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页数:46

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出版时间:2009-1

价格:50.00元

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isbn号码:9787229000721

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《翰墨丹青：中国古代绘画艺术研究》 内容简介 《翰墨丹青：中国古代绘画艺术研究》是一部全面而深入探讨中国古代绘画发展脉络、美学思想、技法演变及其社会文化意义的学术专著。本书旨在突破传统绘画史叙事的局限，从更宏观的艺术史和社会史的视角，审视中国绘画如何成为中华文明独特美学精神的载体和载体。全书结构严谨，内容翔实，力求为读者构建一个清晰、立体、富有洞察力的古代绘画知识体系。 本书的撰写秉持着“追本溯源，兼顾流变”的原则，共分为六个主要部分，辅以大量高清的图版和详尽的注释。 --- 第一部分：文明的肇始与图腾的构建——先秦至魏晋南北朝的图像世界 本部分聚焦于中国绘画艺术的早期形态，探讨其如何从巫术、宗教和政治的需要中脱胎而出，逐渐形成独立的美学语言。 一、早期图绘的社会功能与物质载体： 考察陶器、岩画、漆器、帛画中所见的符号系统。重点分析了“巫”与“神”在早期图像中的核心地位，以及色彩、线条的原始象征意义。 二、两汉时期的叙事与装饰： 深入研究墓室壁画（如马王堆、洛阳烧沟汉墓）的风格特征与题材取向。探讨了“仙境图”、“宴乐图”等主题如何反映汉代人对生死观念和现世秩序的理解。特别分析了线条勾勒的“骨法用笔”雏形及其在叙事性中的作用。 三、魏晋风度的确立与士人精神的介入： 重点分析顾恺之的艺术思想，如“传神写照”理论的提出，以及他如何将哲学思辨（玄学）融入绘画创作。探讨了佛教造像艺术对人物造型和空间处理带来的革新，特别是“褒衣博带”的审美定型。本章还涉及当时的绘画理论著作，如《论画》等对后世的影响。 --- 第二部分：盛世气象与技法成熟——隋唐五代绘画的辉煌 隋唐五代是中国古典艺术的黄金时代，绘画在宫廷、宗教和私人领域都取得了前所未有的成就。 一、唐代青绿山水与人物画的巅峰： 分析李思训、李昭道父子的“金碧山水”技法，探讨其如何体现盛唐的富丽堂皇与“内廷气象”。在人物画方面，重点剖析吴道子“吴带当风”的笔法，以及阎立本在历史画中对人物性格的精准把握。 二、宗教壁画的集大成： 敦煌莫高窟的壁画被视为研究唐代绘画的百科全书。本章详细梳理了初唐的浑厚、盛唐的饱满、中晚唐的写实过渡，并比较了中原画风与西域画风的交融与影响。 三、五代宫廷画院的建立与专业化： 考察后梁、后蜀、南唐等割据政权对绘画艺术的推崇。分析黄荃花鸟画的“双勾填彩”体系，及其对宋代院体的奠基作用。探讨了南唐画家顾闳中、周文矩在界画和仕女画方面取得的突破。 --- 第三部分：文人精神的崛起与“逸品”的抗衡——宋代绘画的审美转向 宋代是中国绘画史上一个至关重要的转折点，院体艺术的精致与文人画的勃兴形成了鲜明的对比，标志着中国绘画美学的高度成熟。 一、北宋院体的集约与规范： 详述宋徽宗时期翰林图画院的制度化管理和严格的考试制度。对范宽《谿山行旅图》、郭熙《早春图》等进行个案分析，阐释“全景式”山水画的结构原理和“可游、可居、可观”的审美旨趣。 二、花鸟画的写实高峰与“意”的渗透： 剖析赵佶在花鸟画中引入的科学观察方法，以及对动植物动态的精妙捕捉。