举一反三.画马牛

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出版者:
作者:上海书画出版社 编
出品人:
页数:28
译者:
出版时间:2008-5
价格:16.00元
装帧:
isbn号码:9787807256793
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 速写
  • 素描
  • 艺术
  • 技巧
  • 基础
  • 入门
  • 动物
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具体描述

《举一反三:画马牛》主要内容:中国画是古老而独特的视觉表现形式,学习中国画,并不仅仅是学习观察和表现对象的方法,而首先要掌握它的程式。就像学习戏剧等其他传统艺术表现形式一样,必须先学会唱腔,然后才能表现生活。学习中国画,首先要学会并掌握用笔墨表现对象的方法和能力。

为了配合和引导近年逐渐升温的青少年和老年朋友学习国画的热潮,我们组织编写了这套“朵云轩国画技法丛书”。此套丛书,选择了虎、鸡、鹤、牡丹、兰、竹等二十种最受青少年和老年朋友喜爱的动植物题材,分册编撰。每一对象,皆由善于表现这些题材的实力派画家具体入微地掩饰刻画对象的步骤,并举一反三,既由该对象引申至与之形态相近的两种其他动植物,如学画虎可以引申至学画狮与豹,学画牡丹可以引申至画芍药与芙蓉,又由该对象本身的形体基本结构引申到其他不同动态与姿态表现,并配有历史上善于表现此类题材的名家作品的欣赏,力求以有限的篇幅为读者呈现最大化的信息量。本分册演示的是表现马的基本技法,并举一反三地介绍了牛和驴的技法。

