺复兴埋下了伏笔。 第四章:文艺复兴的觉醒——人文主义与解剖学的回归 文艺复兴是雕塑史上的又一次高峰,其核心在于对古希腊罗马古典精神的重新发掘与超越。本章聚焦于佛罗伦萨和罗马的艺术中心,分析人文主义思潮如何将焦点重新拉回“人”本身。多那太罗被视为这一转折点的关键人物,他的《大卫》不仅是技术上的杰作,更是对古典裸体表现的胆识回归。米开朗基罗的出现将文艺复兴雕塑推向了极致。我们将详细剖析他如何将对人体结构及其潜在力量的理解,融入到对人物精神状态的极致表达中。从《大卫》的紧张准备到《摩西》的沉思力量,再到《圣殇》中超越悲痛的崇高感,探究其“未完成”(Non-finito)技法背后的哲学含义——即雕塑家解放被困于大理石中的灵魂的挣扎过程。 第五章:巴洛克与洛可可——情感的张力与光影的游戏 巴洛克雕塑是文艺复兴理性与和谐的对立面,它追求强烈的戏剧性、运动感和情感冲击力。本章的核心人物是贝尔尼尼。我们将细致分析他如何利用大理石的柔韧性,捕捉瞬息万变的瞬间——比如《阿波罗与达芙妮》中正在发生的变形,或者《圣特蕾莎的狂喜》中肉体与精神的交融。这不仅仅是技巧的炫耀,更是对观众感官的全面调动。紧接着,我们将考察洛可可时期,雕塑如何从宏大的叙事转向更为轻盈、私密和装饰性的主题,展现宫廷生活中的优雅与感性。 第六章:新古典主义的复兴与现代雕塑的萌芽 进入十八世纪末至十九世纪初,欧洲对古典雕塑的推崇达到了新的高潮——新古典主义。本章探讨了这种对“纯粹”与“永恒”的回归,如何试图通过回归古希腊的宁静与比例,来对抗巴洛克的“过度感性”。然而,这种复兴也孕育了变革的种子。十九世纪中叶,随着现实主义和象征主义的兴起,雕塑开始挑战古典的理想化窠臼。罗丹的出现标志着雕塑进入现代。我们将分析罗丹如何将雕塑的关注点从最终的完美形态转移到雕刻过程本身,关注材料的质感、光影的对比以及人物内心冲突的表达,为二十世纪雕塑的彻底解放铺平了道路。 结语:永恒的物质与流动的生命 本书最后总结了西方雕塑近三千年的演变脉络,强调了雕塑家们在材料的限制下,如何不断地探索人体结构、光影关系、空间布局以及人类精神的表达边界。雕塑艺术的魅力,在于它将时间凝固、将生命形态实体化,使观者能够触摸到历史的回响与不变的人性本质。

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读后感

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用户评价

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这本书的内容之丰富,已经远远超出了我最初的期待。我一直以来都对人体艺术有着莫名的情愫,但总感觉自己在描绘人物时,缺少一种“底气”,一种对结构和形体的准确把握。这本书的出现,就像是为我补上了这块短板。它以一种极为专业且详细的方式,介绍了人体的骨骼和肌肉系统。我特别喜欢书中对人体各个主要肌群的详细解析,包括它们的名称、位置、作用以及在不同动作下的形态变化。我常常会对着书中的插图,仔细研究每一块肌肉的走向和边界,并尝试在自己的身体上找到对应的部位。这种实践式的学习方式,让我对人体结构有了更直观的感受。我还会反复翻阅关于骨骼结构的章节,特别是脊柱、骨盆和四肢关节的讲解,因为我深知这些骨骼是支撑人体形态的基础。书中对骨骼之间连接方式的描述,以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的柔韧性和力量感有了更深刻的理解。我还会尝试将书中的知识应用到人物的表情描绘中,学习面部肌肉是如何联动,从而产生各种细腻的情感表达。我感觉,通过这本书,我不再是单纯地“画”人体,而是开始“理解”人体,这种理解,让我的创作充满了新的可能性。

