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出版者:黄山书社

作者:陈纪滢

出品人:

页数:166

译者:

出版时间:2008年12月

价格:20.00元

装帧:平装

isbn号码:9787546100999

丛书系列:传记文学

图书标签:

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好的，这是一份关于一本名为《齐如老与梅兰芳》的书籍的详细图书简介，但请注意，这份简介完全不涉及《齐如老与梅兰芳》这本书的任何具体内容，而是围绕一个假设的、不相关的主题展开，以满足您的要求。 --- 《沧桑梨园：京剧艺术的传承与变革》 （副标题：百年舞台上的光影流转与角色命运） 作者： 洪云舟 出版社： 翰墨轩文化 装帧： 精装，附赠手绘戏曲服饰图谱 字数： 约 45 万字 --- 序言： 当锣鼓初歇，历史沉淀下的舞台肌理 京剧，作为中国戏曲的集大成者，其生命力不仅在于华美的唱腔和精湛的做功，更在于它所承载的数代梨园子弟的汗水、泪水与荣耀。本书并非聚焦于某一位或某几位特定的艺术巨匠，而是选择了一个更为宏大且复杂的视角：探讨京剧艺术在近代百年间的 传承谱系、风格演变、以及剧目结构 的深刻变化。 《沧桑梨园》是一部严肃的、具有学术深度的戏曲史论著作，它像一把解剖刀，冷静而细致地剖析了自清末民初至二十世纪末，京剧艺术在社会巨变中如何求生存、谋发展、以及最终走向风格多元化的复杂历程。作者洪云舟先生，一位浸淫戏曲研究数十年、对舞台历史有着近乎痴迷的考据精神的学者，力图从全新的史料和交叉学科的视角，重构京剧艺术的“生态系统”。 第一部分：基石的构建——“四大名旦”之前的格局重塑 (约 120000 字) 这一部分将目光投向京剧形成初期，一个尚处于摸索和融合阶段的艺术形态。作者细致考察了徽班进京、汉调声腔的融入，以及京剧如何从“花部乱弹”中脱颖而出，成为“国粹”的奠基过程。 核心议题聚焦于： 1. 声腔的地域融合与规范化： 探讨了早期老生、青衣、花脸等行当在声腔运用上，如何打破地域限制，形成相对稳定的“京味儿”规范。这其中穿插了大量对早期戏班演出契约、班社管理制度的田野考察资料，揭示了艺术规范背后严苛的商业逻辑。 2. 剧目谱系的早期整理： 京剧的传统剧目浩如烟海，本卷着重分析了早期剧目在“科班”教育体系下的传承模式。作者对比了不同戏班对同一剧目在结构、腔板上的微小差异，勾勒出早期京剧的“口头传承”与“手抄本”之间的微妙张力。 3. 舞台美术的初级阶段： 简略分析了早期京剧在布景、服装、甚至灯光运用上，如何从民间戏曲的朴素样式中汲取养分，逐渐建立起符合宫廷及士绅阶层审美的视觉符号系统。这部分内容对后世对“程式化”的理解具有重要的溯源意义。 第二部分：风格的分化与时代的烙印 (约 150000 字) 如果说第一部分是京剧的“童年”，那么第二部分则聚焦于艺术生命力最旺盛、冲突也最激烈的“青春期”。这一阶段的京剧，面临着社会转型带来的巨大冲击，艺术风格也开始呈现出显著的、甚至是对立的分化。 重点探讨了“流派纷呈”背后的驱动力： 1. 流派艺术的内在逻辑： 本章并未简单罗列艺术家的成就，而是深入剖析了不同流派在核心审美理念上的差异。例如，对某一流派在“气口”处理上的坚持，与另一流派对“韵味”的极致追求，其背后的文化心理动因是什么？作者引入了当时的报刊评论、私人信函作为佐证，展现了艺术理念冲突的真实面貌。 2. “新剧目”的艰难探索： 随着社会议题的复杂化，京剧的传统剧目已无法完全承载时代精神。本部分详尽梳理了民国时期尝试编演“新戏”的努力，从《淞沪战役》到更具思想性的作品，分析了这些探索如何在唱腔、动作与现代叙事之间寻找平衡点，以及这些尝试最终因为何种原因未能获得持续的生命力。 3. 剧场生态与观众群体的变迁： 京剧的观众不再仅仅是王公贵族，新兴的市民阶层、知识分子群体开始涌入戏园子。作者通过对不同剧场（如广和成、丹桂剧场等）的运营模式对比，揭示了商业竞争如何影响了剧目的选择和艺术的取舍。 第三部分：体制化与现代性的双向张力 (约 130000 字) 进入新中国成立后，京剧艺术的命运被纳入了国家整体的文化建设规划之中。这一部分是全书最具张力和思想深度的部分，旨在探讨国家意志、艺术规律与历史偶然性三者交织出的复杂局面。 1. “向现代迈进”的路径选择： 详细记录和分析了京剧改革时期，专家学者们在剧目改编、舞台写意化、以及对传统“禁区”的处理上所进行的艰难权衡。改革的初衷与最终呈现出的艺术效果之间，存在哪些理论与实践上的鸿沟？ 2. “整理汇演”的遗产与代价： 集中分析了二十世纪五六十年代对传统剧目进行系统性“抢救性记录”的意义。作者强调，这次空前的整理工作，一方面固化了许多已臻化境的艺术范式，但也客观上对后世的自由创新设置了某种无形的参照系。 3. 艺术家的个体命运与集体叙事： 通过对多位在特定历史时期处于风口浪尖的艺术家群体（而非特指个人）的集体行为分析，探讨了在高度集中的体制下，个体创造力如何被宏大叙事所塑造、规约，以及这种塑造对艺术风格的长期影响。作者试图在集体荣誉感与个体艺术追求之间，找到一个冷静的、历史的落点。 结语： 回望来路，面向未来的一声唤醒 《沧桑梨园》的终点并非某个特定年份的“句号”，而是对京剧艺术生命力的持续探问。洪云舟先生认为，真正的传承，不是对某一特定时代巅峰的机械模仿，而是对艺术核心精神的深刻理解，并将其置于新的时代语境中进行创造性的激活。 本书的价值在于，它以严谨的考据和宏大的叙事结构，提供了一个理解京剧艺术发展脉络的框架。它要求读者放下对单一偶像的膜拜，转而关注 艺术生态的变迁、风格哲学的思辨，以及时代洪流中每一段唱腔背后的深层社会动因。这是一本献给所有热爱中国传统文化，并渴望深入了解京剧“内里乾坤”的严肃读者的重量级著作。 --- （附：本书包含大量珍贵历史图片、舞台设计草图，以及首次披露的清末戏班账目复印件，为研究者提供了宝贵的原始资料。）

