Bijutsu ni okeru migi to hidari pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Chuo Daigaku Shuppanbu

作者:Yoshimune Nakamori

出品人:

页数:387

译者:

出版时间:1992

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9784805751169

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 左右
• 象征
• 文化
• 视觉
• 心理学
• 日本艺术
• 美学
• 隐喻
• 感知

昭和时代日本绘画中的空间与身体：一种流动的解构与重塑 本书致力于深入剖析昭和时代（1926-1989）日本绘画领域中，艺术家们如何处理与呈现“空间”（Kūkan）和“身体”（Shintai）这两个核心母题。我们不再将昭和时期的艺术视为一个单一同质的流派，而是将其视为一个充满张力、实验性与复杂社会语境交织的剧场。本书将侧重于探讨，在西方现代主义思潮的涌入、战前国家意识形态的建构与战后民主化进程的冲击下，日本画家如何通过视觉语言来解构传统的东方美学规范，并重新构建关于主体性与环境关系的新认知。 第一章：从“内”到“外”：传统与现代的张力下的空间认知 昭和初期，日本画坛正经历一场剧烈的“脱亚入欧”与“本土复兴”的拉锯战。本章首先回顾明治维新以来对西方透视法和焦点透视（Central Perspective）的引入，但这并非简单的模仿。我们考察了如梅原龙三郎和岸田刘生等早期大师的作品，分析他们如何将西方的立体感与日本传统绘画中强调的“平面化”（Heimenka）倾向进行融合。 重点分析对象包括： 1. 屏风与壁画的再语境化： 研究在新兴的公共建筑（如政府机构、大型百货公司）中，日本画家如何运用巨幅壁画来重塑公共空间。这些作品在形式上借鉴了西方历史画的宏大叙事，但在内容和笔触上，仍残留着对江户时代风俗画和平铺式构图的依恋。这种“混合的媒介感”挑战了严格意义上的现代主义边界。 2. 心理空间的内化： 昭和早期的“新匠画会”和“二科会”中的部分成员开始将绘画空间视为主体内心状态的外显。这里的空间不再是客观可测量的三维世界，而是充满情感密度、常常是压抑或迷幻的心理疆域。我们通过分析藤田嗣治（尽管活动中心在巴黎，但其影响力贯穿昭和）的“乳白色皮肤”系列，探讨了表层之下的空洞感如何构建了一种新的“空虚空间”。 第二章：身体的解剖学与政治学：主体性的碎片化 身体在昭和时期的艺术表现中，经历了一次彻底的“去中心化”过程。它既是国家意识形态宣传的工具，也是反思体制压迫的载体。 1. 战前与战争时期的“理想身体”： 本章追溯了为服务于“大东亚共荣圈”意识形态服务的艺术创作。在此阶段，身体往往被塑造成健康、强壮、服务于集体目标的面孔。然而，即便在歌颂性的作品中，我们也能发现笔触中潜藏的僵硬与刻板，这预示着个体生命力的被压抑。 2. 战后身体的“去魅”与私密化： 二战结束后，艺术的焦点急剧转向对个体经验的回归。战后的身体不再是宏大的英雄叙事，而是充满脆弱、焦虑和性压抑的私密存在。 东松照明与战后创伤： 尽管主要媒介是摄影，但其对身体残余物、伤痕的关注，深刻影响了同时代的画坛。 具体派（Gutai Group）对身体的“物化”与“行为化”： 具体派对身体的实验是本章的核心。他们不再将身体视为描绘的对象，而是将其转化为工具、媒介和现场艺术的执行者。例如，白发一雄的“踏破画布”行为，是对身体极限的探索，也是对传统架上绘画神圣性的颠覆。身体在此刻成为了流动的、物质性的“事件”。 第三章：材质与表面的革命：空间与身体的物质性交汇 昭和中后期，随着战后经济的重建和艺术材料的丰富，画家们开始关注画布、颜料、以及身体本身所具有的物质属性。 1. 抽象表现主义的影响与日本的回应： 本章分析了美国抽象表现主义（Abstract Expressionism）对日本艺术的冲击。然而，日本的实践者们并非简单复制“行动绘画”。他们将焦点重新投向“墨”与“土”等本土材料，探寻一种源于大地和禅宗思想的“物质精神性”。 2. 表面（Surface）的拓扑学： 重点研究了平面绘画如何通过厚涂、刮擦、嵌入异物等方式，使二维的“表面”拥有了三维的“地貌”。当身体的痕迹（笔触、汗水、颜料的滴落）固化在画布上时，画布本身成为了身体历史的遗迹。这种对表面的执着，模糊了空间（深度）与身体（物质性）之间的界限。 结论：流动的视域与未完成的现代性 昭和时代的绘画在空间和身体的呈现上，展现了一种持续的“不满足感”。艺术家们从未完全接受西方的焦点透视，也从未完全回归传统的“借景”模式。他们的空间是断裂的、多焦点的；他们的身体是工具化的、易碎的、或被行为消解的。 本书最终论证：昭和艺术的真正价值在于其对“连续性”的拒绝，它在不断解构中，为战后的日本文化主体性——一个既非完全西方化，也非传统回归的主体——提供了一种动态而充满矛盾的视觉表达框架。这种对稳定性的否定，正是其艺术生命力所在。

