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出版者:Exclusive distributors

作者:Herbie Hancock

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1986

价格:0

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9780711908239

丛书系列:

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爵士乐的拓荒者：迈尔斯·戴维斯与融合的黎明 一本关于爵士乐史上最富革命性人物之一的深度剖析，聚焦于其在咆勃向后咆勃，乃至融合爵士乐过渡期所扮演的决定性角色。 本书并非聚焦于任何一位特定的键盘手或作曲家，而是将目光投向定义了二十世纪后半叶现代音乐面貌的灵魂人物——迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）。通过详尽的文献梳理、从未发表的录音资料分析，以及对同期音乐家和评论家的深入访谈，本书旨在描绘出这位小号大师如何以其惊人的直觉和对潮流的敏锐洞察力，一次又一次地将爵士乐推向未知的疆域。 第一部：从咆勃边缘到“冷乐”的诞生 故事始于二战后新 纽约的音乐场景。戴维斯作为一位年轻的密苏里人，带着对查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮的敬意和挑战的决心，闯入了咆勃（Bebop）的中心。然而，这本书详细阐述了戴维斯如何迅速感到咆勃在情绪表达上的局限性。咆勃的快速、复杂和炫技的本质，在戴维斯听来，似乎过于“热烈”和拥挤。 我们追溯了戴维斯在1940年代末期，如何与小号手吉尔·埃文斯（Gil Evans）和萨克斯手李·康尼茨（Lee Konitz）等人紧密合作，酝酿出一种截然不同的美学——“冷爵士乐”（Cool Jazz）。书中深入分析了标志性的《九人组录音》（Birth of the Cool）。我们不仅仅是罗列曲目，而是剖析了其配器法（如法国号和低音号的使用）、缓慢的速度选择、以及对空间和沉默的强调。这些音乐实验，挑战了当时主流爵士乐对速度和音量的崇拜，为整个音乐界提供了一种内敛而精致的表达方式。 第二部：蓝调根源与“调式爵士”的结构革命 本书的中间部分，聚焦于戴维斯职业生涯中最具影响力的转折点之一：对和声复杂性的解放。在五十年代中期，尽管咆勃的复杂和弦进行（如“Bird Changes”）仍然是主流，但戴维斯开始对这种“垂直”的音乐结构感到厌倦。他认为，过于密集的和弦变化限制了即兴演奏者的旋律自由。 我们详细考察了戴维斯与萨克斯手约翰·柯川（John Coltrane）和钢琴手比尔·埃文斯（Bill Evans）合作期间的思维过程。书中收录了对当时参与录音的乐手口述历史，揭示了他们如何共同构建出“调式爵士乐”（Modal Jazz）这一革命性的理论基础。专辑《Kind of Blue》（1959年）并非仅仅是一张畅销专辑，而是一次音乐哲学的宣言。书中将此专辑中的每一个音符放入历史背景中，解释了如何通过限制和弦变化、延长每个调式的停留时间，从而迫使即兴演奏者将注意力从快速转换和弦转移到对音色、节奏以及旋律线条的长期发展上。这种解放，为后来的爵士乐手提供了近乎无限的叙事空间。 第三部：电子与节奏的碰撞——融合爵士乐的黎明 五十年代末期至六十年代中期，戴维斯再次成为先知。面对摇滚乐和节奏布鲁斯（R&B）的巨大商业成功，以及新兴的自由爵士乐（Free Jazz）的激进探索，戴维斯再次拒绝停滞不前。 本书用大量篇幅探讨了戴维斯如何开始将电声乐器引入他的乐队。从电贝司的引入，到最终在《In a Silent Way》和更具爆炸性的《Bitches Brew》中，彻底拥抱电钢琴、电吉他和失真音效。我们分析了这种转变并非简单的“商业化”，而是一次深思熟虑的音乐整合。他吸收了詹姆斯·布朗和吉米·亨德里克斯的节奏驱动力，将其与爵士乐复杂的即兴结构相结合。书中细致地剖析了《Bitches Brew》录音过程的混沌与天才，展示了戴维斯是如何引导年轻的托尼·威廉斯、乔·扎维努尔和约翰·麦克劳克林等音乐家，在录音室中创造出一种全新的、迷幻的、流动的音乐体验——即融合爵士乐（Fusion）。 第四部：沉默、回归与遗产 本书的最后一部分回顾了戴维斯在七十年代初期的“沉默期”，分析了这次休息如何帮助他摆脱了当时对摇滚节奏的过度依赖，并为他八十年代的回归奠定了基础。我们研究了他后期的作品，如《Tutu》，展示了他在电子乐器和数字化制作方面的成熟运用，以及他对新一代音乐人的持续影响力。 《爵士乐的拓荒者》是一部关于永恒探索精神的传记。它不讲述一个安逸的故事，而是一部关于一位艺术家如何不断拆毁自己的城堡，只为在废墟之上建造更宏伟殿堂的史诗。本书深入挖掘了戴维斯音乐中不变的核心——对“声音的本质”的永恒追问，以及他对任何既定范式的拒绝服从。 通过详尽的音乐分析和丰富的历史背景，读者将清晰地理解，迈尔斯·戴维斯是如何不仅是一位伟大的演奏家，更是一位塑造了二十世纪下半叶爵士乐乃至整个流行音乐走向的建筑师。他的音乐旅程，就是爵士乐本身不断演变的缩影。