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说实话，这本书的叙事节奏把握得非常到位，一点也不拖沓，但又在关键之处留足了空间供人回味。它更像是一部精心编排的戏曲，有起承转合，有高潮迭起。我尤其欣赏作者在描述艺术家的个人魅力时所采用的散文诗般的笔调，那种既饱含敬意又充满理解的文字，让人读来心潮澎湃。它没有那种刻板的说教腔调，而是像一位老友在耳边娓娓道来，分享那些鲜为人知的幕后故事和创作心路。每当我合上书本，都会忍不住在脑海中重演书中所描绘的那些经典场景，那种强烈的画面感和代入感，是很多同类题材书籍所不具备的。这本书无疑是为那些真正热爱舞台艺术，渴望探究其灵魂深处的人所准备的。

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这本关于京剧艺术瑰宝的书，简直是京剧爱好者的一份厚礼。作者的笔触细腻而富有洞察力，对舞台艺术的理解简直达到了炉火纯青的地步。他不仅仅是在记录历史，更是在用文字重现那些转瞬即逝的舞台光影和细腻的情感波动。读到那些关于经典剧目表演细节的描述时，我仿佛真的置身于剧场之中，能清晰地感受到演员每一个眼神、每一个手势所蕴含的深厚文化底蕴。尤其是书中对舞台服装、布景的考究，让我对传统戏曲的综合艺术性有了更深一层的认识。很多我以为自己已经很了解的段落，在作者的重新解读下，焕发出了全新的光彩，让人不得不佩服其深厚的学养和敏锐的艺术感知力。这本书的阅读过程，与其说是在“读”，不如说是在“品”，品味着流淌在文字间的艺术精髓。

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我很少读到如此结构严谨且充满人文关怀的艺术传记。这本书的厉害之处在于，它没有将笔下的艺术人物简单地塑造成完美的符号，而是展现了他们在艺术追求中的挣扎、创新与突破。作者对那个时代艺术环境的背景交代得非常清晰，使得我们能更全面地理解艺术家的创作土壤和环境的局限与机遇。这种宏观的视角与微观的个体命运交织在一起，形成了一种强大的张力。读完后，我不仅对艺术家的技巧有了更深的认识，更对他们作为个体在时代洪流中坚守艺术理想的精神深感震撼。它教会我，伟大的艺术从来不是凭空产生的，而是根植于生活、浸润于时代之中的。

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从学术研究的角度来看，这本书的资料搜集和考证工作量是惊人的，但它绝不是一本让人望而生畏的“硬书”。作者高超的文字驾驭能力，让那些复杂的理论和大量的历史细节都变得生动有趣，易于消化。它成功地搭建起了一座连接古典艺术殿堂与现代读者的桥梁。我特别留意了书中对一些传统技艺名词的解释，那种精准又不失生动的阐释，极大地提高了我的理解效率。这本书对于想要系统了解某一特定艺术门类发展脉络的读者来说，简直是不可多得的入门和进阶指南，兼具知识性、趣味性和高度的可靠性。

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这本书给我的最大感受是“情深”。它不仅仅是对艺术成就的罗列和赞美，更是对一种精神传承的深情回望。作者的文字里充满了对美好事物的尊重和留恋，他似乎在用尽全力，试图将那些稍纵即逝的“美”永久地定格下来。阅读过程中，我多次被那种对艺术近乎虔诚的热爱所感染，以至于我拿起这本书时，周围的一切都仿佛褪去了颜色，只剩下文字中流动着的、鲜活的艺术生命力。这是一种极其纯粹且强大的阅读体验，让人在享受知识的同时，也被深深地触动和鼓舞，激励着我们去珍惜和传承那些值得被铭记的文化遗产。

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很多内容早已是公之余众，亦有很多内容是当事人的手记，还算珍贵

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没什么新东西，感觉像换个视角重读一遍齐如山回忆录。 顺便立个小FLAG，2019年要去书里提到的角儿们住过的地方走一趟。

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资料多有重复，一本书好些个车轱辘话。

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如果不是对京剧很是喜欢，可以不看。主要关注齐如老与梅大师之间的合作与情谊，以及二人周边的一些名伶。对于当时的一些社会背景及事件触及较少。

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好多地方有重复，但是还挺有意思的。动不动就“此处删去2个字”也挺神奇。