Marpurg's Thoroughbass and Composition Handbook pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Pendragon Pr

作者:David A. Sheldon

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1989-10

价格:USD 83.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780918728555

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 巴洛克音乐
• 低音持续
• 作曲
• 和声
• 18世纪音乐
• 音乐史
• 音乐教育
• 玛普堡
• 音乐分析

《巴赫的秘密：对位法与赋格的精妙艺术》 书籍简介 探索巴洛克音乐的灵魂深处：一本深入解析对位法、赋格与即兴创作的权威指南 在这部详尽的著作中，作者带领读者穿越巴洛克音乐最为辉煌的时代，聚焦于其艺术形式的基石——对位法（Counterpoint）与赋格（Fugue）的精湛技艺。本书并非仅仅是一部技术手册，它是一次对西方音乐思维逻辑的深度探寻，旨在揭示 Johann Sebastian Bach 等大师如何运用严谨的规则与无限的想象力，构建出那些令人叹为观止的音乐结构。 第一部分：和声的根基——从纯粹对位到功能和声的演进 本书伊始，便从基础的对位原则入手，详细阐述了不同音符间如何在垂直和水平维度上实现和谐共存。我们摒弃了仅停留在教科书层面的僵硬规则，转而探讨对位法在历史语境下的发展脉络。 一、音程的感知与张力： 详细分析了完美音程、不协和音程（如二度、七度）的特性及其在不同声部进行中产生的情感张力。探讨了如何通过精确的解决（Resolution），将张力转化为满足感，这是巴洛克音乐情感表达的核心手段。 二、弗吉安诺（Fuxian）的遗训与其实用化： 虽然以 Johann Joseph Fux 的《和声精通》（Gradus ad Parnassum）为参照，但本书更侧重于分析如何将严格的五种对位法（Species Counterpoint）——从音对音到自由对位——融入到实际的作曲实践中。重点解析了“斜向进行”与“反向进行”如何为旋律线提供结构上的趣味性，避免单调的平行运动。 三、和声语汇的扩展： 深入讨论了巴赫时代的功能和声体系。解析了主导和弦（Dominant Function）的强大驱动力，以及副属和弦（Secondary Dominants）、导七和弦（Leading Tone Seventh Chords）在调性色彩变化中的关键作用。书中提供了大量实例，说明和声进行如何支撑对位线条的逻辑发展，而非仅仅是线条的背景。我们特别关注了半终止（Half Cadence）与变奏终止（Plagal Cadence）在构建乐段呼吸感上的差异。 第二部分：赋格的结构与精神 赋格，被誉为“音乐的逻辑谜题”，是巴洛克音乐的巅峰成就。本部分将赋格的创作过程拆解为可理解的、系统的步骤，同时强调其内在的艺术驱动力。 一、主题的构建与特质： 赋格的灵魂在于其主题（Subject）。本书细致分析了优秀赋格主题应具备的要素：清晰的轮廓、节奏的独特性、以及易于进行对位组合的“可塑性”。通过对《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）中不同调性主题的分析，展示了主题如何根据其自身的音高布局，预示了未来可能采取的入唱（Entry）与模进（Sequence）方式。 二、对题的诞生与运用： 深入探讨了对题（Countersubject）的创作哲学。一个成功的对题不仅要与主题和谐共存，还必须在节奏和音程上形成一种互补关系，以增强复调织体的密度与对比。我们将分析当对题在不同声部中出现时，其自身功能的变化。 三、发展的技巧：中段的逻辑展开： 赋格的中段（Middle Entry Section）是结构创新的核心区域。本书系统梳理了以下关键技术： 移位模进（Tonal Answer vs. Real Answer）： 辨析何时需要采用移位模进以保持调性稳定性，何时采用真实模进以增强色彩对比。 转调（Modulatory Sequence）： 分析如何通过连续的模进，将听众自然地引导至远关系调（如从 C 大调转向 G 小调或 D 小调）。 펼展（Stretto）： 这种主题相互紧密交织的技巧，是张力积累的顶点。书中提供了大量关于如何计算声部进入时值的精确指导，以及如何在有限的空间内创造出密不透风的对位效果。 四、尾声的处理与自由的回归： 探讨赋格结尾的处理方式，从坚实的科达（Coda）到引入平行六度和弦的悠长句法。特别分析了巴赫晚期作品中，赋格结构如何逐渐向自由的自由幻想曲（Fantasia）风格过渡，体现了结构严谨与情感自由的完美统一。 第三部分：即兴与演奏的实践 本书的最后部分将理论与实践紧密结合，探讨巴洛克音乐家在演奏和创作中对这些规则的灵活运用。 一、即兴的训练方法： 借鉴了十七世纪末期的教学实践，提供了从简单旋律基础上即兴添加对位声部的练习路径，重点在于培养听觉对“垂直关系”的即时判断力。 二、织体变化与配器考量： 讨论了不同乐器（如羽管键琴、管风琴、弦乐组）在处理对位线条时的物理限制与音色特点。如何通过选择合适的音域（Range）来确保重要声部的清晰度，是实现有效复调的关键。 三、风格的辨识： 通过对比意大利赋格（如维瓦尔第）与德意志赋格（如巴赫）在节奏驱动力和结构对称性上的差异，帮助读者建立起对巴洛克不同地区风格的敏锐洞察力。 结语 《巴赫的秘密》旨在成为所有严肃音乐学习者、作曲家和演奏家案头必备的参考书。它超越了对枯燥规则的机械模仿，引领读者领悟巴洛克音乐家如何在看似受限的框架内，释放出无尽的创造力与深刻的人文精神。阅读本书，即是与历史上最伟大的音乐思维进行一次深刻的对话。