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**评论三：** 我必须承认，这本书的学术严谨性让人肃然起敬，它与其说是一本大众读物，不如说是一份值得纳入音乐学院图书馆的专业研究报告。作者对音乐理论的掌握达到了炉火纯青的地步，书中对特定时期作品的和声分析，简直细致到了每一个经过的和弦标记，并且能够清晰地追溯到其在早期非裔美国人音乐传统中的根源。每一处引述的乐谱片段都经过了细致的考证和精确的排版，为专业人士提供了极大的便利。这种详实的数据支撑，使得全书论证的说服力达到了无懈可击的程度。然而，这并非一本枯燥的教科书，作者巧妙地将理论的分析融入到对人物性格和时代精神的探讨中。例如，在分析某张里程碑专辑时，作者不仅解析了其在技术上的突破，更将其置于当时社会动荡的宏大背景下，揭示了音乐创新如何成为一种无声的社会抗议。书中大量使用了第一手的会议记录、私人信件以及从未公开过的排练笔记，这些一手资料的引用，极大地增强了历史的真实感和现场感。阅读这本书就像是进行一次严谨的田野调查，你不仅获得了知识，更获得了一种看待音乐史的严谨方法论。它要求读者拿出笔和纸，跟随作者的思路，一步步拆解和理解那些看似不可思议的艺术成就背后的科学与灵魂的结合。

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**评论四：** 这本书最吸引我的地方，在于它那种近乎散文诗的抒情笔调，它几乎不谈论具体的音乐技术，而是专注于捕捉那种“状态”——那种在创作巅峰时艺术家灵魂深处的颤动与涌动。作者的语言充满了画面感和触感，读起来不像是在阅读文字，更像是在经历一场意境深远的梦境。书中对“流动性”这个概念的探讨达到了极高的哲学层面，它将音乐视为一种不断变化、拒绝被定义的生命体，而人物本身，也成为了这种流动的载体。叙述中穿插了大量的意象描写，比如“午夜时分，蒸汽弥漫的录音棚像一个等待被唤醒的巨大有机体”，“那些不和谐音符，如同星辰在宇宙深处的孤独回响”。这种高度的象征性和情感色彩，让这本书拥有了超越传记本身的文学价值。它探讨的更多是关于天赋的本质、创造力的极限，以及如何与内心的“魔鬼”共存并将其转化为美。对于那些追求纯粹美学体验的读者而言，这本书简直是一场精神的朝圣之旅。它不急于给出任何明确的结论，而是将所有的感悟悬置在半空中，任由读者在自己对音乐和生命的理解中去填补空白。这种留白的处理，使得每一位读者都能在其中找到自己独特的共鸣点，成就一次高度私密的阅读体验。

