OGTー113 ハイドン弦楽四重奏曲集「皇帝」 (OGT 113) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:音楽之友社

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出版时间:2007-10-10

价格:JPY 10.50

装帧:楽譜

isbn号码:9784276906051

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• #4230.J.Haydn(1732-1809)
• #423.classicism
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《古典时期室内乐的辉煌殿堂：贝多芬、莫扎特与舒伯特弦乐四重奏精选》 本卷精选了古典主义时期三位巨擘——路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）、沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）以及弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）的弦乐四重奏作品。这些作品不仅是室内乐发展史上的里程碑，更是西方音乐美学与情感深度的集中体现。全书深入剖析了他们创作生涯中具有代表性的几部四重奏，展现了从早期古典典雅到晚期浪漫主义先声的深刻演变。 第一部分：莫扎特——完美形式中的咏叹调之光 沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特（1756-1791）的弦乐四重奏是其“海顿四部”以及后来的“献给海顿”六部作品中，将形式的平衡与旋律的灵动完美结合的典范。本部分重点聚焦于他成熟期的创作，特别是那些体现了歌剧写作技巧与纯器乐对话精髓的杰作。 莫扎特的四重奏结构清晰，对位精湛，每一声部都拥有独立的歌唱性，而非仅仅是主旋律的陪衬。我们详细考察了《D大调“狩猎”K. 464》的精妙处理，该作品以其充满活力的狩猎主题动机贯穿全篇，展现了莫扎特在发展呈示部材料上的高超技巧。其慢板乐章中如泣如诉的歌唱性，常常被认为是器乐领域对咏叹调的极致模仿。 此外，对《C大调“献给海顿”K. 465》的分析不容忽视。该作的引子部分，以其不和谐的和声张力，打破了古典主义开篇的惯例，预示着未来情感表达的深度探索。乐章间的衔接流畅自然，显示了莫扎特对四乐章结构的娴熟掌控。通过对莫扎特作品的研读，读者将领略到古典时期音乐的典雅、和谐，以及隐藏在完美形式下的深刻人文关怀。 第二部分：贝多芬——从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬（1770-1827）的弦乐四重奏是其全部创作中最为个人化、最具革命性的部分。他的十六部四重奏标志着室内乐体裁从宫廷娱乐向严肃艺术宣言的转变。本部分主要涵盖了中期“英雄时期”的代表作以及晚期充满哲思的杰作。 中期作品：英雄气概与戏剧冲突 贝多芬中期的四重奏，如《F大调第六号，作品18之6》以及著名的《c小调“激情”作品18之4》，继承了海顿和莫扎特的传统，但在力度对比、动机发展和情感强度上进行了前所未有的拓展。特别是《激情》，其剧烈的对比和紧张的叙事感，为后来的浪漫主义作品铺平了道路。 晚期四重奏：哲学的沉思与超越 我们着重探讨了贝多芬晚期（作品127、130、131、132、133、135）的深刻内涵。这些作品创作于他听力严重衰退、内心世界日益封闭的时期，因此，它们充满了对生命、死亡、信仰和艺术本质的终极追问。 例如，《降E大调弦乐四重奏，作品127》以其宏大、充满精神性的开篇，预示了超越尘世的追求。《a小调，作品132》中的“圣洁之歌”——《感谢上帝，病人康复后的神圣感恩之歌》，以其独特的五声部调式和深刻的宗教情怀，成为音乐史上表达复杂情感的范本。而《大赋格，作品133》则以其复杂的对位技术和无休止的能量流动，被誉为室内乐的“圣经”，是音乐结构与精神自由的极致探索。 第三部分：舒伯特——浪漫的抒情诗与生命的哀歌 弗朗茨·舒伯特（1797-1828）虽然短暂的一生中受到贝多芬的巨大影响，但他将德奥的器乐传统与他天赋异禀的歌曲创作（Lieder）完美融合，开创了浪漫主义室内乐的抒情传统。 舒伯特的弦乐四重奏，如著名的《d小调“死与少女”D. 810》和《G大调D. 887》，以其无与伦比的旋律天赋和对色彩的敏感运用而著称。在本部分中，我们分析了《死与少女》的悲剧性对话：第二乐章直接引用了他早期歌曲的主题，展现了对死亡的恐惧与接纳。这种将歌曲素材融入器乐结构的技法，极大地丰富了四重奏的叙事性。 舒伯特的作品常常具有一种“流动性”和“无限性”的感觉，他的慢乐章悠长、冥想，仿佛停留在永恒的黄昏之中。他通过对和声色彩的运用，营造出一种既美丽又略带忧郁的独特氛围，这正是早期浪漫主义音乐的核心特征。 总结与展望 本合集通过对莫扎特典雅的建筑美、贝多芬革命性的精神深度，以及舒伯特深沉的抒情特质的细致梳理，为读者提供了一幅古典主义与早期浪漫主义时期弦乐四重奏的全景图。理解这些大师的作品，不仅是学习音乐史的必要环节，更是体验人类情感表达力度与复杂性的最佳途径。本书旨在帮助演奏者和欣赏者深入挖掘这些不朽之作背后的结构逻辑、和声创新，以及永恒的艺术价值。

