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出版者:上海科学技术出版社

作者:杨新

出品人:

页数:267

译者:

出版时间:2008-6

价格:320.00元

装帧:

isbn号码:9787532393961

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《古韵流芳：中国古代人物画卷》 内容简介 《古韵流芳：中国古代人物画卷》是一部系统梳理和深入解读中国古代人物画发展脉络的学术专著。本书并非简单地罗列名家名作，而是以历史的纵深感和艺术的广阔视野，将中国古代人物画置于宏大的历史文化背景之下，探寻其独特的精神内核与审美意蕴。全书力求以详实的史料考证、精辟的艺术分析、宏观的时代语境相结合，为读者呈现一幅色彩斑斓、气韵生动的中国古代人物画发展长卷。 本书的章节设计严谨而富有逻辑性，从早期的人物画萌芽追溯至唐宋的鼎盛，再到元明清的递嬗与演变，直至晚清时期的新生力量，层层递进，脉络清晰。每一部分都围绕着特定历史时期的人物画特征、代表性艺术家及其作品进行深入探讨。 第一章：文明的曙光——史前与先秦人物画的初探 本章将追溯中国人物画的源头，从新石器时代的陶器纹饰、岩画、彩陶图案中挖掘早期人类对人物形象的初步认知与表现。我们将审视半坡遗址、仰头山遗址等地出土的刻划符号与图像，分析其中稚拙却饱含生命力的线条，它们是中国人物画最早的雏形。 继而，我们将目光转向先秦时期，重点考察青铜器上的宴乐、征战、祭祀等场景的图像，以及汉代画像石、画像砖上栩栩如生的人物造型。这些图像不仅是历史的缩影，更是古人观察世界、表达情感的生动载体。我们将分析这些早期作品在构图、造型、线条运用上的特点，以及其所反映的社会生活、宗教信仰和神话传说。虽然此时的人物画尚显粗犷，但其写实精神与叙事性已然显现，为后世人物画的发展奠定了坚实的基础。 第二章：盛世华章——唐代人物画的辉煌 唐代是中国绘画史上的一个高峰，尤其在人物画领域，取得了前所未有的成就。本章将聚焦唐代人物画的繁荣景象，重点分析阎立本、吴道子、张萱、周昉等巨匠的艺术风格与贡献。 我们将深入解读阎立本《步辇图》中人物的身份、表情与服饰，分析其严谨写实、一丝不苟的艺术手法，以及其所承载的历史信息。吴道子被誉为“画圣”，其“吴带当风”的线条，以及充满动感与宗教精神的人物画，将是我们重点研究的对象。我们将通过分析其传世作品或相关摹本，探讨其对中国人物画线条语言的革新。 张萱和周昉则代表了唐代仕女画的巅峰。我们将详细剖析她们笔下贵族女性的丰腴之美、雍容仪态，以及精美的服饰与妆容。通过《簪花仕女图》、《捣练图》等作品，我们将理解唐代社会对女性美的独特审美取向，以及画师们如何通过细腻的笔触捕捉人物的情感与内心世界。 本章还将探讨唐代人物画的题材多样性，包括历史故事、宗教题材、社会风俗等，以及当时画院制度对人物画发展的影响。唐代人物画的辉煌，不仅在于其技法的精进，更在于其所展现出的时代精神与人文关怀，对后世产生了深远的影响。 第三章：雅致蕴藉——宋代人物画的精微与写实 宋代是中国美学发展的重要时期，人物画在唐代雄浑的基础上，更加注重写实性、细腻性和情感的蕴藉。本章将深入探讨宋代人物画的特点，以及以李公麟、张择端、苏汉臣等为代表的画家及其作品。 李公麟以其“白描”人物画著称，其线条遒劲而富有弹性，人物造型准确生动，尤其擅长描绘历史人物与宗教题材。我们将重点分析其《龙眠山庄图》中的人物，体会其简练的笔墨中蕴含的深刻内涵。 张择端的《清明上河图》是中国绘画史上的不朽杰作，本章将对其进行详细的解读。我们将分析其宏大的构图、严谨的写实笔法，以及画面中数百位人物的生动刻画。从达官贵人到贩夫走卒，从官吏到百姓，每个人物都被赋予了鲜活的生命力，共同构成了一幅生动的北宋都市生活画卷。我们将探讨其如何通过细致入微的观察，准确地反映当时的社会结构、经济活动与市井风情。 苏汉臣则以其对儿童的描绘见长，其作品《秋庭戏婴图》等，以细腻的笔触捕捉了孩童天真烂漫的神态，色彩明丽，充满生活气息，体现了宋代人物画在关注现实生活、描绘世俗情趣方面的探索。 本章还将讨论宋代人物画的题材拓展，如风俗画、山水人物画的结合，以及对人物心理刻画的深入。宋代人物画的精微与写实，将中国古代人物画推向了又一个高峰，其对细节的把握和对情感的传达，至今仍令人赞叹。 第四章：笔墨乾坤——元代人物画的承转与变革 元代作为民族融合的时期，人物画也呈现出新的发展面貌。