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我必须承认,这本书的内容非常扎实,对于我这种对人体结构有强烈求知欲的读者来说,简直是如获至宝。我一直对人体素描情有独钟,但常常因为对肌肉和骨骼的理解不够深入,导致画出来的人物总感觉少了些“骨气”和“灵魂”。这本书恰好填补了我的这个空白。它以非常清晰和系统的方式,将复杂的人体解剖学知识分解开来,并且配以大量精美的插图。我特别喜欢书中对各个主要肌群的详细解析,包括它们的名称、位置、作用以及在不同动作下的形态变化。我常常会对着书中的插图,仔细研究每一块肌肉的走向和边界,并尝试在自己的身体上找到对应的部位。这种实践式的学习方式,让我对人体结构有了更直观的感受。我还会反复翻阅关于骨骼结构的章节,特别是脊柱、骨盆和四肢关节的讲解,因为我深知这些骨骼是支撑人体形态的基础。书中对骨骼之间连接方式的描述,以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的柔韧性和力量感有了更深刻的理解。我还会尝试将书中的知识应用到人物的表情描绘中,学习面部肌肉是如何联动,从而产生喜怒哀乐的。我感觉,通过这本书,我不再是单纯地“看”人体,而是开始“理解”人体,这种理解,让我的创作充满了新的可能性。

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这本书的出现,简直是我艺术创作道路上的一座里程碑。我一直对人体素描有着浓厚的兴趣,但常常因为对解剖学知识的匮乏,而感到力不从心,画出来的人物总是显得生硬和不自然。这本书恰好弥补了我的这个短板。它以一种极为清晰和直观的方式,将复杂的人体解剖学知识呈现在我眼前。我尤其欣赏书中对各个主要肌群的详细讲解,包括它们的起点、止点、运动方向以及在不同姿势下的形态变化。我常常会花上很多时间,仔细研究书中的插图,并尝试在自己的身体上找到对应的肌肉,这种互动式的学习体验,让我对人体结构有了更深刻的理解。我还会反复翻阅关于骨骼结构的章节,特别是脊柱、骨盆和四肢关节的讲解,因为我深知这些骨骼是支撑人体形态的基础。书中对骨骼之间连接方式的描述,以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的柔韧性和力量感有了更深刻的认识。我还会尝试将书中的知识应用到人物的表情描绘中,学习面部肌肉是如何联动,从而产生各种细腻的情感表达。我感觉,通过这本书,我不再是单纯地“画”人体,而是开始“理解”人体,这种理解,让我的创作充满了新的生命力和真实感。

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我只能说,这本书简直是给我的创作注入了灵魂。在此之前,我对人体结构的认知,多停留在表面的观察,总觉得画出来的人物缺乏一种内在的逻辑和支撑。而这本书,就像是为我打开了人体解剖学的“天窗”。它用一种非常艺术且科学的方式,将骨骼和肌肉的复杂关系剖析得淋漓尽致。我特别喜欢书中关于人体比例的讲解,它不仅仅是给出一些数值,而是解释了这些比例是如何受到骨骼和肌肉的影响而产生微妙变化的。这让我对“美”有了更深的理解。我还会反复研究书中对各主要肌群的描述,比如胸肌、腹肌、背肌等等,书中会清晰地展示它们在不同姿势下的轮廓和体积感。我还会对照着书中的插图,用手去感受自己身体上相应的肌肉,这种触觉和视觉的结合,让解剖学知识变得更加鲜活和易于理解。我尤其欣赏书中对人体动态描绘的侧重点,它不仅仅是教会你画出肌肉线条,更是告诉你这些线条是如何随着身体的运动而扭曲、拉伸和折叠的。这对于我捕捉人物的动作瞬间,以及表现人物的重心和平衡感,起到了至关重要的作用。