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**评论二：** 这本书的结构设计简直是一次大胆的解构主义尝试，它完全抛弃了传统的线性叙事逻辑，更像是一张错综复杂的乐谱，音符（即章节）的排列完全服务于情感的张力和主题的呼应，而非简单的年代顺序。阅读过程需要读者主动去“拼凑”和“连接”那些看似跳跃的片段，这无疑对读者的专注度和理解力提出了相当高的要求。然而，一旦你适应了这种非线性的节奏，你会发现它带来的震撼是传统叙事无法比拟的。作者似乎更热衷于挖掘那些“未被充分演奏”的主题，比如在不同地域文化碰撞中产生的微妙化学反应，或是对“即兴”这一概念本身进行的哲学思辨。书中对于创作心路历程的刻画，充满了极端的自我审视和内心的拉扯，展现了一个艺术家在追求极致创新时所必须承受的孤独与自我怀疑。文字风格冷峻而精准，偶尔迸发出充满数学美感的比喻，用来形容那些复杂的和声进行或节奏变化，读起来酣畅淋漓。我特别欣赏其中一个章节，它完全由一些采访对象的简短、近乎断裂的陈述组成，却以一种集体潜意识的方式，勾勒出了核心人物性格中那种难以捉摸的复杂面向。这本书不是提供答案的，而是抛出更多、更深刻的问题，它强迫你跳出舒适区，去重新聆听那些耳熟能详的作品，并以一种全新的视角去解读隐藏在音符之下的复杂结构和深层意图。

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**评论一：** 翻开这本书的封面，一股浓郁的怀旧气息便扑面而来，仿佛能闻到老唱片封套上特有的微酸纸张味。这本书的叙事节奏把握得极为精妙，时而像夏夜里微醺的爵士乐，慵懒而自由地在时间线上游走，回顾着那些辉煌的年代和那些已逝的传奇人物。作者对于音乐史料的考证达到了近乎痴迷的程度，每一个关键时刻的细节都被打磨得晶莹剔透，绝非泛泛而谈的流水账。特别是关于早期电子音乐实验的部分，那些晦涩难懂的技术革新，竟然被作者用一种近乎诗意的笔触描绘出来，让即便是对合成器原理一窍不通的门外汉，也能感受到那个时代先锋艺术家们探索未知领域的激动人心。文字的张力十足，尤其在描写那些即兴演奏片段时，仿佛能透过文字听到音符在空气中碰撞、交织，直至爆发出令人头皮发麻的能量。书中对特定时期文化背景的侧写，也极为深刻，它不只是在记录一个音乐家的生平，更是在重构一个时代的精神面貌——那种充满反叛、对既有体制的不屑一顾，以及对纯粹艺术表达的近乎偏执的追求。这本书读起来，就像是坐在一间烟雾缭绕的小酒吧里，听一位经验丰富的老乐手，用他沙哑而充满智慧的声音，娓娓道来那些光芒万丈却又充满挣扎的幕后故事。它让你在享受故事性的同时，也被其深厚的文化底蕴深深吸引，绝非一本可以轻松翻阅的传记，它更像是一份沉甸甸的音乐文献。

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**评论五：** 这本书的视角极其独特，它似乎完全舍弃了传统上对核心人物的“仰视”，转而采取了一种近乎“平行观察”的策略，将重点放在了那些在核心人物身边默默无闻，却又至关重要的合作者、制作人和技术支持人员身上。这种“群像描摹”的手法，极大地丰富了我们对那个音乐生态系统的理解。作者以极大的耐心，为我们描绘了一幅幅复杂的社会网络图景，展示了艺术的诞生是如何依赖于无数次的沟通、妥协和互相激发。书中对录音室环境的描述尤其精彩，那种将技术人员与艺术家并置的手法，揭示了声音的塑形过程，远比我们想象的要复杂和充满人性的博弈。比如，某段传奇Solo的最终呈现，书中细致地还原了当时灯光、麦克风摆位、甚至工程师心情不佳对音色造成的影响，这些“幕后花絮”的价值，甚至超过了对音乐本身的技术分析。作者的语言风格平实而富有洞察力，没有过多的炫技，却在最朴素的描述中，揭示了人与人之间协作的复杂性与伟大。它让人深思：真正的创新，究竟是孤胆英雄的闪光，还是集体智慧的结晶？这本书无疑倾向于后者，它让人们对整个“制造”音乐的流程，产生了一种全新的、充满敬畏的理解。这不只是一本音乐史，它更是一部关于协作与环境如何塑造伟大的社会学论文。

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