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这本书在将理论与实际应用相结合方面，做得令人印象深刻。它没有停留在纯粹的抽象概念上，而是通过大量的、精心挑选的历史乐曲片段作为范例，清晰地展示了理论在不同作曲家手下是如何被灵活运用的。我特别喜欢作者在分析某个特定巴赫赋格片段时，是如何拆解其低音线条的进行方式，并立刻联系到其上方声部的布局策略。这种“理论—案例—再升华”的教学循环，使得学习过程充满了即时的满足感。它不仅仅是教你如何“写”，更是在教你如何“听”——如何通过阅读谱面，就能预听到那个时代音乐的呼吸与律动。这种能力，对于任何希望真正理解和演奏古典音乐的人来说，都是至关重要的，它把晦涩的规则变成了鲜活的音乐语言。

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这本书的叙事风格极其独特，它不像许多现代教材那样冰冷地罗列公式和规则，反而充满了历史的温度和理论家的思考深度。作者似乎将自己沉浸于巴洛克和古典时期的音乐语境之中，用一种近乎哲学思辨的方式来探讨“通奏低音”的本质与实践。阅读过程中，我常常需要停下来，反复咀咒那些措辞精妙的段落，它们不仅仅是解释技巧，更是在剖析那个时代作曲家如何进行思维构建和即兴创作。这种深层次的对话感，极大地拓宽了我对“基础训练”的理解，让我意识到严谨的规则背后，蕴含着巨大的自由度。它迫使读者跳出纯粹的“如何做”的层面，去追问“为何如此”，从而将枯燥的练习升华为一种艺术探究。这种对理论根源的追溯，是任何速成指南都无法给予的宝贵财富。

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这本书的排版和装帧简直是一场视觉的盛宴，让人忍不住想立刻翻开它。封面那种沉稳又不失典雅的字体选择，立刻就定下了一种古典而专业的基调。内页纸张的质感非常出色，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳，这对于研究这种需要反复查阅的专业书籍来说，简直是太贴心了。我特别欣赏作者在章节布局上的匠心独运，每一个理论概念的引入都循序渐进，仿佛有一位经验丰富的大师在旁边耐心引导。从基础的和声学原理到复杂的复调技巧，逻辑链条衔接得无比顺畅。这种对细节的关注，从字体大小到行间距的处理，都体现出出版方对音乐教育领域的尊重和专业度。初次拿到手时，那种厚重感带来的信任感是其他轻薄的教材所无法比拟的，它更像是一件值得珍藏的音乐文献，而不是转瞬即逝的工具书。

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坦率地说，初次接触这本书时，我感到了一丝震撼，随后便是迎面而来的挑战感。它的内容深度远超我预期的“入门”级别，更像是一份为严肃的音乐学者准备的深度指南。那些对声部进行精细化处理的章节，要求读者具备极其敏锐的听觉和扎实的对位基础。每一个示例和练习都设计得极其精巧，目的性极强，绝不容许任何含糊不清的处理。我花了比预期多出三倍的时间来消化其中关于色彩变化和织体密度控制的部分，每一次尝试都像是在攀登一座陡峭的山峰。但正是在这种高强度的脑力激荡中，我才真正体会到了严谨训练的价值，它像一个精密的放大镜，照亮了我先前所有自以为掌握的知识盲区。这是一本需要投入大量时间与心力才能真正驾驭的“硬核”之作。

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这本书的价值，我觉得很大程度上在于它提供了一种超越时空的音乐对话视角。作者的笔触非常老练，他巧妙地在古典规范的阐释中，嵌入了对现代音乐理解的某些反思，尽管主题是传统的，但其探讨问题的广度和深度却是极具现代意义的。我感觉它不仅仅是一本关于“如何写”的教科书，更像是一份关于“音乐思维建构”的蓝图。阅读完后，我发现自己看待其他音乐作品的视角都发生了微妙的转变——不再只是关注旋律的优美与否，而是开始审视支撑起整个结构的骨架和筋络。这种底层逻辑的重塑，是任何短期学习都无法达成的效果，它真正培养了一种深层的、结构化的音乐感知力，让人受益无穷，感觉像被植入了一个新的认知框架。

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