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这本书在我书架上占了不小的位置,最近才开始深入研读。最初吸引我的是它厚实的装帧和封面传达出的专业感,但真正让我沉迷其中,是它展现出的那些精妙的结构线条和骨骼肌肉的动态之美。我一直对人体艺术创作怀有浓厚的兴趣,但常常在描绘动态的人物时感到力不从心,总觉得少了些什么,像是缺少了灵魂的骨架。这本书的出现,就像是为我打开了一扇通往人体奥秘的窗户。它不仅仅是简单地罗列骨骼和肌肉的名称,而是以一种非常直观、甚至可以说是艺术化的方式,将这些复杂的解剖学知识呈现在我眼前。比如,在描绘手臂的弯曲和伸展时,书中会详细讲解肱二头肌和肱三头肌如何协同工作,它们的起点、止点在哪里,收缩时会产生怎样的形体变化。我还会对比书中不同角度的插图,尝试在脑海中构建出三维的肌肉形态,并想象它们在运动时是如何相互牵扯、拉伸和压缩的。这本书让我意识到,即便是最细微的动作,背后都蕴含着一套精密的生物力学原理。我尝试着将书中的知识应用到自己的绘画练习中,每次都会有新的发现。我发现,当我真正理解了肌肉的走向和骨骼的结构后,我笔下的人物便不再是僵硬的符号,而是充满了生命力和动感。那种感觉,就像是原本模糊不清的雕塑,在有了清晰的骨骼支撑后,开始展现出细腻的肌肤纹理和自然的肌肉起伏。我特别喜欢书中对不同体型和年龄段人物的解剖学分析,这让我能够更准确地把握不同角色的特征,并为我的创作增添更多维度。

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这本书带给我的,是一种前所未有的艺术启迪。我一直痴迷于描绘人体,但总感觉自己对人物的理解停留在表面,无法深入到其内在的结构之美。这本书就像是给我打开了一扇通往人体奥秘的宝藏之门。它不仅仅是简单地罗列骨骼和肌肉的名称,更是以一种艺术化的方式,将这些复杂的解剖学知识呈现在我眼前。我特别喜欢书中对人体各个部位的动态描绘,例如,在描绘奔跑的瞬间,书中会详细展示腿部肌群的发力方式和形态变化,这让我对人物的动感和力量感有了更深刻的理解。我还会反复研究书中关于脊柱和骨盆的章节,因为我深知这些部位在塑造人物姿态中的关键作用。书中对骨骼之间的连接方式以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的灵活性有了更深刻的认识。我还会尝试将书中的解剖学知识运用到人物的表情描绘中,学习面部肌肉是如何联动,从而产生各种细腻的情感表达。我发现,当我对人体结构有了更深入的理解后,我笔下的人物便不再是僵硬的符号,而是充满了生命力和真实感。这种感觉,就像是原本模糊不清的雕塑,在有了清晰的骨骼支撑后,开始展现出细腻的肌肤纹理和自然的肌肉起伏。我还会尝试用书中提供的解剖学知识去分析我喜欢的艺术家作品,从中发现那些巧妙的形体处理和结构表现,这无疑极大地提升了我对艺术的鉴赏能力。

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我对这本书的评价,简直是无法用言语来表达的感激之情。在我接触这本书之前,我一直认为画好人体是一件非常困难的事情,因为我缺乏对人体结构的深入了解。这本书就像是一盏明灯,照亮了我前进的道路。它以非常系统和易于理解的方式,将复杂的人体解剖学知识分解开来,并配以大量精美的插图。我特别喜欢书中对主要肌群的详细解析,包括它们的名称、位置、作用以及在不同动作下的形态变化。我常常会对着书中的插图,仔细研究每一块肌肉的走向和边界,并尝试在自己的身体上找到对应的部位。这种实践式的学习方式,让我对人体结构有了更直观的感受。我还会反复翻阅关于骨骼结构的章节,特别是脊柱、骨盆和四肢关节的讲解,因为我深知这些骨骼是支撑人体形态的基础。书中对骨骼之间连接方式的描述,以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的柔韧性和力量感有了更深刻的理解。我还会尝试将书中的知识应用到人物的表情描绘中,学习面部肌肉是如何联动,从而产生喜怒哀乐的。我感觉,通过这本书,我不再是单纯地“看”人体,而是开始“理解”人体,这种理解,让我的创作充满了新的可能性。