本章将分析元代人物画在继承宋元画风的同时，所产生的新的艺术思潮与表现手法。 我们将重点关注赵孟頫及其师友的作品。赵孟頫不仅是书法大家，在绘画方面也有极高的造诣，其人物画既有唐宋的遗韵，又融入了文人画的笔墨情趣。我们将分析其作品中线条的运用，以及其对人物造型的创新。 此外，我们还将探讨元代人物画在题材上的新发展，如对北方民族生活场景的描绘，以及文人画对人物画的影响。元代画家在笔墨运用上的探索，特别是水墨写意风格的兴起，为明清人物画的发展埋下了伏笔。尽管元代人物画在整体上不如唐宋那般辉煌，但其承前启后的作用不容忽视，为后世的艺术创新提供了重要的契机。 第五章：时代缩影——明代人物画的多元发展 明代是中国历史上一个重要的转折时期，社会经济的繁荣与文化的多元化，也体现在人物画的发展上。本章将深入剖析明代人物画的多元风格与艺术成就。 我们将首先关注明代早期的人物画，分析其继承元代文人画传统，并在此基础上有所发展的特点。随后，我们将聚焦明代中期以后，特别是浙派、吴门画派等画派在人物画上的不同表现。 本书将重点介绍唐寅、仇英、文徵明等吴门画派的代表人物。我们将详细解读唐寅作品中的才情与风流，分析其仕女画、历史人物画的艺术特点。仇英以其精湛的工笔设色技巧，描绘了大量历史故事、宫廷生活和山水人物画，我们将深入剖析其《金谷园图》等作品，体会其严谨的构图与细腻的笔触。文徵明作为吴门画派的领袖之一，其人物画亦具文人画的雅致与逸气，我们将探讨其作品的艺术魅力。 本章还将介绍明代版画中的人物画，以及民间艺术对人物画的影响。明代人物画题材广泛，包括历史故事、神话传说、仕女、隐逸、风俗等，展现了丰富多样的艺术风貌。明代人物画的多元发展，为后世人物画的创新奠定了基础。 第六章：传承与创新——清代早期人物画的演进 清代是中华文明承前启后的重要时期，人物画在继承明代传统的基础上，又吸收了西方绘画技法，展现出独特的时代特征。本章将聚焦清代早期的人物画，分析其艺术风格的演进与创新。 我们将重点介绍清初“四王”及追随者在山水画领域的主流地位，但同时也会关注在人物画领域取得成就的画家。如以描绘少数民族生活著称的画家，以及擅长宫廷画、宗教画的画师。 我们将深入分析清代人物画中对写实技巧的追求，以及与西方绘画技法融合的早期探索。例如，介绍郎世宁等宫廷画师如何将欧洲的透视法、明暗法融入中国画的创作中，他们创作的宫廷人物画，在造型的准确性和色彩的表现力上，都达到了新的高度。 同时，本章也将讨论清代初期人物画的题材，如历史故事、世俗生活、山水人物等，以及这些题材在表现方式上的变化。清代早期人物画的发展，为清代人物画的进一步繁荣与变革铺平了道路。 第七章：新风初起——清代中期至晚期人物画的嬗变 本章将聚焦清代中期至晚期的人物画，分析其在传统基础上的继承、发展，以及面临的挑战与新的艺术探索。 我们将介绍这一时期在题材、风格上出现的新的变化。例如，对世俗生活、市民阶层生活的描绘更加深入，对人物心理的刻画更加细腻。同时，我们将重点介绍具有革新精神的画家，他们如何在传统技法的基础上，尝试新的表现手法。 本章还将深入探讨西学东渐对中国人物画的影响。我们将分析一些画家如何借鉴西方绘画的解剖学、色彩学知识，试图在保持中国画笔墨精神的同时，提升人物画的写实性和表现力。例如，介绍一些画家在肖像画领域的探索，他们如何运用光影来塑造人物立体感，如何通过细腻的笔触来刻画人物的肤质和神情。 此外，本章也将关注这一时期民间艺术与人物画的互动。同时，也将反思清代人物画在面对西方绘画冲击时所表现出的困境与挑战。清代中期至晚期人物画的嬗变，是中国绘画史上的一个重要阶段，预示着中国画即将面临的深刻变革。 结论：薪火相传，再铸辉煌 在全书的结尾，我们将对中国古代人物画的发展脉络进行一个总结性的回顾。我们将强调中国古代人物画在不同历史时期所展现出的独特精神内涵，如对“形神兼备”的追求，对“气韵生动”的重视，以及对社会生活和人文精神的关注。 我们将梳理历代画家在技法上的创新与突破，从线条的运用到色彩的搭配，从构图的布局到人物的造型，无不体现着中国古代艺术家们的智慧与创造力。 最后，本书将展望中国古代人物画对当代绘画的影响，以及其所蕴含的艺术价值和文化意义。我们相信，通过对《古韵流芳：中国古代人物画卷》的深入研读，读者将能够更深刻地理解中国古代人物画的博大精深，感受其中蕴含的独特东方美学，并从中获得艺术的启迪与精神的滋养。这本书力求成为一部既有学术深度，又具可读性的艺术史读物，为广大读者打开一扇通往中国古代人物画艺术殿堂的窗户。

