大画竹十招 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:郭大湧

出品人:

页数:36

译者:

出版时间:2008-5

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787532256600

丛书系列:

图书标签:

• 美术
• 绘画
• 竹子
• 水墨画
• 写意画
• 绘画技巧
• 艺术
• 中国画
• 技法
• 教程
• 素描

好的，以下是一份关于一本名为《山水之间：写意山水画技法精要》的图书简介，字数约1500字。 --- 山水之间：写意山水画技法精要 一部深入探寻中国山水画精神内核与笔墨技法的权威指南 前言 在中国传统艺术的宏伟殿堂中，山水画以其博大精深的哲学意蕴和变幻无穷的笔墨语言，独树一帜，成为中华民族精神图腾的重要载体。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家胸襟、学养与生命哲思的外化。然而，山水画的学习，特别是写意山水的创作，往往令初学者望而生畏，其中蕴含的“气韵生动”与“笔墨精微”之间的平衡，需要长期的积累与深刻的理解。 《山水之间：写意山水画技法精要》正是基于对这一需求的深刻洞察而创作的。本书并非一本单纯的技法图解，而是一部融合了深厚理论基础、系统技法梳理与丰富创作实践的综合性教材。它旨在引导读者跨越入门的藩篱，直抵中国山水画创作的审美核心与笔墨殿堂。 第一部：溯源与立意——山水画的精神内核 任何艺术的精进，必以对根源的理解为基石。本书的第一部分，聚焦于中国山水画的哲学渊源与历史脉络。我们从魏晋的“气”论谈起，深入剖析道家“道法自然”与儒家“比德”思想如何在山水画中得以体现。理解了“卧游”与“寄情山水”的传统，才能真正把握山水画创作的立意高度。 历史的河流：风格的演变与大师风范 本部分系统梳理了自唐代“青绿山水”的绚烂，到宋代“全景式”的严谨写实，再到元代“文人山水”的笔墨解放，直至明清“四王”的集大成与“四僧”的个性张扬。我们不作泛泛而谈，而是选取了最具代表性的数位大师，如范宽的雄浑、倪瓒的萧疏、石涛的恣肆，通过对他们代表作的“解构式”分析，提炼出不同时代、不同流派在用墨、用笔、构图上的核心特征。例如，解析董源“披麻皴”如何体现江南烟雨的湿润，以及黄公望“牛毛皴”如何营造太行山的厚重苍茫。 审美之境：中国画的“意”与“境” 山水画的精髓在于“意境”。本书将“意”解析为画家的人格投射与学养积累，将“境”视为画家对自然形态的提炼与重组。我们探讨了“计白当黑”的留白哲学——留白不仅是空间的处理，更是对“虚实相生”宇宙观的体现。读者将学习如何通过有限的笔墨，构建无限的想象空间，达到“不着一笔，已成浑厚”的境界。 第二部：笔墨的语汇——写意技法全面解析 笔墨，是山水画家的语言。本部分是全书的技术核心，我们摒弃了传统上枯燥的技法罗列，转而采用“由简入繁，由形入神”的渐进式教学体系。 基础的锤炼：点线面的综合训练 笔墨技法的基础训练，被拆解为对“干、湿、浓、淡、焦”五种墨法以及“中锋、侧锋、偏锋”三种用笔的精准控制。我们详细阐述了如何通过控制毛笔的含水量和运笔速度，实现墨色的微妙变化，例如，如何用“焦墨”勾勒近景的力度感，如何用“淡墨”渲染远山的缥缈。 皴法探微：山石的骨骼塑造 山石为山水画之骨。本书全面系统地介绍了中国山水画中主要的皴法，包括披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等十八种主要皴法的具体运笔轨迹与适用场景。更重要的是，本书强调“因地制宜”，指导读者如何根据山体的具体形态（如陡峭、平缓、圆润），灵活变通地运用皴法，避免生搬硬套。 树石的生命：点苔与点叶的学问 树木和点苔被视为山水画的“毛发”与“脉络”。在树法上，本书细致区分了点叶法（如介字点、胡椒点、个字点）与勾勒法（如分叉法、交叉法），并结合不同季节、不同树种的特征进行示范。尤其对“点苔”——这一决定画面生动性的关键步骤，进行了深入的探讨，教授如何利用墨色的干湿浓淡，赋予山石以生命的气息。 水墨的交响：云烟与渲染的艺术 水墨的晕染是写意山水区别于其他画科的重要标志。我们探讨了如何使用“烘染法”和“罩染法”来表现云雾的层次感与水面的光影变化。对于湿润环境的表现，我们提出了“趁湿相接”的技巧，确保墨色的过渡自然、浑然天成。 第三部：构图与气势——布局的玄机 山水画的成功，往往系于一局之妙。本书的第三部分，聚焦于如何将零散的笔墨技法组织成一幅具有宏大结构和内在逻辑的画面。 全景与局部：高远、平远、深远的运用 我们解析了中国山水画“三远法”的透视原理与视觉效果。高远法侧重于山之雄伟，平远法强调景之开阔，深远法展现空间之纵深。本书通过大量的图例对比，指导读者如何根据想要表达的主题，选择最合适的构图方式，或融合使用，以达到“可游、可居、可观”的理想效果。 动静的平衡：疏密聚散的节奏感 构图的节奏感来源于“疏密”与“聚散”的对立统一。密处不至于拥塞，疏处不至于空泛。本书提供了一套行之有效的“平衡法则”：如何利用主体（密）与留白（疏）的比例关系，引导观众的视线流动，形成视觉上的韵律。 点景的精妙：人物与建筑的“增色” 人物、房屋、桥梁等点景元素，绝非可有可无的附属品，而是烘托主体、增强意境的关键。本书强调点景必须“以大观小”，即点景要符合整体画面的尺度感和时代氛围，做到“画龙点睛”而非“画蛇添足”。 结语 《山水之间：写意山水画技法精要》是一本面向所有热爱中国传统艺术的求知者的书。它不仅提供了坚实的技法阶梯，更重要的是，它试图唤醒读者内心深处对自然万物的敬畏与感悟。学山水画，学的是如何用手中的笔墨，与天地对话，最终实现个体生命在浩瀚宇宙中的精神皈依。拿起此书，即是迈入了这片广阔而深邃的山水之间。 ---