同时，对比北宋晚期如崔白等如何开始在写实中融入个人情志。 三、苏轼与“论画”的革命： 深入探讨文人画理论的形成。苏轼提出的“论画以形似，见与 শিশুর言”的观点，如何确立了“主观抒情”高于客观再现的地位，为元代水墨画的全面爆发埋下伏笔。 四、南宋院体的“小景”与“势”： 分析南宋画家如何适应偏安一隅的局促环境，发展出“对景式”的院体山水（如马远、夏圭）。探讨“边角式”、“一角半边”的构图技巧，及其与南宋“简远”审美哲学的契合。 --- 第四部分：水墨的革命与“意笔”的解放——元代绘画的文人主导 元代，随着士人阶层政治地位的下降，绘画成为他们寄托身世之感的最终庇护所。 一、元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的技法革新： 详细解读“披麻皴”、“牛毛皴”、“散笔”等皴法在表现个体气质上的差异。重点分析倪瓒的“折带皴”和空寂意境，如何将笔墨推向纯粹的自我表达。 二、水墨画的理论与实践： 探讨赵孟頫提出的“书画同源”理论，以及他如何以复古精神重塑文人画的地位。分析水墨渲染在表现虚实、光影和氛围方面的无限可能性。 三、杂画领域的突破： 研究如王冕的墨梅、钱选的人物画等，如何将书法的笔意充分融入绘画，使笔墨语言的独立性达到新的高度。 --- 第五部分：程式的固化与笔墨的多元探索——明代绘画的流派纷呈 明代绘画在继承元代文人画的基础上，一方面出现了程式化的倾向，另一方面也涌现出具有强烈个性色彩的革新力量。 一、院体传统的延续与“浙派”的衰落： 简述明初“院派”在皇家主持下的创作特点，以及浙派在山水画中对雄强笔墨的继承。 二、吴门画派的典范塑造： 重点分析沈周、文徵明、唐寅、仇英四人的不同侧重。沈周的浑厚、文徵明的端严、唐寅的灵动与仇英的工致，共同构成了明代中晚期江南文人画的主流审美。 三、董其昌与“南北宗”论的形成： 深入分析董其昌的理论贡献，他如何以“时代区分”和“笔墨区分”来梳理绘画史，确立了对后世（特别是清代）山水画影响深远的“南宗”正统观。 四、写意派的爆发与个性解放： 考察徐渭、陈淳等“泼墨写意”大师，如何打破既有规范，将水墨的自由度推向极限，开启了高度个人化、近乎表现主义的绘画风潮。 --- 第六部分：清代的古典回溯与民间艺术的兴盛 清代绘画在理论层面高度推崇“正统”与复古，但在民间和新兴的绘画群体中，又出现了强烈的反叛与多元化趋势。 一、四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）的集大成与程式化： 详述“以书入画”的最高成就，以及他们如何通过临摹前代大师作品，构建起一个结构严密、理论完备的“正统”山水体系。王原祁在笔墨皴擦理论上的贡献值得重点剖析。 二、清初“个性的呼唤”： 分析“金陵画派”和“新安画派”在地域风格上的探索，以及石涛、八大山人这两位划时代大师的艺术贡献。石涛“我自用我法”的反叛精神，对传统笔墨的解构与重建，体现了中国古典艺术在终结前夕的最后一次强大爆发力。 三、清中晚期的新动向： 考察“扬州八怪”如何以世俗趣味和强烈的民间色彩，冲击僵化的文人画格局。分析任伯年等人的海派风格，标志着中国绘画在吸收西方写实观念影响下，开始为近现代转型做准备。 --- 结语： 本书最后将总结中国古代绘画从“器物”到“精神”，从“写物”到“写心”的漫长历程，探讨其所承载的中国哲学、伦理学和审美观，及其在世界艺术史中的独特价值。全书配有细致的索引和中外文参考书目，是艺术史学者、美术爱好者及收藏家不可多得的参考读物。

