油画基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:上海人民美术出版社

作者:周培德

出品人:

页数:110

译者:

出版时间:2008-7

价格:38.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532257584

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 油画
• 美术
• 绘画
• 西方
• 艺术理论
• 美术，设计，工艺等
• 油画
• 绘画
• 艺术
• 基础
• 技法
• 入门
• 美术
• 绘画技巧
• 色彩
• 构图

探寻声音的艺术：现代音乐理论与实践 内容简介 本书旨在为对现代音乐创作、分析与欣赏抱有浓厚兴趣的学习者提供一套系统而深入的理论框架与实践指导。我们摈弃了传统音乐教育中过于侧重古典时期规范的局限性，将目光聚焦于二十世纪至今，音乐语言发生深刻变革的领域。全书涵盖了从十二音体系的严谨结构到偶然音乐的随机美学，从极简主义的韵律呼吸到电子音乐的声音设计，力求为读者构建一个宏大且细致入微的现代音乐全景图。 第一部分：二十世纪的音乐语言转型 第一章：调性瓦解与无调性体系的构建 本章深入剖析了“调性危机”的历史背景，探讨了自瓦格纳晚期至勋伯格早期作品中，传统功能和声体系如何被逐渐侵蚀。重点解析了勋伯格的十二音列技术（Dodecaphony）的生成逻辑，详细阐述了基本序列的构建、转换（逆行、倒影、逆行倒影）及其在实际作曲中的应用规则。不同于机械的规则罗列，本章将通过对韦伯恩的早期序列作品片段进行细致的音高和节拍分析，揭示序列技术如何服务于音乐的结构性和织体密度。此外，还将介绍潘德雷茨基等作曲家对十二音体系的扩展和批判性继承，探讨“无功能和声”的听觉体验。 第二章：新序列主义的深化与拓展 在十二音技术的基础上，本章转向序列主义的全面化——即对所有音乐要素（节奏、力度、音色、演奏法）进行严格的序列控制。我们将详细研究梅西安的节奏理论，特别是其“不可分割的节奏”（Non-Retrogradable Rhythms）和对印度音乐节奏的吸收。随后，重点分析布列兹的创作理念，如《结构》（Structures）中的复变性原则。本章也将引入概率与随机过程在序列控制中的应用，为下一部分介绍的偶然音乐打下基础。 第二章：音色作为核心要素的探索 本章关注自德彪西晚期开始，作曲家如何将音色（Timbre）提升至与音高、节奏同等重要的地位。我们将探讨音响拓宽（Sound Mass）的概念，通过利盖蒂·匈牙利作曲家在微观复调（Micropolyphony）领域的创新，如《大气层》（Atmosphères）中的音块效果，展示如何用密集的声部运动产生流动的、非旋律性的音响织体。此外，还会介绍对特殊演奏技巧（Extended Techniques）的系统化整理，包括气音、颤音、弓根演奏法等，分析这些技巧如何拓宽了传统乐器的表现力边界。 第二部分：结构主义与非线性叙事 第三章：机遇与控制的张力：偶然音乐（Aleatoric Music） 本章将偶然音乐视为对传统作曲家绝对控制权的挑战。我们将区分物理性偶然（如随机的抛物线、风的干扰）和听觉性偶然（如演奏者自由选择的乐段顺序）。重点分析约翰·凯奇的哲学思想，尤其是他基于禅宗的“去意图化”创作观。通过分析《变奏I》到《音乐之变》（Music of Changes），读者将理解如何设计一个开放的系统，让作品在每一次演奏中都呈现出独一无二的面貌。同时，也会探讨对偶然性进行“限制性控制”的尝试，例如布鲁克纳对演奏时间或乐器分配的设定。 第四章：极简主义的静默与重复 本章聚焦于美国本土的极简主义浪潮。我们将区分早期极简主义（Minimalism）的过程音乐与后期的极简主义审美。深度剖析莱利（Terry Riley）通过相位差（Phasing）技术创造的迷幻听觉体验，以及史蒂夫·赖希（Steve Reich）对节奏块移动和叠加的精妙处理，如《鼓乐》（Drumming）的结构。本章强调极简主义如何通过极度简化音乐材料，引导听者进入一种对时间流逝和细微变化的深度冥想状态。 第五章：空间与剧场的扩展 现代音乐不再局限于传统的音乐厅舞台。本章探讨空间音乐（Spatial Music）和环境音乐（Environmental Music）的理论基础。我们将分析利盖蒂在空间音响处理上的尝试，以及库塔格（György Kurtág）作品中那种“微观的、抽离的”室内乐语言。此外，还将讨论将戏剧元素、舞台动作引入纯音乐作品的“新音乐剧场”概念，展示音乐叙事如何脱离线性的情节推进。 第三部分：电子媒介与声音的未来 第六章：电子音乐的诞生与发展脉络 本章追溯了电子音乐从早期磁带剪辑技术（Musique Concrète，皮埃尔·谢弗）到纯电子合成器时代的演变。详细介绍早期录音室的设备与技术，如振荡器、滤波器和调制器的基本原理。我们将分析斯托克豪森在科隆电子音乐工作室的工作，及其对声音“物质性”的追求。 第七章：数字合成与声音设计 随着计算机技术的发展，本章转向傅立叶分析在音乐合成中的应用，讲解如何通过频谱分析来精确控制音色。重点介绍波表合成（Wavetable Synthesis）、频率调制（FM Synthesis）和颗粒合成（Granular Synthesis）的工作原理。本章不仅仅是技术的介绍，更侧重于分析这些技术如何为作曲家提供了前所未有的声音调色板，催生了诸如光栅音乐（Raster Music）和动态音景（Dynamic Soundscapes）等新的听觉形式。 结语：对未来音乐语言的展望 最后，本书将对当前音乐创作的前沿领域进行简要回顾，包括非标准记谱法（如图示记谱）、算法作曲的兴起，以及跨学科合作（如与视觉艺术、舞蹈、人工智能的融合）。旨在鼓励读者以批判性的眼光审视既有范式，勇敢地探索尚未被定义的声音可能性。 目标读者 本书适合音乐学院高年级学生、对二十、二十一世纪音乐有深入学习需求的音乐爱好者、作曲专业学生以及需要了解现代音乐理论背景的演奏家。它要求读者具备基础的和声与对位知识，但专注于提供理解现代音乐作品所需的特定工具箱。