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这本书的装帧设计和印刷质量简直无可挑剔，拿在手里就有一种沉甸甸的满足感，这对于一本艺术类书籍来说至关重要。我是一个非常注重阅读体验的人，如果内容再好，但载体粗糙，也会大大影响阅读的心情。这本画谱在这方面做得极其出色，纸张的质感很好，即使是墨色的渲染和晕染，也能清晰地展现出细微的层次变化，这对于学习水墨画中“墨分五色”的技巧来说，是无可替代的优势。更令人称赞的是，它在案例展示上极其用心，每一个步骤的图例都清晰锐利，线条的粗细、墨色的浓淡对比都把握得恰到好处，即便是放大观察，也不会出现模糊不清的现象。这种对细节的极致追求，体现了编者对传统艺术的敬畏之心。它不像市面上很多速成类的教程那样浮躁，而是扎扎实实地从最根本的结构入手，讲解了如何构建竹子的骨架，如何赋予它在风中摇曳的动感。每次翻阅时，都会有新的感悟，因为它提供的不仅仅是“怎么画”，更是“为什么这么画”的深层思考，让人在学习技法的同时，审美也得到了潜移默化的提升。

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说实话，我过去临摹了不少古代名家的竹谱，但往往是“临形不临神”，总感觉自己的画作干巴巴的，缺乏生命力。这本书的出现，极大地拓宽了我的思路。它最独特之处在于，它将理论知识与实际操作完美地融合在一起，没有采用生硬的术语堆砌。作者非常善于用生活中的经验来类比绘画中的技巧，比如用“写字的力量”来解释如何控制毛笔的力度和出锋，这让我这个写字根底薄弱的人也能很快找到感觉。书中的章节安排也极具逻辑性，从单个竹节的画法，到整株竹子的布局，再到群体竹林的创作，都有清晰的脉络可循。尤其值得一提的是，书中对于“韵律感”的强调。竹子是一种具有很强重复性和节奏感的植物，如何让画面中的竹子既有统一的韵律，又避免单调乏味，作者提供了一套非常实用的变化法则，比如如何通过枝杈的疏密变化和方向的错落有致来打破沉闷。我将书中教授的章法运用到自己的创作中后，连我的老师都夸赞我的作品开始有了“生命之动”，这对我来说是莫大的鼓励。

