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出版者:

作者:张风尚,陈雄伟,魏少逵

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2008-5

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787539422039

丛书系列:

图书标签:

• 手绘-素描
• 手绘
• 学习用
• [专业类]
• 素描
• 静物
• 绘画
• 艺术
• 美术
• 技法
• 教程
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• 临摹
• 写实

《光影流转》 这是一本关于城市边缘生灵的史诗。故事聚焦于一群生活在繁华都市背后的拾荒者，他们如同被遗忘的影子，在钢筋水泥的丛林中，用搜寻废弃物的方式，丈量着生命的长度与厚度。 故事的主人公，一个年过半百、脸上刻满岁月痕迹的男人，名叫老陈。他曾是一位手艺精湛的木匠，却因一场意外，落得妻离子散、身无分文的境地。如今，他将捡拾来的旧家具、破碎的瓷器，赋予新的生命，在自己的陋室中搭建起一个充满奇思妙想的“微缩博物馆”。在这里，每一件物品都承载着一段被遗忘的时光，每一件残缺都诉说着一个未完的故事。 与老陈相伴的，还有一群同样在社会边缘挣扎的人物。有年轻却身患重病的女孩小雅，她用捡来的报纸和废弃的塑料袋，编织出色彩斑斓的梦想，渴望有一天能逃离这阴暗的角落；有沉默寡言、身怀绝技的老兵，他习惯于在黑夜中巡逻，守护着这片角落里的弱者，他的过去如同一团迷雾，没人知晓；还有一群流浪的孩子，他们像野草一样顽强地生长，用稚嫩的双手努力捕捉着生活中的每一丝温暖。 作者以细腻的笔触，描绘了这群被社会遗忘者的生活图景。他们没有耀眼的光环，没有响亮的名字，但他们用最原始的方式，坚持着对生的渴望，对爱的追寻。在冰冷的城市角落，他们的情感依然炽热，他们的尊严从未泯灭。 故事的叙事并非一帆风顺。随着城市的发展，这片他们赖以生存的土地面临着被拆迁的命运。他们的家园，他们的“博物馆”，他们的避难所，都将不复存在。老陈和他的伙伴们，不得不面对现实的残酷，开始了一场关于尊严与生存的抗争。他们用自己独特的方式，试图让更多的人看到他们的存在，听到他们的声音。 《光影流转》不仅是一部写实主义的小说，更是一曲关于人性光辉的赞歌。它探讨了贫困、歧视、遗忘等沉重话题，但字里行间却流淌着不灭的希望。作者没有简单地将人物塑造成悲情的符号，而是深入挖掘他们内心的丰富情感，展现了他们在绝境中展现出的坚韧、智慧与爱。 书中对于环境的描写也极具感染力。作者将阴暗潮湿的巷道、堆积如山的废弃物、破败不堪的居所，描绘得真实而 vivid，仿佛能让读者闻到尘土的气息，感受到冬夜的寒冷。然而，在这些看似荒凉的景象中，却又穿插着老陈用捡来的彩纸折成的纸鹤，小雅用彩色塑料袋编织的花朵，这些细微之处，却点亮了整个故事的色调，暗示着生命力顽强的生长。 故事的高潮，是一场充满戏剧性的事件。在拆迁的巨大压力下，这群边缘人物爆发出了惊人的力量。他们用自己的方式，对抗着强大的资本力量，也试图唤醒麻木的社会良知。这场抗争，有泪水，有汗水，也有温暖的互助，更有对公平正义的呐喊。 最终，这场抗争带来了怎样的结果，小说留下了引人深思的空间。但无论结局如何，这本书都深刻地提醒着我们，在这个光鲜亮丽的时代，还有许多不为人知的角落，还有许多默默付出、努力生活的人们。他们的存在，不应被忽视；他们的故事，不应被遗忘。 《光影流转》是一本值得你静下心来阅读的书，它会让你重新审视生活，重新认识那些被我们忽视的“影子”，并在这光影流转之间，找到属于自己内心的那束光。这是一部关于生命韧性、人性温情以及社会现实的深刻写照，它用朴实无华的语言，讲述了一个震撼人心的故事，让我们在感动之余，也开始思考，我们应该如何去拥抱那些被世界遗忘的角落，如何去看见那些在阴影中闪烁的光芒。