评分☆☆☆☆☆

该教材的特点就是从光线的角度来分析油画艺术风格和技法，这是一大特色，值得一读。读后收获多多。大力推荐！

评分☆☆☆☆☆

该教材的特点就是从光线的角度来分析油画艺术风格和技法，这是一大特色，值得一读。读后收获多多。大力推荐！

评分☆☆☆☆☆

该教材的特点就是从光线的角度来分析油画艺术风格和技法，这是一大特色，值得一读。读后收获多多。大力推荐！

评分☆☆☆☆☆

该教材的特点就是从光线的角度来分析油画艺术风格和技法，这是一大特色，值得一读。读后收获多多。大力推荐！

评分☆☆☆☆☆

该教材的特点就是从光线的角度来分析油画艺术风格和技法，这是一大特色，值得一读。读后收获多多。大力推荐！

评分☆☆☆☆☆

从一个长期困扰于“如何收尾”的画者角度来看，《油画基础》对“画面调整与保护”的介绍是极其负责任和专业的。很多教程在主体完成后就戛然而止，留下读者对如何让作品“定稿”感到迷茫。这本书则提供了一个完整的闭环流程。它详细说明了油画颜料完全干燥所需的时间（这比我想象的要长得多！），以及在不同干燥阶段可以进行的修饰和调整，比如如何安全地进行二次罩染（Glazing）来统一整体色调，或者如何巧妙地提亮高光区域以增加画面的“神采”。更重要的是，书中用大量的篇幅讲解了最终的保护性清漆的选择和涂覆技术。它对比了哑光、半光和亮光清漆对画面效果的改变，并给出了不同涂抹工具和环境湿度的注意事项，避免了新手常犯的清漆涂抹不均导致画面出现“油斑”的尴尬。这种对“画完之后”的关注，体现了作者对油画艺术生命周期的全面认知，也为我保存和展示自己的作品提供了坚实的保障，让我真正感到，我已经跨越了“学习阶段”，开始进入“创作与维护阶段”。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经画了几年画，但总感觉自己的作品缺乏“骨架”的中级爱好者，我发现《油画基础》在构图和光影处理上的见解非常独到且富有启发性。很多基础书籍往往只是泛泛而谈如何平衡画面，但这本书却引入了“视觉重量”和“节奏韵律”的概念，并结合古典绘画的黄金分割、三分法等经典构图法则进行了深入的剖析。它不是简单地告诉你“把主体放在哪里”，而是解释了为什么那样放会产生视觉上的稳定或动感。更让我茅塞顿开的是关于光影的讲解——作者强调了“光源的统一性”是避免画面混乱的关键。书中通过不同角度的光源对同一静物产生的影响对比图示，直观地展示了形体是如何被光线塑造出来的，而不是仅仅被线条勾勒出来。我过去常常陷入细节描绘的泥潭，忽略了整体光影关系的塑造，导致画面扁平。这本书引导我先建立扎实的明暗关系，再逐步深入细节，这使得我近期完成的作品在立体感和空间感上有了质的飞跃。读完这部分，我感觉自己终于抓住了油画体积感表达的核心秘诀。