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这本书的学术野心是毋庸置疑的，它试图构建一个宏大的理论框架来解释“左右”在人类文化符号学中的核心地位，但说实话，我在理解某些概念时遇到了真正的挑战。某些章节，特别是涉及到后结构主义理论与现象学相结合的部分，语言变得异常晦涩和专业化，我不得不反复查阅背景资料才能勉强跟上作者的论证链条。例如，关于“镜像对称的瓦解”如何映射到后现代景观建筑中的论述，感觉更像是为专业研究人员量身定做的，对于非科班出身的艺术爱好者来说，门槛设置得相当高。尽管如此，当作者成功地将一个复杂的理论概念转化为一个具体的艺术案例时，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。我印象最深的是关于“阅读方向”与“观看方向”的对照研究，这清晰地揭示了文化差异如何重塑我们的视觉接收系统。总的来说，它是一本需要投入大量精力和专注力的作品，但它所给予的回报，是颠覆你既有认知结构的深刻洞察，适合那些不满足于表面分析，渴望深入挖掘文化底层代码的深度学习者。

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坦率地说，这本书的叙事节奏对我而言有些跳跃，甚至可以说是一场酣畅淋漓的思维探戈。它不像传统学术著作那样循规蹈矩地建立论点，而是像一位经验丰富的策展人，将一系列看似不相关的展品——从中世纪手稿的装帧方向，到20世纪抽象表现主义绘画中的动势引导——以一种近乎诗意的方式并置在一起。我特别欣赏作者在讨论西方油画中光影的“倾斜”如何暗示道德判断的段落，那段文字的密度非常高，充满了精确的术语和令人耳目一新的类比。比如，他将伦勃朗的光线处理与巴洛克音乐中的对位法进行了类比，论证了“不对称”本身如何成为一种更高层次的平衡。这种跨媒介的比较不仅丰富了阅读体验，更重要的是，它迫使我跳出单一学科的视角去理解艺术创作的底层逻辑。对于那些期望获得清晰“A等于B”结论的读者来说，这本书可能会显得有些晦涩或过于发散，但正是我喜欢它的地方：它不是提供答案，而是提供了一种看待问题的全新透镜，一副能折射出隐藏在事物表象之下的多重维度的眼镜。

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读完这本关于艺术中方位概念的书，我最大的感受是，作者的笔触充满了对艺术史中那些“被忽略的细节”的迷恋与尊重。这不是一本平铺直叙的教科书，更像是一场与一位博学多才的朋友进行的深度对话，这位朋友对事物的边缘角落有着异乎寻常的敏感度。他花了大量篇幅去分析那些在作品边缘地带被忽视的元素——比如，一幅文艺复兴时期壁画中，人物衣褶的折痕是倾向于向左下方还是右上方延伸，以及这种看似微小的差异如何影响了整个画面的“运动感”。这种对细节的极致打磨，让人不禁感叹艺术家的工作是多么依赖于无意识的、近乎本能的选择。与那些热衷于宏大叙事和风格流派划分的艺术史著作相比，这本书的价值在于其微观的、近乎“粒子级别”的分析。它提醒我们，伟大的艺术往往蕴藏在那些我们以为无关紧要的边缘性决策之中，这对于我今后重新审视任何艺术品都将产生深远的影响。

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如果让我用一个词来概括这本书的风格，那一定是“颠覆性”。它完全没有按照常规的艺术鉴赏路线图来组织内容，反而像是从一个完全意想不到的角度——也许是从光学物理学的角度，也许是从早期印刷技术的机械限制——切入，然后逐步引向对艺术哲学核心问题的拷问。书中对不同文化圈（特别是东方与西方）在处理“平衡”与“动势”时，对左右空间分配的差异进行了富有洞察力的比较。比如，作者对中国书法中“气”的流动方向如何与西方油画中“透视线”的收敛性形成微妙的张力进行了精彩的论述，这种跨文化的对比分析尤其精彩，极大地拓宽了我的国际视野。我感觉，这本书的目的不是为了教我如何“看”艺术，而是教我如何“感知”构成艺术的那些基本要素是如何在历史的长河中被赋予意义的。它迫使你放弃对既有范式的依赖，用一种近乎“重构”的方式去理解视觉文化。阅读过程既是挑战，也是一场智力上的盛宴。

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这本探讨艺术中“左”与“右”的书，初翻时便让人感到一种意想不到的深度。我原本以为这会是一本聚焦于构图学或视觉符号学的技术性论著，或许会详细剖析古典绘画中人物朝向的象征意义，或者现代艺术中空间布局的对立统一。然而，作者似乎将触角伸向了更为广阔的哲学与文化领域。比如，书中对“左撇子”艺术家在创作过程中如何克服既定的工具和习惯的描述，非常引人入胜。我记得其中一个章节深入探讨了日本传统木刻版画（浮世绘）中，对于线条方向的偏好如何无意识地反映了某种集体心理倾向，这完全超出了我预设的“艺术史”范畴，更像是一篇跨学科的社会人类学田野调查报告。那种细腻的笔触，将抽象的左右概念具象化到艺术家的身体实践和文化语境中，让人在阅读时不得不停下来，审视自己日常生活中那些习以为常的方位感。阅读过程中，我甚至开始反思，我们对世界的感知是否真的被这种二元对立深深固化了，而艺术，这个本应是解放思维的载体，是如何在这种框架下运作，又是如何挣脱出来的。这本书的魅力就在于它不断地拓宽边界，引导读者去思考那些看似简单，实则复杂至极的基础概念。

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