好的,这是一本关于中国传统文化与艺术鉴赏的书籍简介,暂定名为《墨韵丹青:中国古代艺术的流变与意蕴》。 --- 墨韵丹青:中国古代艺术的流变与意蕴 (一本探索中国传统美学精神与艺术实践的深度读本) 内容概述 《墨韵丹青:中国古代艺术的流变与意蕴》并非一本简单的艺术史编年录,而是一次深入中国古代文人精神世界与审美哲学的溯源之旅。本书聚焦于魏晋南北朝至清末近两千年的中国艺术发展脉络,旨在揭示隐藏在水墨、雕塑、建筑和工艺品背后的文化基因与时代心绪。 全书结构宏大,叙事细致入微,它不仅关注艺术形式的演变——如从唐代的浑厚磅礴到宋代的内敛精致,再到元明清的个性张扬——更着重于解读艺术品如何成为特定历史阶段社会意识形态、哲学思辨(如儒释道的影响)以及士人阶层自我修养的载体。我们力求还原那些决定性的“转折点”,探讨艺术风格的内在驱动力,而非仅仅罗列流派和名家。 本书共分为六大部分,层层递进,构建了一个立体的中国古代艺术图景: --- 第一部:肇始与奠基——魏晋风骨与六朝气象 本部分回溯了中国艺术从古典范式向自由表达过渡的艰难时期。重点探讨了玄学思想对人物画和书法的影响,特别是“魏晋风度”如何塑造了早期文人对“气韵生动”的终极追求。我们将细致分析顾恺之的“传神写照”理论,并辅以大量出土壁画和造像资料,论证佛教艺术在本土化过程中对中国造型体系产生的深刻重塑作用。 核心议题: 魏晋时期,艺术如何从“教化工具”转向“个体精神的投射”?士人的“避世”倾向如何体现在山水画的萌芽阶段? --- 第二部:盛唐气象与宋代格律——秩序、规范与内观 盛唐的艺术以其恢宏的气度和成熟的技法傲视古今。本章深入研究唐代壁画(如敦煌)中的世俗与神圣的融合,以及青铜器、陶瓷(唐三彩)的工艺巅峰。 然而,叙述的重点很快转向北宋,探讨“格物致知”的理性精神如何渗透到院体绘画中,催生了如范宽、郭熙等巨匠对自然秩序的精确描摹。宋代美学中对“理”的探讨,使得绘画超越了单纯的写实,达到了对宇宙本体的哲思层面。我们也将剖析宋徽宗的“瘦金体”如何将书法艺术推向极致的个人化与符号化。 核心议题: 盛唐的“满”与宋代的“空”之间,反映了中国社会心理的哪些变化?宋代对“法度”的追求,是否反而限制了艺术的进一步自由? --- 第三部:文人转向与水墨精神——元四家的精神疆域 元代是艺术史上一次重大的“文人转向”。随着士大夫阶层与政治的疏离,艺术的重心彻底回归个体心性。本部分将深入解读“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)的作品,分析他们如何将笔墨的运用升华为一种“写意”的哲学实践。 倪瓒的“空寂”山水如何表达了对现实政治的消极抵抗?“文人画”的兴起如何确立了“诗、书、画、印”四位一体的艺术评价标准?我们将详尽阐述水墨技法中干湿浓淡的变化,如何对应文人复杂的情感层次,而非仅仅是描绘景物。 核心议题: 当艺术成为自我慰藉的途径时,其社会功能发生了怎样的转移?“意在笔先”如何打破了传统绘画的视觉再现原则? --- 第四部:程式的再创造——明清的变奏与冲突 明清两代,中国艺术进入了一个在继承中不断寻求突破的阶段。我们首先考察明代吴门画派的精致化倾向,以及董其昌对“南北宗论”的提出,这一理论对后世艺术批评产生了深远影响。 清代的部分则聚焦于“四王”对既有范式的继承与僵化,以及“四僧”(如石涛、八大山人)如何通过极端的笔墨语言来反抗僵化的审美规范。特别是对八大山人独特怪诞造型的研究,揭示了在王朝更迭背景下艺术家内心的孤傲与挣扎。 核心议题: “格律”与“个性”在明清的拉锯战中,对中国绘画的发展走向产生了何种长远影响?如何理解清代宫廷艺术的典雅与文人艺术的叛逆之间的张力? --- 第五部:工艺的哲学——器物中的人文关怀 本部分拓宽视野,审视装饰艺术与实用艺术在中国文化中的崇高地位。我们探讨瓷器烧造技术(如釉色、青花纹饰)的演变如何映照出不同时代的审美趣味与商业拓展。玉器的雕琢、漆器的髹饰,这些“工”的艺术,是如何与“文”的审美标准融为一体,实现器物精神化的过程。 核心议题: 中国古代的“工匠”与“文人”之间的关系是怎样的?为何在西方艺术史中被边缘化的实用艺术,在中国却能达到极高的哲学高度? --- 第六部:视觉的终结与精神的延续——晚清的转型期 本书以晚清的艺术图景作结。在西方文化冲击下,中国传统艺术面临着前所未有的危机与变革的阵痛。我们分析了海派艺术(如吴昌硕)如何融合金石入画,以更粗犷、更具冲击力的笔触回应时代变局,以及传统艺术教育体系的瓦解与重建的初期尝试。 核心议题: 传统艺术在“现代化”的压力下,其核心价值(如气韵、写意)是否能够被成功地转译到新的媒介和语境中? --- 本书特色 1. 跨媒介整合: 不局限于水墨,将书法、雕塑、建筑、陶瓷等多种艺术门类相互参证,构建一个全面的古代艺术生态系统。 2. 重在“意”理: 摒弃单纯的风格描述,深入挖掘支撑艺术形式背后的哲学思辨(如禅宗的空观、道家的自然)。 3. 叙事深入细致: 引用大量一手文献和学界前沿研究成果,以严谨的学术态度,还原历史情境,避免泛泛而谈。 4. 批判性视角: 在赞美成就的同时,也审视了艺术发展中的僵化和局限性,提供更为平衡和立体的评价。 《墨韵丹青》旨在为所有对中国传统文化怀有深厚兴趣的读者提供一把钥匙,推开那扇通往古代士人心灵深处、充满笔墨趣味与哲学思辨的艺术之门。它不仅教人“看画”,更教人“读懂”画背后的中国精神。

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读后感

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用户评价

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我花了整整一个下午的时间沉浸在阅读中,这本书的文字密度和信息量之大,着实让我这个自诩有些绘画基础的爱好者感到汗颜。它没有提供那种“十分钟学会画一匹奔腾的骏马”的速成秘籍,反而像是在解构一个复杂的哲学体系。作者对不同鬃毛的处理方式,简直到了吹毛求疵的地步,每一种画法背后的文化渊源和对动物习性的观察,都被挖掘得淋漓尽致。比如,在描述如何表现牛的沉稳与力量时,作者竟然引用了宋代某位禅师的公案,将绘画的宁静与内心的定力联系起来,这种跨学科的融会贯通,实在令人叹服。我尤其欣赏其中关于“留白”的论述,它不仅仅是画布上的空白,更是画家呼吸的空间,是观者想象力的延伸。读完这部分,我立刻拿起笔,试图在我的练习本上尝试用更简练的线条去捕捉对象的神态,那种限制中求自由的创作张力,是此前我阅读其他画册时从未体悟到的境界。