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我给这本书的评价是“循序渐进的艺术之旅”。我本身是偏向于速成型学习的读者，对那种需要长时间枯燥练习的入门书籍往往缺乏耐心。但这本画谱的魔力在于，它让你在不知不觉中投入了大量的时间，因为每翻过一页，你都会迫不及待地想拿起笔来尝试一下。它的课程设计非常科学，不会让你一次性接收太多信息量，而是通过大量的、不同风格的小练习来巩固前一个知识点。比如，在学习了“侧锋画竹叶”之后，紧接着就会出现一系列要求用侧锋表现不同朝向竹叶的小范例，让你立刻将理论转化为肌肉记忆。此外，书中还穿插了一些关于画材选择和维护的实用建议，这对于新手来说是非常贴心的补充，解决了我们在工具使用上的很多困惑。它不卖弄高深，只专注于如何高效、有趣地将一门传统技艺传授给当代学习者，让我感受到了中国传统艺术教育的现代魅力。这本书的价值，在于它成功地将晦涩的笔墨语言，转化成了一套人人可理解、可实践的创作方法论。

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这本书真是让人眼前一亮，尤其是对于那些对传统艺术怀有深深敬意，却又苦于难以入门的初学者来说，简直是一剂良药。我记得我刚接触绘画的时候，总觉得那些大师的作品高不可攀，线条的起承转合充满了玄机，自己照着描摹也总像是不得要领。这本书的叙事方式非常平易近人，它没有那种居高临下的说教感，而是像一位经验丰富、耐心十足的老师，一步步引导你进入竹子的世界。它的结构设计得非常巧妙，从最基础的笔法开始，层层递进，确保读者在学习高级技巧之前，已经牢固掌握了基础。我特别欣赏它对于“气韵生动”这个抽象概念的具体化解析，它用非常形象的比喻来解释如何用笔墨表现竹子的风骨和生命力，读完之后，我再去看那些名家画作，仿佛忽然间打通了任督二脉，那些曾经晦涩难懂的笔触，如今都变得清晰可辨，充满了生命力和哲理。这本书绝不仅仅是一本技法手册，更是一部关于东方美学和生活态度的启蒙读物，它教会你的不只是如何画竹子，更是如何去观察自然，如何将内心的感受融入到笔端。我强烈推荐给所有对中国水墨画有兴趣的朋友，它能带你走过最艰难的入门期，直达创作的乐趣之门。

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我是在朋友的强烈推荐下购入这本画册的，坦白说，一开始我对市面上各种“秘笈”有些免疫了，总觉得它们夸大其词。然而，这本书真正让我感到震撼的是它对“意境”的把控。它将中国画中“形神兼备”的理念，落实到了每一个具体的竹枝和竹叶的形态塑造上。它没有一味地强调画得“像”，而是引导读者去捕捉竹子所代表的那种坚韧不拔、虚心有节的君子之风。书中对于不同季节、不同光线下竹子的表现手法，有着非常细腻的区分。例如，表现冬日寒竹的萧瑟感，与表现夏日浓荫下的勃勃生机，所用的笔法和墨法是完全不同的，这种对氛围的营造能力，是书中最宝贵的财富之一。我通过学习书中关于“留白”的运用，深刻理解了“计白当黑”的精髓，那留下的空白之处，仿佛充满了无尽的想象空间，让画面“活”了起来。这使得我的作品不再是简单的素材堆砌，而是开始有了自己的呼吸和情感流动。对于追求艺术深度的爱好者来说，这本书无疑是值得反复研读的经典范本。

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