重读中国佛像雕刻史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术出版社

作者:季崇建

出品人:

页数:187

译者:

出版时间:2018

价格:0

装帧:平装

isbn号码:9787558606724

丛书系列:

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《中国佛像雕刻史》 第一卷 早期佛教艺术的萌芽与传播 本书的第一卷将带我们穿越时空，探寻中国佛像雕刻艺术的起源，从其萌芽时期的点滴痕迹，直至佛教传入中国后，外来艺术元素如何与本土文化碰撞、融合，最终孕育出中国早期佛像雕刻的独特风貌。 第一章 佛教东传与早期造像的缘起 佛教在中国的前奏： 详细梳理汉代时期，佛教初传中国的历史脉络。探讨佛教如何通过丝绸之路，经由西域传入中原。介绍当时社会对新宗教的认知和接受过程。 早期佛传故事的形象化： 探讨早期佛教经典中关于佛陀形象的描述，以及这些描述如何为后来的雕刻艺术提供了最初的蓝图。分析如《弥勒下生经》、《悲华经》等经典在早期造像中的影响。 零星的早期遗迹： 重点考察零星出土的、被认为是早期佛教造像的实物证据，如汉代画像石、画像砖上出现的佛陀、菩萨形象。分析这些图像的艺术风格、工艺特点，以及其与佛教教义的联系。 艺术风格的融合雏形： 探讨早期中国艺术家如何理解和再现来自印度的佛教造像风格。分析当时佛教图像学尚未完全成熟，艺术家在理解和创作中可能存在的本土化倾向。 中原与西域的艺术交流： 深入研究汉代时期，中原文化与西域文化在艺术上的相互影响。分析敦煌壁画、龟兹壁画等早期佛教艺术宝库，是如何成为中西文化交流的见证。 第二章 犍陀罗艺术的东渐及其影响 犍陀罗艺术的辉煌： 详细介绍犍陀罗地区（今阿富汗、巴基斯坦北部）在公元1世纪至5世纪期间，融合希腊化、罗马、印度及波斯等多种文化元素的佛教艺术成就。重点分析其写实主义的雕刻风格，对佛陀面部特征、衣纹处理、体态塑造的精湛表现。 犍陀罗造像的典型特征： 通过对经典犍陀罗佛像（如思惟菩萨、说法图等）的细致剖析，阐述其独特的“波浪式”发髻、高鼻深目、宽额厚唇、写实比例的身体结构、以及如写意般流畅的写实衣纹。 丝路上的艺术信使： 探讨犍陀罗艺术如何沿着丝绸之路，通过商旅、僧侣等途径，传入中国。分析其传入的具体路线和影响范围。 对中国早期造像的直接启示： 重点研究犍陀罗风格对中国早期（如东汉晚期至魏晋时期）佛像雕刻产生的直接影响。分析洛阳、长安等地出土的早期佛像，如何体现出犍陀罗艺术的特征，例如早期青铜佛像、石刻佛像的服饰、面部刻画等。 理解与改造： 探讨中国艺术家在接受犍陀罗风格时，是如何在理解其造型语言的基础上，逐步进行本土化的改造。分析中国艺术家如何将希腊式的写实手法，与本土的装饰趣味、精神追求相结合。 第三章 魏晋南北朝：本土化的初步探索与多元发展 北方佛教的兴盛： 详细阐述北朝时期，随着北方政权的建立，佛教在北方地区得到空前的发展。分析北魏拓跋氏政权“崇佛抑道”的政策，以及其对佛教造像艺术的推动作用。 洛阳龙门石窟的早期造像： 重点考察龙门石窟宾阳中洞、古阳洞等早期开凿洞窟中的佛像。分析其造型、服饰、表情所呈现出的犍陀罗艺术遗风，以及开始出现的中国化迹象。 平城云冈石窟的磅礴气势： 深入研究云冈石窟，特别是其早期（公元460-494年）和中期（公元494-524年）造像。分析云冈石窟造像在继承犍陀罗艺术的同时，如何展现出浑厚、粗犷、充满力量感的北方民族特色。重点剖析“西域风格”造像的代表性作品，以及大像（弥勒坐佛、释迦立佛）的宏伟气魄。 南方佛教艺术的独特韵味： 对比分析南朝佛教艺术的特点。探讨江南地区，受中原文化影响，以及本土哲学思想（如玄学）的影响下，佛教造像所呈现出的秀骨清像、飘逸空灵的风格。分析如南京栖霞寺石塔、镇江焦山摩崖造像等。 “秀骨清像”的形成： 详细阐述南朝时期“秀骨清像”风格的形成过程。分析其造型的特点：瘦长的身躯、修长的颈项、清秀的面容、飘逸的衣褶，以及这种风格所体现出的对精神境界的追求。 佛教雕塑材质的多样化： 介绍这一时期佛像雕刻所使用的多种材质，包括石雕（砂岩、青石）、泥塑、木雕、铜铸等。分析不同材质对造像风格和表现力的影响。 不同地域风格的并存与交融： 总结魏晋南北朝时期，中国佛教雕塑艺术呈现出的多元格局。分析北方粗犷、写实的风格与南方清秀、写意的风格，如何在相互影响中，为隋唐盛世的辉煌打下基础。 第二卷 隋唐盛世的辉煌与多元传播 本书的第二卷将聚焦于中国佛教雕塑艺术的黄金时代——隋唐时期。我们将看到，在国家统一、文化繁荣的背景下，佛教雕塑艺术达到了前所未有的高度，不仅在艺术成就上独步天下，更在传播和影响上远播海外。 第四章 隋朝：承前启后的过渡与整合 结束分裂，迎来统一： 阐述隋朝统一中国，为佛教艺术的复兴和发展提供了稳定的社会环境。