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我是在一个偶然的机会中结识这本画册的，当时正值心绪烦乱之际，急需一些能让人静下来的东西。这本书，不夸张地说，起到了类似“精神疗愈”的作用。它没有激昂的叙事，也没有华丽的辞藻，只有纯粹的笔墨语言在诉说着天地自然的哲学。观者仿佛被邀请进入了一个由线条和墨色构筑的精神世界，那里没有俗世的烦扰，只有对自然秩序和生命节律的敬畏。那些高耸入云的悬崖峭壁，与其说是地理景观，不如说是画家内心坚守的道德标杆。我特别喜欢其中几幅以小品形式呈现的作品，尺寸虽小，气象却不减阔大，浓缩的精华往往更见功力。这种小中见大的艺术手法，需要画家极高的控笔能力和对意境的精准把握，而这本书恰好完美地展现了这种能力。

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这是一部令人惊叹的画册，装帧精美，纸张质感上乘。每一页的展开都像是一次对古典山水意境的深度沉浸。我尤其欣赏其中对墨色层次的细腻处理，那种浓淡干湿的变化，仿佛能听到松涛阵阵，感受到山间清风拂面。画家显然对传统笔墨有着深厚的理解，但又注入了自己独特的生命力。那些皴法或刚劲有力，或温润含蓄，绝非千篇一律的刻板模仿。观赏这些作品时，我常常会忘记自己身处的环境，完全被卷入到那片云雾缭绕、意境深远的境地之中。特别是几幅描绘烟雨江南的篇章，水气氤氲，远山迷蒙，那种诗意的朦胧感处理得恰到好处，让人对“可行、可望、可游、可居”的山水情怀有了更直观的体验。对于喜爱传统中国画的同好来说，这本册页无疑是一份不可多得的宝藏，值得反复摩挲、细细品味其间的气韵生动。

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从艺术史的角度来看，这本书提供了一个极好的范例，展示了传统文人画如何在新时代背景下实现其精神的延续与发展。它没有刻意去迎合现代审美的浮躁，而是坚守着中国画最核心的“写意”精神。每一页的布局都经过深思熟虑，你看那几处巧妙安排的亭台楼阁，它们不是画面的主体，却是点睛之笔，衬托出人与自然的和谐共处。而且，这本画册的编排顺序也颇有讲究，由远及近，由简入繁，循序渐进地引导读者的目光和心绪。对于那些渴望深入了解中国山水画审美核心的鉴赏家来说，这本书无疑是上佳的教材和收藏品。它不仅仅是图像的集合，更是一部无声的艺术论著，展示了画家在笔墨语言上的深刻思考和不懈追求，让人在翻阅过程中，心境也随之得到洗涤和提升。

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老实说，初翻这本画册时，我略有些挑剔，总觉得当代人画山水难免失了古意。然而，越往后看，越被其中那种沉稳内敛的气度所折服。这不是那种追求视觉轰炸式的“大场面”，它更像是一场与古人的对话，是画家在喧嚣尘世中为自己寻得的一方清净之地。画面的构图往往是疏朗有致，留白之处妙用无穷，使得有限的纸面空间蕴含着无限的想象余地。我留意到几处对树法和苔点的运用，精微之处见功力，绝非一笔带过。尤其是几张近景的特写，石头嶙峋的肌理感跃然纸上，仿佛触手可及。这本书的装裱和印刷工艺也体现了对艺术品的尊重，色彩还原度极高，最大限度地保留了原作的笔墨神韵，这对于研究和学习山水画的爱好者来说，是至关重要的。它让我们看到了，传统山水画在当代依然可以保持其强大的精神力量和审美高度。

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这本画册的整体风格呈现出一种高度的统一性，但细品之下，又不乏变化和探索的痕迹。可以看出画家并非拘泥于某一特定流派，而是博采众长，融入了自己的理解。比如，有些山体的结构借鉴了北派的雄浑之势，但点景和设色的手法又透着南宗的灵动秀逸。这种融合处理得非常自然，没有生硬的拼接感，反而形成了一种和谐的张力。对我个人而言，最吸引我的是其对“气”的捕捉。好的山水画，不光要形似，更要传神，要画出山川河流的生命之气。在这本册页中，无论是飞瀑流泉的动态感，还是林木的内在生机，都体现了一种蓬勃向上的生命力。印刷的清晰度极佳，即便是最细微的笔触和飞白，都清晰可辨，为学习者提供了绝佳的参考样本，它远超了我对一般艺术画册的预期。

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21岁之作，功力惊人

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