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我必须承认，在阅读这类专业性较强的书籍时，我最大的顾虑往往是信息传递的效率和深度是否能匹配我的期待。然而，这本书的叙事结构完全出乎我的意料。它没有采用那种平铺直叙、按时间线索推进的传统模式，而是选择了以“主题”为核心的碎片化但又逻辑严密的构建方式。比如，关于“文人情致的表达”那一章节，作者巧妙地将不同时期、不同地域的几幅作品并置对比，通过对人物眼神、衣饰细节的微观分析，层层剥茧地揭示了士大夫阶层在特定历史时期内心世界的微妙变化。这种对比手法的运用，极大地增强了阅读的趣味性和思考的深度，你不再是被动地接受结论，而是在作者的引导下，主动地参与到历史情境的重建之中。更值得称赞的是，作者在论述中大量引入了当时的社会风俗、哲学思潮甚至日常用度方面的旁证资料，使得那些二维的图像瞬间获得了三维的立体感。读完这一部分，我感觉自己不仅“看”懂了画，更是“穿”进了那个时代，与画中人进行了一场跨越时空的无声对话。这种深入骨髓的代入感，是很多同类书籍难以企及的境界。

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这本书的配文，尤其是那些被置于图注之下的学术性解读，展现出一种难得的平衡感：既有高度的专业性，又完全摒弃了晦涩难懂的学院腔调。很多学术著作，为了彰显其权威性，会堆砌大量生僻的术语和复杂的句式，让人望而却步。但这本书的作者显然深谙如何与广大的艺术爱好者进行有效沟通。他们的文字是洗练的，即便是在讨论某一画家独创的“点睛法”或是某一朝代服饰制度的演变时，也总是能用最简洁、最贴切的比喻来阐释复杂的概念。我尤其欣赏其中穿插的一些“田野考察式”的记述，比如作者提及某幅作品在修复过程中发现的隐藏款识，或是对某件器物在历史流传中发生的偶然性改变的考证，这些“小道消息”式的细节，极大地丰富了书本的“人情味”。它不再是一部冰冷的研究报告，而更像是一位博学的长者，在你耳边娓娓道来那些尘封在画卷背后的鲜活故事，让人在学习知识的同时，收获了满满的阅读乐趣。