评分☆☆☆☆☆

这本《油画基础》真是让我这个入门者如获至宝！我一直对油画心生向往，但面对那些复杂的颜料、调和油和各种画笔，总觉得无从下手，仿佛隔着一堵看不见的墙。翻开这本书，首先映入眼帘的是那些清晰明了的图解，它们像一位耐心的老师，一步步拆解着看似神秘的油画世界。书中对材料的介绍细致入微，从不同品牌的亚麻籽油和松节油的特性到不同毛性的画笔如何影响笔触，都有详尽的阐述，让我不再对购买材料感到迷茫。特别是关于底料的准备部分，作者用生动的语言描述了画布的吸油性和底层的均匀度对最终画面效果的重要性，甚至分享了如何自制理想的底料的“小窍门”。我试着按照书中的方法处理了一块画布，那种恰到好处的阻尼感和颜料的附着力，与我之前随便涂抹的经验有着天壤之别。更让我惊喜的是，它并没有堆砌晦涩的理论，而是将技术融入到具体的实践步骤中，比如如何正确地“薄画”和“厚涂”，以及如何在不同颜色的过渡处避免“脏色”的产生。这不仅仅是一本工具书，更像是一份详尽的实践地图，指引着我这个新手安全、高效地迈出油画创作的第一步。读完前几章，我已经迫不及待地想动手实践了，那种对艺术创作的渴望被这本书彻底点燃了。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对手绘基础教程类书籍的期望值不高，总觉得网上教程五花八门，不如直接看视频来得直观。然而，《油画基础》这本书完全颠覆了我的看法。它在处理色彩理论这一块，简直是教科书级别的严谨与实用并存。书中对于“色彩的固有色”、“受光色”、“反光色”以及“暗部色”的解析，远比我过去在美术课上学到的要系统和深入。作者没有停留在简单的三原色理论上，而是深入探讨了颜料的透明度与覆盖力对混合色的影响。我记得有一章专门讲解了如何使用有限的几种颜色来调配出丰富且和谐的色彩范围，这对我这种色彩感觉相对薄弱的人来说，简直是拨开云雾见青天。我按照书中的色谱练习，惊喜地发现自己调出的灰色不再是沉闷的泥巴色，而是充满了生命力的、带有微妙冷暖倾向的层次感。而且，书中还穿插了一些大师作品的局部放大分析，用明确的笔触箭头指示出他们是如何处理明暗交界线和高光部分的，这种“解构式”的教学方法，让我立刻明白了“看”和“学”的区别。这本书的价值在于，它不仅教你怎么画，更重要的是，它教会了你如何去“观察”色彩的世界，这是一种思维方式的根本转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计本身就是一种享受，那种厚重的纸张质感，让每一次翻页都像是与艺术进行一次郑重的对话。但抛开形式上的美感不谈，内容上最让我受益匪浅的是关于“笔触的表现力”那一章节。在此之前，我一直模仿我喜欢的画家的笔触，结果总是不伦不类，像个拙劣的复制品。这本书却教导我们，笔触不应是模仿的符号，而应是情感和意图的直接延伸。它详细分类讲解了刀刮、排笔、圆头笔、排笔等不同工具在特定区域（如天空、皮肤、布料）所能产生的独特肌理效果，并配有放大到极致的局部图例，让你能清楚地看到颜料堆叠的走向和厚度变化。最关键的是，书中强调了笔触的“方向性”和“力度控制”与表达对象内在生命力的关联。例如，在表现树皮的粗粝时，应该使用干笔法和短促的排笔；而在表现丝绸的光滑时，则需要流畅且覆盖力强的长笔触。这种细致到“如何握笔”层面的指导，让我开始有意识地去思考每一笔下去的意义，而不是机械地涂抹，极大地提升了我作品的叙事性和艺术张力。

评分☆☆☆☆☆

下午一个小时看完，心情急躁

评分☆☆☆☆☆

下午一个小时看完，心情急躁

评分☆☆☆☆☆

下午一个小时看完，心情急躁

评分☆☆☆☆☆

下午一个小时看完，心情急躁

评分☆☆☆☆☆

下午一个小时看完，心情急躁