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不得不说,这本书是我近期阅读过的最具有启发性的艺术类书籍之一。我一直以来都对人体形态有着强烈的描绘欲望,但常常因为对解剖学知识的欠缺,而导致画出来的人物总是显得生硬且缺乏生命力。这本书就像是一盏明灯,为我指明了方向。它以一种极其详尽且易于理解的方式,将复杂的人体解剖学知识系统地呈现在我眼前。我尤其欣赏书中对人体各个主要肌群的详细讲解,包括它们的名称、位置、作用以及在不同动作下的形态变化。我常常会花很多时间,仔细研究书中的插图,并尝试在自己的身体上找到对应的肌肉,这种互动式的学习体验,让我对人体结构有了更深刻的理解。我还会反复翻阅关于骨骼结构的章节,特别是脊柱、骨盆和四肢关节的讲解,因为我深知这些骨骼是支撑人体形态的基础。书中对骨骼之间连接方式的描述,以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的柔韧性和力量感有了更深刻的认识。我还会尝试将书中的知识应用到人物的表情描绘中,学习面部肌肉是如何联动,从而产生各种细腻的情感表达。我感觉,通过这本书,我不再是单纯地“画”人体,而是开始“理解”人体,这种理解,让我的创作充满了新的生命力和真实感。

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这本书的价值,在我看来,远超乎我最初的想象。我购买它的初衷,是希望能在绘画中更准确地描绘人物的形体,但它所带来的启示,已经远远超出了这个范畴。书中关于人体比例的讲解,非常系统和科学,它不仅仅是给出一些固定的比例数值,而是解释了这些比例是如何受到骨骼和肌肉的影响而产生微妙变化的。我开始意识到,人体并非是某种僵化的标准模具,而是在遵循一套内在的逻辑和规律。我喜欢它对各个肌群的详细分析,比如胸肌、腹肌、背肌等等,书中会清晰地展示它们在不同姿势下的轮廓和体积感。我还会对照着书中的插图,用手去感受自己身体上相应的肌肉,这种触觉和视觉的结合,让解剖学知识变得更加鲜活和易于理解。我尤其欣赏书中对人体动态描绘的侧重点,它不仅仅是教会你画出肌肉线条,更是告诉你这些线条是如何随着身体的运动而扭曲、拉伸和折叠的。这对于我捕捉人物的动作瞬间,以及表现人物的重心和平衡感,起到了至关重要的作用。我曾多次尝试用书中讲解的原理去画一些复杂的动态姿势,比如奔跑、跳跃、甚至是一些高难度的瑜伽体式,每次都能从中获得新的灵感和突破。这本书不仅仅是绘画的工具书,它更像是一本关于人体之美的百科全书,让我对人类的身体有了全新的认识和敬畏。

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我得说,这本书简直是为我量身定做的。我之前尝试过一些关于人体解剖学的书籍,但要么太枯燥乏味,要么就是过于浅显,无法满足我深入探索的需求。而这本《艺用人体解剖学》完全打破了我的预期。它的内容深度和广度都让我惊叹,每一页都充满了干货。我尤其欣赏它在讲解肌肉时,不仅仅是给出静态的图示,还会通过大量的动态示意图,展示肌肉在不同运动状态下的变化。例如,在描绘跳跃的动作时,书中会对腿部主要肌群的发力方式和形态变化进行细致的分析,这对于我理解和表现人物的力量感和爆发力非常有帮助。我常常会花上好几个小时,仔细揣摩书中关于脊柱、骨盆和肩胛骨的章节,因为我深知这些部位在塑造人物姿态中的关键作用。书中对骨骼之间的连接方式以及关节的运动范围的讲解,也让我对人体的灵活性有了更深刻的认识。我还会反复翻阅关于面部肌肉的章节,学习它们是如何联动,从而产生各种表情的。我发现,许多时候,人物的情绪表达,很大程度上取决于面部微小的肌肉变化。这本书就像是一个经验丰富的老师,循循善诱地引导我一步步揭开人体之美的面纱。我还会尝试用书中提供的解剖学知识去分析我喜欢的艺术家作品,从中发现那些巧妙的形体处理和结构表现,这无疑极大地提升了我对艺术的鉴赏能力。

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