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这本书的叙事风格非常跳跃且富有个人色彩,读起来更像是一本艺术家的手记,而不是一本标准的教材。作者的文笔带着一种九十年代知识分子特有的那种略显晦涩但充满力量感的笔触。有时候,他会突然插入一段关于自己早年学艺时遭遇挫折的回忆,语气中充满了对传统艺术道路艰难性的感慨。我发现,正是这些看似与绘画技巧无关的“花边”叙事,反而构建起了整本书的灵魂。它让我感受到,每一笔触的背后,都凝聚着作者多年的心血和对艺术纯粹性的坚守。特别是其中一章,几乎完全用古白话来描述“马蹄踏雪”的动态瞬间,那种阅读的挑战性,反而强迫我必须放慢速度,用心去咀嚼每一个字眼所蕴含的画面感。这种沉浸式的阅读体验,比直接看图谱更有代入感,仿佛作者正站在我身后,轻声指导我的呼吸节奏。

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这本书的整体气场非常沉静,读完后让人心绪安宁,有一种洗涤心灵的感觉。它不是那种能让你立刻上手画出惊人作品的“工具书”,更像是一本能帮你沉淀浮躁心性的“精神食粮”。作者似乎并不在乎你最终能否画出栩栩如生的马牛,他在意的更多是你是否能在观察它们的过程中,体悟到万物和谐共生的道理。书中探讨了不同季节、不同光线下,牛羊的形态变化,这种对自然界细微差异的敏感捕捉,才是这本书最宝贵的财富。我甚至觉得,它更像是一本关于“观察哲学”的书籍,绘画只是它阐述理念的一个载体。读到最后,我合上书本,感觉自己看待窗外那棵老槐树的方式都变得不一样了,对那种生命的韧性和沉着,有了更深层次的敬意。这是一种长期的熏陶,而非短期的技巧灌输。

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这本书的装帧设计实在是太别致了,封面那种淡雅的米黄色,配上遒劲有力的黑色隶书标题,瞬间就抓住我的眼球。初翻开时,我还以为这是一本传统的国画技法集,毕竟“画马牛”这三个字带着浓厚的古典韵味。然而,内页的排版和内容组织却给我带来了不小的惊喜。它似乎不仅仅停留在教人如何一笔一划地勾勒轮廓,更多的是在探讨一种意境的营造和精神的传达。作者似乎非常注重“气韵生动”这个中国艺术的核心理念,文字里穿插着不少对古人作画心境的揣摩,读起来像是在听一位老先生娓娓道来他毕生对艺术的感悟,而不是冷冰冰的教程。特别是关于“神似”而非“形似”的论述部分,真是醍醐灌顶,让我开始反思自己过去过于拘泥于细节而忽略了整体生命力的绘画习惯。这种由表及里的引导,远比单纯模仿照片要来得深刻和有价值,感觉自己获得的不仅仅是绘画技巧,更是一种审视世界和表达自我的新视角。

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老实说,这本书的排版和插图风格,对于习惯了现代高清印刷的读者来说,可能会有些不适应。许多配图似乎是采用了老式的木刻或珂罗版印刷的扫描件,墨色浓淡变化不够细腻,边缘略显粗糙。但奇怪的是,这种“不完美”反而与书中强调的“拙朴”和“自然天成”的审美追求达到了奇妙的统一。它拒绝了工业化的完美,回归到手工制作的温度。在分析几幅古代名家的作品时,作者极其细致地指出了那些看似失误的笔触,是如何恰到好处地增强了画面的张力。这种对“瑕疵”的赞美,极大地解放了我对“标准”的执念。它让我明白,艺术创作的过程,充满了不确定性,而那些所谓的瑕疵,往往是生命力的体现。这本书对于技法细节的探讨是极其深入的,但绝不是机械的,而是始终围绕着如何赋予生命这一核心目标展开。

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