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从一个读者的角度出发，我最看重的是一本工具书或参考书能够提供多大的“可操作性”和“启发性”。这本书在这两方面都表现出色。所谓可操作性，指的是它提供的索引和分类体系异常清晰。当你需要快速查找特定朝代或特定类型（例如，武官肖像与文人自画像的对比）的资料时，通过精心设计的章节目录和交叉引用，可以迅速定位目标内容，极大地提高了检索效率。而启发性则体现在作者提出的那些“未竟之问”。全书的结尾并非以一个圆满的结论收场，而是留下了若干个关于“媒介变化对人物心理描摹的影响”的开放性议题，这对我个人后续的阅读方向和研究兴趣产生了强烈的激发作用。它成功地将我从一个被动的接受者，转化成了一个主动的探索者。读完合上书本的那一刻，我不是感到满足，而是感到一种强烈的求知欲被点燃，这才是任何一本优秀书籍所能赋予读者的，最宝贵的精神遗产。

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从技术层面上讲，这本书在图像质量的还原上做到了近乎苛刻的极致。作为一名对色彩敏感的爱好者，我经常遇到一些出版物，它们试图展现古代颜料的微妙色阶，结果却因为印刷技术的问题，将原本内敛的赭石色印成了刺眼的橘红，或是把深沉的墨绿色处理成了单调的黑色。但是，这本书在色彩管理上展现了惊人的专业水准。当我翻到那些描绘特定光影效果的段落时，无论是丝绸上反射出的柔和微光，还是人物脸部轮廓上那极细微的阴影过渡，都得到了精确而富有层次的再现。特别是对人物衣袍上复杂纹样的处理，那些精细到发丝般的刺绣线条，在放大后依然清晰可见，没有出现丝毫的模糊或油墨堆积的现象。这无疑是耗费了巨大的成本和心血在制版和印刷环节，才能达成的效果。这种对“真迹感”的执着追求，使得即便是只能通过印刷品来欣赏这些珍贵文物，读者也能感受到原作的肌理和笔触的力度，这对于艺术鉴赏的严肃性来说，是至关重要的基石。

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这本书的装帧设计简直是直击灵魂，封面那深沉的靛青色调，仿佛一下子就把人拉进了历史的尘烟之中。初翻阅时，我最先被吸引的是内页的纸张质感，那种微微泛黄、带着岁月痕迹的米白色，让人忍不住想用指尖去摩挲，仿佛触摸到了古人的衣衫。装订工艺的处理得极其考究，即便是频繁翻阅，书脊的线条依然保持着完美的平整度，这对于一本需要细细品味的艺术类书籍来说，无疑是加分项。而且，书籍的开本选择得恰到好处，既保证了画面展现的充裕空间，又方便在阅读时持握，不至于像一些大部头那样笨重难当。再说说字体排版，主文的宋体清晰有力，疏朗有致，而那些引文或注释，则采用了更为纤细秀雅的小楷体，这种对比在视觉上形成了丰富的层次感，引导读者的目光在知识的脉络中自由流动。尤其是那些精美的插图旁，留白的处理简直是教科书级别的示范，既不显得空旷，又给予了画面足够的呼吸感，让人在欣赏画作的同时，心灵也能得到片刻的安宁与沉淀。这本书的整体视觉语言，已经超越了一本单纯的图录或研究著作，它更像是一件精心制作的艺术品，捧在手里，就能感受到出版者对阅读体验近乎偏执的尊重与热爱。

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多图

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明代的少点 但还不错

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