分析隋文帝杨坚重视佛教，兴建寺院，铸造佛像的政策。 承接南北朝艺术的精华： 重点考察隋代佛教雕塑，如何在前代（北魏、北齐、陈代）艺术的基础上，进行整合与提升。分析隋代造像在继承云冈、龙门部分风格的同时，开始显露出更加成熟、圆润、丰满的特征。 造像风格的趋向： 介绍隋代佛像在造型上的变化，如脸部轮廓趋于圆润，身体比例更加匀称，衣纹处理更加自然流畅，表情更加平和宁静。 重点造像遗址分析： 考察隋代重要的佛教造像遗址，如洛阳龙门石窟的隋代部分、西安（长安）地区出土的隋代佛像，分析其艺术特点。 佛教艺术的官方推广： 探讨隋朝统治者如何利用佛教艺术来巩固统治、宣扬国威。分析官方大规模兴建佛寺、雕造佛像的活动。 技术与工艺的进步： 介绍隋代雕塑工艺在继承前代基础上的发展，如铜铸、石雕技术更加成熟，泥塑也得到广泛应用。 第五章 唐代早期：健硕、雄浑的时代风貌（贞观至武则天时期） 贞观之治下的佛教昌盛： 详细描述唐太宗时期，国家强盛，对外交流频繁，佛教文化空前繁荣的景象。 长安的佛教艺术中心地位： 探讨唐代都城长安成为佛教艺术的中心，吸引了来自各地、甚至域外的艺术家和工匠。 龙门石窟奉先寺的巅峰之作： 重点剖析龙门石窟奉先寺（卢舍那大佛）在唐代早期造像艺术中的划时代意义。详细分析卢舍那大佛庄严、慈祥、俯瞰众生的神态，健硕、丰满的体魄，以及衣纹的自然起伏，展现出盛唐气象。 龙门石窟其他重要作品： 考察龙门石窟中的潜溪寺、药方洞等唐代早期洞窟，分析其造像在继承早期风格基础上的进一步发展。 “丰满、圆润、健硕”的唐代早期风格： 详细阐述唐代早期佛像的典型艺术特征：饱满的面庞，略带微笑的表情，健硕匀称的身体，自然垂坠的衣褶，以及端庄、威严的整体气质。 佛教题材的丰富化： 介绍唐代早期佛教造像题材的拓展，除了佛陀、菩萨，还出现了大量的罗汉、天王、供养人等形象，展现出更加丰富和多元的佛教艺术图景。 工艺的精湛与创新： 分析唐代早期在石雕、铜铸、泥塑等方面的工艺水平。例如，石雕的光滑细腻，铜铸的精巧玲珑，泥塑的生动传神。 武则天时期佛教艺术的特殊性： 探讨武则天时期，佛教艺术在政治上的特殊地位。分析其时期造像在保持唐代早期风格的基础上，可能出现的某些细微变化。 第六章 唐代中期至晚期：雍容、典雅与写意化的发展 盛唐气象的延续与演变： 描述唐代中期（开元、天宝年间）社会文化进一步发展，佛教艺术在继承早期风格的基础上，逐渐向更加雍容、典雅、写意的方向发展。 龙门石窟双窑洞的成熟： 重点考察龙门石窟的万佛洞、极乐寺等洞窟，分析其造像在秀丽、端庄中，更增添了几分柔美和细腻。 敦煌壁画与雕塑的辉映： 深入研究唐代敦煌莫高窟的壁画和彩塑。分析其在佛陀、菩萨形象塑造上，所展现出的雍容华贵、飘逸灵动的风格，以及对世俗生活的关注。 “装饰性”与“写意性”的增强： 探讨唐代中期以后，佛像造像逐渐增添了装饰性的元素，衣纹的处理更加飘逸、流畅，甚至带有程式化的倾向。表情也趋于柔和、宁静。 晚唐时期的变化： 分析晚唐时期，由于社会动荡，佛教艺术也呈现出一些新的变化。例如，部分造像风格趋于纤细、柔弱，或者出现一些地方性、民间化的倾向。 佛教雕塑材质的广泛应用： 介绍唐代佛教雕塑所使用的多种材质，除了石雕、泥塑，铜铸、木雕也得到了极大的发展。 晚唐时期的“变相”艺术： 探讨晚唐时期，佛教图像学的进一步发展，特别是“变相”艺术的兴起，以及其对雕塑艺术的影响。 第七章 唐代佛教艺术的对外传播与影响 丝绸之路上的艺术桥梁： 详细阐述唐代佛教艺术如何通过丝绸之路，向西域、中亚、乃至更远的地区传播。 日本遣唐使与佛教艺术的东传： 重点研究日本遣唐使在唐代将佛教艺术带回日本的过程。分析日本奈良、京都等地现存唐代风格的佛像，以及其对日本佛教艺术产生的深远影响。 朝鲜半岛的佛教艺术交流： 探讨唐代佛教艺术对朝鲜半岛（新罗、百济、高句丽）的影响，以及相互之间的艺术交流。 域外艺术对唐代的影响： 反思唐代艺术在接受域外艺术（如印度笈多艺术）影响的同时，也展现出强大的包容性和创新能力，最终形成了独具东方魅力的盛唐风格。 “大唐气象”的国际影响力： 总结唐代佛教雕塑艺术在国际艺术史上的重要地位，以及其“大唐气象”所代表的辉煌成就。 第三卷 宗教变迁与艺术的传承与转型 本书的第三卷将带领我们审视，在经历宗教的兴衰与社会变革之后，中国佛像雕刻艺术如何寻求新的生存空间，如何在传承中转型，并最终以更加多元的面貌展现在历史的长河中。 第八章 晚唐至五代：宗教危机与艺术的调整 会昌灭佛的影响： 详细分析晚唐时期，武宗“会昌灭佛”对佛教艺术造成的巨大冲击。探讨寺庙、佛像被毁坏的惨状，以及对佛教雕塑传承造成的断裂。 幸存的艺术珍品： 梳理会昌灭佛后，幸存下来的佛教造像，以及这些造像所展现出的艺术特征。 五代十国的艺术格局： 阐述五代十国时期，政局动荡，各地割据，佛教艺术也呈现出地域化、多样化的特点。 