华夏五千年艺术不能不知道丛书-工巧集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津-天津杨柳青画社

作者:华梅

出品人:

页数:201页

译者:

出版时间:1993

价格:0

装帧:

isbn号码:9787805031873

丛书系列:

图书标签:

• 中华文化
• 传统工艺
• 艺术史
• 工巧
• 中国艺术
• 历史
• 文化
• 技艺
• 工艺美术
• 华夏文明

《华夏五千年艺术不能不知道丛书》系列其他分册简介 丛书总览： 《华夏五千年艺术不能不知道丛书》旨在为广大艺术爱好者、历史研究者以及普通读者提供一套系统、深入且通俗易懂的中国艺术通史读本。本丛书精选了中国艺术发展史上最具代表性、最具开创性的各个领域，通过严谨的学术考据与生动的叙事方式相结合，力求展现中华文明数千年艺术成就的辉煌面貌。本丛书打破传统断代史的局限，侧重于艺术思潮的演变、技术革新的里程碑以及不同艺术门类之间的相互影响与融合，带领读者领略中国艺术“形神兼备，气韵生动”的独特魅力。 以下是《工巧集》之外，本丛书其他核心分册的详细介绍： --- 分册一：《文明之源：史前至先秦艺术探索》 核心内容聚焦： 探讨中国艺术的萌芽与奠基阶段，从新石器时代的陶器、玉器到夏商周青铜文明的巅峰。 本卷是理解中国艺术精神的起点。我们深入分析了距今八千年的大地湾文化彩陶，其抽象的几何纹样如何预示了后世的装饰美学。重点剖析了良渚文化玉器的“神人兽面纹”所蕴含的早期宇宙观与权力象征。 青铜时代的震撼： 焦点集中于商周青铜器的铸造技术与纹饰演变。从狞厉神秘的饕餮纹，到昭示礼乐制度的重器，每一件鼎彝无声地诉说着王权的威严与宗法伦理的构建。本册详细阐述了失蜡法、范铸法等关键技术的应用，以及铭文（金文）如何成为一种独特的书法艺术形式的早期实践。 思想与造型的交织： 在先秦时期，诸子百家争鸣，他们的思想如何渗透到艺术造型之中？本册探讨了春秋战国时期玉器风格的世俗化与写实化趋势，以及漆器工艺在地域间的扩散与创新，为后世的文人士大夫审美奠定了初步的物质基础。 --- 分册二：《气韵生动：秦汉魏晋南北朝的艺术转型》 核心内容聚焦： 汉代大一统艺术的恢弘气势、佛教艺术的初传与融合，以及士人精神的觉醒。 汉代是中国艺术进入成熟期的关键阶段。本卷首先呈现了汉代画像砖、画像石中世俗生活与神仙信仰的奇特混合。重点分析了汉代建筑（如明器中的“多层楼阁”）所体现的宏大空间构想，以及陶俑群像所展现出的纪实精神。 书法与绘画的独立： 魏晋时期是艺术史上的一个重要转折点。本册详尽论述了“书为心画”理念的形成，从蔡邕到“二王”的书法体系的确立过程，解析了笔法、结构中蕴含的哲学思辨。在绘画领域，我们考察了顾恺之、陆探微等人对“传神写照”理论的构建，以及山水画最初作为独立画科的萌芽。 佛教艺术的冲击： 佛教自东汉传入，如何被本土文化吸收并改造？本册专题研究了云冈、龙门石窟的造像艺术，分析了犍陀罗艺术风格如何在中国化进程中逐渐演变为温和、内敛的“褒衣博带”式佛像，展现了艺术对异域文化的强大消化能力。 --- 分册三：《盛世气象：隋唐五代的多元与巅峰》 核心内容聚焦： 大唐气象下的艺术包容性、高度发达的工艺技术，以及佛教艺术的辉煌顶峰。 唐代是中国封建社会最开放的时代，其艺术风格以雄浑、饱满、华丽著称。本卷首先描绘了唐三彩的斑斓色彩与世俗场景，展现了宫廷与民间生活的活力。 壁画与雕塑的写实高峰： 重点分析了敦煌莫高窟中唐壁画所达到的艺术高度，特别是对人体结构、服装褶皱的精准把握。我们审视了唐代雕塑如何摆脱魏晋的清瘦感，转而追求健康丰腴的理想美，如乾陵的石刻群像。 工艺技术的集大成： 唐代陶瓷业的飞跃是本册的重要篇章。从南方的越窑青瓷到北方的邢窑白瓷，标志着中国陶瓷开始出现“南青北白”的成熟格局。同时，详细介绍了金银器、螺钿镶嵌工艺的繁复精巧，体现了盛唐对奢华美学的追求。 “衰唐”的审美转向： 探讨了晚唐五代时期，在社会动荡下，艺术审美如何开始向内收敛，为宋代的文人趣味的兴起埋下了伏笔。 --- 分册四：《格物致知：宋代的雅致与世俗的精微》 核心内容聚焦： 文人艺术的崛起、理性主义美学的构建，以及瓷器工艺的登峰造极。 宋代是中国艺术史中“精微”的代名词。本册深入剖析了宋代“格物致知”的哲学思潮如何影响艺术创作，追求一种克制、内敛的“理学之美”。 文人画的体系确立： 聚焦于米芾、苏轼等文人对“意境”的强调，以及董源、巨然等人对山水画“披麻皴”、“荷叶皴”等笔墨语言的规范化。这标志着绘画从服务于宗教和政治，转向表达个体情怀。 陶瓷的极致： 宋代是中国陶瓷史上的黄金时代。本卷对汝、官、哥、定、钧五大名窑的釉色、造型、烧造工艺进行了细致入微的对比分析。强调了宋人对“素雅”的偏好，以及如何通过釉面效果表达天人合一的境界（如雨过天青）。 市民艺术的繁荣： 关注到北宋《清明上河图》所展现的城市生活全景，以及定窑刻花、磁州窑的民间装饰艺术，体现了高度发达的市民阶层对艺术品的需求。 --- 分册五：《诗意栖居：元明清的融合与变革》 核心内容聚焦： 异族统治下的艺术抗争与融合，文人画的理论深化，以及明清手工艺的世俗化与繁复化。 元代艺术是在汉族士人南渡与文化抵抗的背景下发展起来的。本册详述了“元四家”（黄、王、倪、吴）如何借由山水画的笔墨语言，寄托遗民情怀，将“士气”提升到前所未有的高度。 明代的复古与创新： 明代早期，宫廷艺术恢复了端庄的风格，如景德镇官窑的青花瓷达到了新的高峰。然而，中晚期，以吴门画派为代表的文人艺术更加注重个人趣味和抒情性。本册也考察了晚明市民阶层对版画、小说插图等新兴艺术形式的青睐。 清代的集大成与僵化： 清代艺术呈现出两极分化的趋势：一方面，以“四王”为代表的传统山水画达到了摹古的顶峰，但也带来了僵化的风险；另一方面，以扬州画派、海派为代表的创新力量，开始引入更鲜活的笔触与色彩。 工艺的精雕细琢： 重点分析了清代象牙雕刻、竹刻、玉雕等工艺领域，其精细程度达到了古典工艺的极限，尤其体现在繁复的镂空和多层次的雕刻技法上。本卷也探讨了西洋透视法与油画技法如何被清宫画院吸收融合。 --- （注：本丛书的每一分册都独立成书，内容互为补充，共同构建了《华夏五千年艺术不能不知道》的全貌。）