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这套碟片，说实话，刚拿到手的时候我还有点犹豫。我对古典音乐的涉猎谈不上精通，但对弦乐四重奏这种形式总有一种莫名的亲近感。我特地挑选了海顿的“皇帝”这组，主要是冲着那首著名的慢板乐章去的，毕竟“我为人人，人人为我”的主旋律太深入人心了。然而，当我把唱针轻轻放下，第一个音符流淌出来时，那种惊喜感是完全出乎意料的。录音的质感非常棒，清晰得仿佛乐器就在你眼前呼吸。指挥家的处理非常细腻，他没有像某些版本那样追求宏大叙事，而是将重点放在了乐句之间的对话感上。尤其是第一小提琴和中提琴的应答，那种你来我往的灵动，简直像是在进行一场高雅的辩论，丝毫不觉得沉闷。整张专辑的演绎节奏掌握得极佳，即便是那些结构相对复杂的奏鸣曲式，听起来也如行云流水般自然流畅，完全没有阻滞感。对于想入门海顿四重奏的乐迷来说，这套碟绝对是值得信赖的敲门砖，它用最纯粹、最精准的音色，展现了海顿作为“四重奏之父”的非凡功力。我个人尤其欣赏他们对力度变化的把握，从极弱到骤强的对比处理得干净利落，充满了戏剧张力。

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老实说，我原本对“皇帝”这个主题有些审美疲劳，总觉得它被演绎得太多、太套路化了。然而，这套专辑里对主题的运用，却让我眼前一亮。它没有滥用那个著名的慢板旋律，而是巧妙地将其精神融入到整套作品的结构和气质中。演奏者们似乎达成了一种默契，他们不是在“演奏”海顿的音乐，而是在“复活”海顿的时代精神。这种精神是充满贵族气质的严谨，又带着民间艺术的活泼。与我收藏的其他几套著名版本相比，这套碟子在情感表达上显得更为内敛和节制，恰到好处地避免了过度煽情，从而让海顿音乐中那种纯粹的结构美得以彰显。它就像一杯陈年的威士忌，入口醇厚，回味悠长，让你在品尝其复杂层次的同时，感受到一种返璞归真的力量。对于那些追求“原汁原味”和“深度理解”的资深乐迷，这张碟绝对能带来新的感悟。

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坦白讲，古典音乐的唱片市场现在充斥着太多“安全”的选择，大家都在模仿前人，缺乏真正的创新和深度挖掘。但这套《OGTー113》在保持对原作尊敬的同时，展现出了一种令人振奋的活力。我听得出演奏者们在诠释上的个性，但这个性是建立在对乐谱深刻理解之上的，而不是故作惊人之举。特别是那些被认为是海顿晚期杰作的几首作品，其复杂的情感层次在这套录音中得到了极佳的释放。它不像有些版本那样将这些作品处理得过于沉重或哲思，而是保留了海顿一贯的乐观底色，即便在表达深刻主题时，也总能找到一丝光明和智慧的闪光点。我甚至觉得，这张碟子对当代人来说意义非凡，它提醒我们，在复杂的现实面前，保持一份清晰、乐观且富有逻辑的思考是多么重要。如果你对那些动辄八十分钟的交响乐感到疲惫，那么，抽出一个下午，静静地聆听这套四重奏，无疑是一种极佳的“精神SPA”。

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我通常不喜欢听那些过于“学术化”的古典乐录音，它们往往像是教科书的示范，少了点人情味。但这套《OGTー113》却恰恰相反，它拥有罕见的平衡感。我发现自己可以放下手中的其他事情，完全沉浸在音乐构建的世界里。海顿的魅力就在于他的幽默感和无穷的创意，这一点在这套演绎中得到了充分的体现。比如某些乐章中突然出现的滑稽音型，演奏者们处理得既俏皮又不失庄重，那种“会心一笑”的感觉非常到位。音色的处理上，我可以感觉到演奏者们显然对乐器的发声方式有着深入的研究，每一个声部都保持着恰到好处的独立性，却又完美地融合在一起，没有哪个声部显得过于突出或被掩盖。这对于四重奏来说是至关重要的，因为任何一个声部的失衡都会破坏整体的织体。听完这张碟，我突然明白，为什么海顿会被尊为“交响乐和四重奏之父”，他的音乐结构之精妙，简直如同建筑大师的作品，而这套录音则像是为这座建筑进行了最完美的灯光设计，让每一根梁柱都清晰可见。

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我很少对一套录音的“技术面”给予如此高的评价，但这张《OGTー113》绝对值得。我用一套非常挑剔的音响系统来试听，无论是高频的清晰度，还是低频的温暖度，都无可挑剔。弦乐的摩擦声、弓毛与琴弦接触的细节，甚至是演奏者呼吸的微小声响，都被捕捉得丝丝入扣。这种高保真的录制效果，极大地增强了听觉体验的沉浸感。在聆听时，我能清晰地分辨出每把乐器在空间中的相对位置，这得益于录音工程师对麦克风摆位的精准控制。对于喜欢研究演奏技巧的乐迷来说，这是一个绝佳的样本集。你可以清晰地听到不同乐句之间，例如颤音、拨弦等技巧是如何被运用和处理的，这些细节在普通设备上很容易被背景噪音或模糊的混音所掩盖。总而言之，这是一次技术与艺术完美结合的典范，它让你重新审视录音技术在古典音乐再现中的巨大潜力。

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