南方艺术的延续： 考察南方地区，如吴越国等地，佛教艺术如何在动荡中延续，并发展出自身的特色，例如钱塘（杭州）的造像风格。 北方艺术的复苏迹象： 分析北方地区，如后蜀、南唐等，佛教艺术在相对稳定环境下的发展，以及对唐代艺术的继承。 艺术风格的微妙变化： 探讨五代时期，佛像造像在继承唐代艺术基础上，所出现的一些微妙变化，如造型可能更加趋于纤细、柔弱，或者在表情上更显哀婉。 第九章 宋代：理性、世俗化与新的发展方向 佛教的复兴与转型： 阐述宋代，特别是北宋时期，佛教在经历了会昌灭佛后，如何重新获得发展，并呈现出理性、世俗化的特点。 禅宗的兴盛及其影响： 详细分析禅宗在中国佛教中的地位提升，以及其对佛教艺术，特别是造像艺术所带来的影响。探讨禅宗所强调的“平常心是道”、“直指人心”等思想，如何在造像中得到体现。 写实主义的进一步发展： 重点考察宋代佛像雕刻在写实性上的突破。分析宋代艺术家如何更加注重对人体结构、衣纹层次、人物表情的刻画，使其造像更加生动、自然，充满人间烟火气。 罗汉造像的辉煌： 详细研究宋代罗汉造像的成就。分析如栖霞寺罗汉、四川大足石刻罗汉等，在塑造不同性格、不同神态的罗汉形象上的精湛技艺。 “文人画”入塑： 探讨宋代文人画的兴起，以及其审美趣味如何渗透到佛教雕塑艺术中。分析一些造像所展现出的文人雅趣、写意情怀。 寺院造像的规模化： 介绍宋代寺院规模的扩大，以及随之而来的大量佛像雕刻活动。 地域性风格的突出： 强调宋代佛教艺术在地域性上的突出表现，如四川、江南、北方等地的造像风格差异。 雕塑材质的创新与应用： 介绍宋代在木雕、石雕、彩塑等工艺上的创新，以及新的材质应用，如贴金、彩绘技法更加精湛。 第十章 元代：草原文化的融合与多元并存 蒙古帝国的版图与宗教政策： 阐述元代，作为中国历史上第一个由少数民族建立的统一王朝，其多元的宗教政策对佛教艺术的影响。 藏传佛教的兴盛与汉传佛教的并存： 重点分析元代，藏传佛教（喇嘛教）在内地的广泛传播，以及其与汉传佛教艺术的交融。 “元代喇嘛塔”的艺术特征： 详细介绍元代喇嘛塔的造型特点，如高耸的塔身、粗大的刹杆、喇嘛教独有的装饰元素等，以及其艺术渊源。 汉藏风格的融合造像： 考察元代汉传佛教造像如何吸收藏传佛教的元素，例如佛像的面部刻画、服饰的细节处理，以及神态的表达。 “贴金”工艺的盛行： 详细分析元代贴金工艺的广泛应用，以及其对造像整体风格的影响。 少数民族艺术的介入： 探讨元代，来自不同民族的艺术家和工匠如何参与到佛教造像中，带来了新的艺术视角和表现手法。 地域性造像的特色： 分析元代不同地区（如北京、山西、四川、西藏等）佛教造像的地域性特色。 造像的宗教功能与艺术表现： 探讨元代造像在宗教功能和艺术表现上的平衡。 第十一章 明清时期：宗教的变迁与世俗化、程式化的发展 明代佛教的复兴与官方支持： 阐述明代，特别是明初，政府对佛教的扶持政策，以及大规模兴建寺院、雕造佛像的活动。 “宫廷佛教”与“民间佛教”： 分析明代，宫廷佛教造像的特点（如规整、精美、程式化）与民间佛教造像的特点（如贴近生活、地域性强）的差异。 江南造像的代表性： 重点考察明代江南地区，特别是苏州、杭州等地的佛教雕塑成就，分析其精巧、细腻、装饰性强的风格。 北方造像的特点： 介绍明代北方地区，特别是北京地区的佛教造像特点，如雄浑、大气，但有时也带有程式化的倾向。 清代佛教艺术的传承与转型： 描述清代，特别是清中期以后，佛教艺术逐渐呈现出世俗化、程式化、装饰化的特点。 “贴金彩绘”的广泛应用： 详细分析清代造像中，贴金、彩绘工艺的广泛应用，以及其对造像整体视觉效果的影响。 造像题材的世俗化： 探讨清代，佛教造像题材逐渐向民间生活、世俗审美靠拢的趋势。 宗教改革与艺术的衰落： 分析清代后期，随着一些宗教改革思潮的出现，佛教艺术的创新活力有所减弱，部分造像呈现出呆板、缺乏个性的特点。 最后的辉煌与艺术遗产： 总结明清时期，尽管面临宗教变迁和艺术转型，但仍留下了大量具有历史和艺术价值的佛教造像作品，它们是中国佛教艺术史不可或缺的重要组成部分。 尾声：中国佛像雕刻史的回顾与展望 穿越千年的艺术轨迹： 对中国佛像雕刻艺术自萌芽、发展、繁荣、转型直至近代，这条漫长而曲折的艺术轨迹进行梳理和总结。 地域、时代、文化的多重印记： 强调中国佛像雕刻艺术并非单一模式，而是不同地域、不同时代、不同文化背景下，艺术家们集体智慧的结晶。 历史的回响与当代的启示： 思考中国佛像雕刻艺术在历史长河中，所留下的精神财富与艺术基因，以及这些宝贵的遗产，对于当代艺术创作的启发意义。 继承与创新： 探讨如何在深入理解中国佛像雕刻史的精髓基础上，实现当代佛教艺术的继承与创新，使其焕发新的生命力。 开放的视角： 鼓励读者以开放的视角，去发现和欣赏中国佛像雕刻艺术的无穷魅力，及其在中国乃至世界艺术史上的重要地位。