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坦白讲，我之前对很多传统工艺的认识非常肤浅，总觉得那都是过去的事情了，跟现代生活格格不入。然而，阅读这本书的过程，简直是一次对“中国制造”精神的重新洗礼。它不是歌颂式的赞美，而是一种带着敬意的深入剖析。作者对于材料特性的理解，简直到了出神入化的地步，无论是竹材的韧性、金属的延展性，还是矿物颜料的稳定性，都被描绘得淋漓尽致。我记得有一章专门讲了古代钟表的机械原理，那种纯手工打造的齿轮和游丝，其精度和复杂程度，丝毫不逊色于现代精密仪器，这让我对古代工匠的数学和物理素养产生了由衷的敬佩。这本书没有回避那些工匠们在漫长岁月中付出的艰辛和失败，反而将这些挫折视为成就巅峰的必经之路。这种真实感，比那些粉饰太平的“国宝”故事要震撼得多。读罢此书，我再看任何一件精美的手工艺品时，都会下意识地去探寻它的“骨架”和“血液”，去感受那份凝固在其中的时间与汗水。这不仅仅是一本艺术鉴赏书，更是一本关于“匠人精神”的教科书。

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这本书的叙事节奏把握得非常到位，读起来一点也不累，甚至可以说有点上瘾。它不像传统的艺术史那样非得按照时间线索紧紧捆绑，而是更像一个策展人带着你自由漫步在历史长廊中。今天我们看看宋代的瓷器是怎么烧出那种如冰似玉的釉色的，明天我们就去探访明清家具榫卯结构的精妙之处。这种“主题式”的串联，让不同时代、不同地域的精巧技艺得到了有趣的对话。比如，作者巧妙地将古代的织锦工艺与现代的纳米技术进行了类比探讨，这种跨越时空的共鸣感，极大地拓宽了我的认知边界。更让我欣赏的是，它在介绍技术原理时，用词非常讲究，既保证了科学的准确性，又避免了晦涩难懂的术语堆砌，即便是对外行来说，也能大致理解个中奥妙。我甚至被激发了动手研究的冲动，想去了解一下古代漆器制作中那种复杂的髹涂步骤，那种耐心和坚持，是现代社会越来越稀缺的品质。这本书真正做到了“以小见大”，通过对“工巧”的聚焦，折射出了整个华夏文明的细腻与坚韧。它不是让你记住几个艺术家的名字，而是让你学会欣赏生活中的美学与智慧。

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这本书，讲真，拿到手的时候就被它的厚重感和精美装帧给震住了。我本来对“艺术史”这类书有点望而生畏，总觉得会是枯燥的年代、流派、理论堆砌。可这套书，特别是这一本，完全颠覆了我的印象。它不是那种高高在上的学术著作，更像是老朋友拉着你，带你走进一个光怪陆离的工艺美术殿堂。翻开扉页，那些关于古代匠人如何将一块璞玉雕琢成栩栩如生的作品，或者如何用最简单的材料组合出让人叹为观止的结构，娓娓道来，那种文字的画面感极强，仿佛我能闻到木屑的味道，听到凿子敲击石头的声音。我特别喜欢它对细节的捕捉，比如某件青铜器上的纹饰，它不仅仅告诉你“这是饕餮纹”，还会深入挖掘这个纹饰背后的文化含义和当时的审美偏好。读到后来，我意识到，所谓的“工艺美术”，绝非仅仅是“好看”那么简单，它承载着一个民族对世界、对自然的理解方式，是技术与哲学的完美结合。尤其是那些失传的技艺部分，作者用近乎考古报告的严谨，又夹杂着寻觅者的激动，将那些沉睡千年的巧思一一唤醒，那种知识的厚度和历史的重量，让人在阅读时不得不放慢脚步，细细品味。它让我意识到，我们日常生活中那些看似寻常的器物，背后都藏着一段波澜壮阔的工匠传奇。

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如果说有什么感受能概括这本书带给我的冲击，那便是“敬畏”。这种敬畏不是盲目的崇拜，而是对人类创造力和时间沉淀的深刻理解。它不是一本让你看完就能成为专家的书，但它绝对能帮你建立起一个坚实的美学和历史框架。在阅读过程中，我多次被提醒，我们现在所享受的很多便利和美，都建立在前辈们无数次的摸索、实践和传承之上。书中的某些章节探讨了古代知识和技术是如何在相对封闭的社会环境中得以保存和演进的，这种知识链条的中断与延续，让人深思。它让我意识到，艺术和工艺并非停滞不前的，而是一个动态的、充满生命力的过程。每一次的创新，都是建立在对前人成果的精通和超越之上。这本书的价值，就在于它成功地搭建起了一座通往古代工匠心灵的桥梁，让我们得以窥见他们在面对材料的限制、工具的原始性时，是如何迸发出超乎想象的智慧的。读完后，我不再仅仅是惊叹于“古人真厉害”，而是开始思考“他们是怎么做到的”，这种思维的转变，才是这本书带给我最宝贵的财富。

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这本书的排版和图注处理达到了一个极高的水准，可以说是将“工具书”的美感发挥到了极致。你翻开任何一页，都不会觉得拥挤或者信息过载。大量的线描图、剖面图和高分辨率的实物照片穿插其中，极大地弥补了纯文字描述的局限性。特别是一些关键工艺的步骤分解图，简直是化腐朽为神奇的教学范本。我最欣赏的是，图注的文字往往简洁有力，直指核心，没有多余的煽情，但信息量爆炸。例如，对比不同时期建筑构件的连接方式时，作者仅仅通过两张并置的示意图，就清晰地展现了结构力学上的演变和优化，这比阅读长篇大论的文字描述要直观得多。对于我这种偏好视觉学习的人来说，这本书简直是量身定制。它不是简单地罗列图片，而是让图片成为解释复杂的工艺流程的最佳“翻译官”。每一次翻阅，都会有新的细节被捕捉到，比如某件器物边缘的微小起翘，在放大图下揭示了当时火候控制的难度，这种对“失误”的记录，反而更显出历史的真实性。

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