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我一直苦于找不到一本能够真正把“观察”这件事讲透彻的书。很多素描教程上来就是教你如何打形、排线，仿佛绘画只是一系列机械步骤的堆砌。然而，这本书的开篇部分，虽然我不能透露具体内容，但它确实构建了一个全新的观察视角。它没有急于展示复杂的技巧，而是引导读者去“看见”物体本身的光源属性和空间关系。我发现自己过去在画水果或者陶罐时，总是停留在“画出一个像”的层面，而这本书似乎在教我如何去“理解”这个物体是如何在光线下存在的。它探讨的更多是一种哲学的思辨融入到绘画实践中的方法论。这种潜移默化的引导，比那些生硬的口诀式教学要有效得多。读完第一部分，我重新拿起笔来尝试画一个简单的苹果时，明显感觉到自己对边缘线和环境光的处理开始有了更细腻的考量，不再是简单的轮廓描摹，而是开始注重边缘的虚实变化和它与背景的空气关系。这是一种从“术”到“道”的过渡，非常难得。

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这本《素描静物》的装帧设计着实让人眼前一亮，那种厚实的纸张触感和封面低调却又不失格调的烫金字体，立刻就给人一种“这是一本用心制作的书”的印象。我通常对艺术类书籍的外部包装比较挑剔，很多市面上的素描教程，要么封面设计得过于花哨，内容却空洞乏味；要么就是过于朴素，让人提不起翻阅的欲望。但这本书的平衡感把握得极好。内页的印刷质量更是无可挑剔，无论是黑白灰的层次过渡，还是细节部分的纹理表现，都清晰锐利，完全没有廉价印刷品常见的模糊和色偏问题。尤其是对不同材质，比如玻璃、金属、布料的单色表现力上，图例的清晰度直接决定了学习的效率，而这本无疑在这方面做到了极致。光是翻阅这些精美的范例，就已经是一种享受，它不像是一本冰冷的教材，更像是一本可以时常翻阅的艺术画册。我尤其欣赏其中几幅对复杂光影关系的捕捉，那种微妙的渐变处理，即便是作为资深爱好者，也忍不住要对着光仔细研究半天，思考画家是如何控制铅笔的力度和排线的方向来营造体积感的。这种对视觉细节的尊重，让人对即将展开的学习内容充满了期待。

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这本书给我最大的感受是其对“材质表现”的深入探讨，这往往是素描教学中最容易被流于表面的一环。许多教材只是简单地告诉你“金属要亮，木头要粗糙”，但这本书似乎揭示了背后的物理和视觉原理。它似乎在探讨，究竟是哪些特定的笔触组合、哪些微妙的灰度变化，决定了我们的大脑会将其识别为光滑的玻璃还是粗粝的石膏。我记得其中有一个案例，专门对比了两种不同质地的布料的素描处理，那种细致入微的对比，简直像是一场微观粒子级别的实验报告。通过学习这些案例，我不再仅仅依赖于“经验判断”，而是建立了一套基于观察和逻辑的“材质解析”体系。这种系统性的知识传授，使得我对未来面对任何新的静物组合时，都多了一份从容和自信，知道该从何处入手去破解其表面的视觉密码，而不是靠碰运气去描摹。

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作为一个有着多年绘画经验的业余爱好者，我通常对市面上宣传力度很大的“速成”类书籍持保留态度。但是，这本书在处理“细节刻画”和“整体把握”之间的平衡时，展现了一种老辣的经验。它没有陷入过度描绘细节而导致画面“脏乱”的陷阱。我发现它在某一阶段的示范中，非常强调“取舍”的重要性，即哪些细节值得花时间去精细描绘，哪些部分则需要用概括性的笔触带过，以服务于画面的整体气韵。这种对“留白”和“概括”的重视，恰恰是很多初学者，甚至一些中级学习者所缺乏的。这体现了作者对艺术本质的深刻理解，绘画不仅仅是复制现实，更是一种信息筛选和表达的过程。通过研读这些示范，我开始学着用更宏观的视角去审视自己的作品，避免陷入局部细节的泥潭，让画面在清晰度的同时保持了应有的松动和生命力。这对我提升作品的成熟度非常有启发性。

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这本书的编排结构体现了一种清晰的逻辑递进，它不像有些教材那样将所有知识点杂乱地堆砌在一起，让你不知道从何下手。它的章节划分非常合理，每一步都有明确的学习目标。比如说，它在处理形体结构的部分，不是简单地罗列几何体，而是将几何体作为理解更复杂形体（比如组合静物）的基础工具，这一点非常实用。我特别喜欢它在某一特定章节中对“体积感塑造”的讲解方式，它没有使用过于学究气的术语，而是通过一系列循序渐进的练习，让你切身体会到不同层次的明暗交界线和反光是如何共同作用，共同支撑起一个三维形态的。当我尝试按照书中的步骤去完成一个多面体的练习时，我惊喜地发现，原本我觉得很棘手的立体感问题，突然间变得清晰可控起来。这说明作者在知识的拆解和重组上花费了大量的心思，确保读者能够顺利地将理论知识转化为实际操作能力，而不是被复杂的理论吓退。

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