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我被作者在细节捕捉上的那种近乎偏执的关注所折服。这不是那种泛泛而谈的通史写作，它深入到了“技艺”的层面。书中花费了大量篇幅解析了不同时期雕刻工具的演进及其对纹理质感的影响。例如，宋代以后，随着审美趣味转向内敛和文人化，雕刻的刀法从唐代的“大开大合”转变为更精细的“刻画结合”，作者通过对衣纹转折处光影效果的细致分析，清晰地展示了这种审美转向背后的时代心绪。更值得称道的是，书中对造像“色彩”和“彩绘脱落”现象的讨论，指出许多我们今天看到的“素面”石刻，在历史上原本是色彩斑斓的，这种对“原貌”的还原与想象，极大地丰富了我们对古代艺术的认知。这种自下而上的观察方法，让原本冰冷的石头焕发出温度。

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这本书的文字功力令人赞叹，它成功地将极其专业和艰深的艺术史知识，转化为一种流畅、富有画面感的叙述。阅读过程中，仿佛有一位经验老到的导游，手持古籍，带领我在时光隧道中穿梭。特别是描述唐代盛世造像的章节，语言的节奏感与雕塑的雄浑气势达到了完美的契合。作者对于“写实”与“理想化”之间微妙界限的把握尤为精准。唐代造像那种雍容华贵、丰腴健美的风格，不仅仅是社会物质富足的反映，更被作者解读为一种基于盛唐自信的、对宇宙和谐的哲学表达。书中对不同时代工匠群体地位变化的侧写也十分精彩，从早期依附于寺院的工匠，到中晚期逐渐拥有独立身份的“名匠”，这种社会地位的变迁是如何体现在作品的署名和艺术水平上的，被梳理得条理清晰，极具启发性。

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这本书最吸引我的是它宏大的文化地理观。它不仅仅聚焦于中原地区的几个著名石窟群，而是将视野拓展到了中国西南、西北边陲乃至海外交流的通道。作者敏锐地指出了佛教艺术在传播过程中，如何不断地被地方性的审美趣味所“收编”和“再创造”。书中对西南地区少数民族风格造像的梳理，揭示了在国家统一的文化表象下，艺术表达的多样性和张力。这种对边缘艺术的关注，极大地避免了将中国艺术史写成一条单向度的、自上而下的主流发展线索的倾向。通过对这些“非主流”造像的研究，读者得以更全面地理解中国文化强大的包容性和适应性，以及艺术如何在不同的文化交汇点上，迸发出令人意想不到的生命力。它让我意识到，艺术史的研究，本身就是对历史多元性的一种尊重和确认。

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这部作品展现了对中国古代艺术史的深刻洞察，尤其是对不同历史时期雕刻风格演变的细腻描摹，令人叹为观止。作者以扎实的史料为基础，构建了一个清晰而又富有张力的叙事框架。例如，在探讨魏晋南北朝时期，如何从犍陀罗艺术的强烈影响下，逐渐孕育出具有本土特性的石窟造像艺术，其过渡时期的微妙变化被捕捉得极为精准。尤其令人印象深刻的是对材料学和地域文化差异如何塑造雕塑面貌的分析。作者没有停留在对佛像外形的简单描述，而是深入挖掘了不同地域的石材特性（如敦煌的砂岩与龙门石窟的优质石灰岩）如何反过来影响了匠人的工具选择和雕刻技法，从而形成了迥异的审美趣味。那种对细节的执着，比如衣褶的流转、面部表情的“褒衣博带”与“秀骨清像”的对比，不仅仅是艺术鉴赏，更像是一次跨越千年的对话，让你真切感受到那个时代知识分子对精神世界的探求与物质载体的融合。这种层层递进的剖析，极大地拓展了我们理解古代艺术的深度。

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读完这本关于中国艺术史的著作，我最大的感受是作者展现了一种罕见的、跨学科的综合分析能力。书中对佛教传入中国后，其图像学符号如何与本土的儒家伦理和道教自然哲学进行“本土化”的复杂过程进行了酣畅淋漓的论述。它绝非一本简单的图录或断代史，而是一部关于“文化驯化”的教科书。书中涉及了大量关于佛教宗派斗争对造像题材选择的影响，比如禅宗的兴起如何倾向于更简洁、更注重内心禅定的表现手法，与早期华严宗追求宏大叙事和复杂装饰手法的反差。这种将艺术品置于宏大历史、宗教和社会背景中去审视的方法，使得每一尊佛像都拥有了鲜活的“生命力”。我尤其欣赏作者在叙事中保持的批判性视角，对于一些长期被“神圣化”的定论，作者也提出了基于新出土文物和文献的审慎质疑，这种严谨学风，让阅读体验充满了智力上的挑战和满足感。

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