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出版者:江西美术出版社

作者:陈云

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2007-11

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787807492856

丛书系列:

图书标签:

• 手绘-素描
• 手绘
• [专业类]
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• 素描
• 绘画
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《色彩的魔力：从入门到精通》 本书旨在带领读者深入探索色彩的奥秘，掌握色彩的原理、运用与表现力，最终实现以色彩打动人心的艺术目标。我们相信，色彩不仅仅是视觉的感知，更是情感的传递，是思想的表达。 第一部分：色彩的基石——认识色彩的语言 光与色： 我们将从物理学的角度出发，探究光线如何与物质相互作用，从而产生我们所见的各种颜色。理解光谱、可见光以及不同光源对色彩的影响，为后续的学习打下坚实的基础。 色相、明度、饱和度： 这是色彩的三要素，也是构建色彩体系的核心。本书将详细解析这三个概念，并通过大量直观的图例和实际案例，帮助读者建立起对色彩丰富变化的直观认知。我们将学习如何区分不同的色相，理解同一色相在不同明度和饱和度下的变化，以及它们如何相互影响。 色轮的奥秘： 色轮是色彩关系最直观的呈现。我们将学习如何绘制和解读标准色轮，理解互补色、邻近色、分裂互补色等基本色彩搭配原理，以及它们在视觉上产生的效果。 色彩的心理学： 颜色不仅仅是物理现象，更承载着丰富的情感和文化含义。本书将深入探讨不同颜色在不同文化背景下的象征意义，以及它们对人类心理产生的微妙影响。例如，红色代表热情与危险，蓝色象征宁静与忧郁，绿色传递生命与和谐。了解这些心理学原理，将帮助我们在创作中更精准地运用色彩来表达情感。 第二部分：色彩的融合——构建和谐的色彩关系 色彩搭配的法则： 基于色彩的三要素和色轮原理，我们将系统学习各种经典的色彩搭配法则。从单色搭配、类比搭配到对比搭配，再到更为复杂的复色搭配，本书将提供清晰的指导和丰富的范例。我们将学习如何运用色彩比例、面积以及对比度来创造出引人入胜的视觉效果。 色彩的对比与和谐： 对比是色彩吸引力的重要来源，但过度的对比容易产生视觉疲劳。本书将探讨如何巧妙运用色彩的对比，例如明度对比、色相对比、饱和度对比，来增强画面的层次感和表现力，同时又保持整体的和谐与统一。 色彩的倾向与情绪： 不同的色彩组合会营造出不同的情绪氛围。我们将学习如何根据创作主题和想要表达的情感，选择合适的色彩倾向，例如暖色调的温暖与活力，冷色调的沉静与疏离。 色彩的意境营造： 色彩不仅能描绘客观景物，更能抒发主观情感，营造出独特的艺术意境。本书将引导读者思考如何通过色彩的冷暖、明暗、浓淡来表现季节、时间、天气以及人物的心情，从而赋予作品更深层的内涵。 第三部分：色彩的实践——从理论到创作 不同媒介的色彩表现： 颜料、水彩、油画、数码绘画……不同的绘画材料和媒介，对色彩的表现方式有着独特的要求。本书将针对不同媒介的特点，讲解如何在实践中有效地运用色彩，例如水彩的透明感、油画的厚重感、数码绘画的便捷性。 色彩的构图运用： 色彩与构图是相辅相成的。我们将学习如何利用色彩的分布、强调和引导来增强画面的视觉焦点，引导观众的视线，从而达到更好的构图效果。 色彩的肌理与质感： 色彩并非平面的堆砌，它也可以表现出物体的肌理和质感。本书将通过具体的技法演示，讲解如何运用色彩的明暗、笔触和叠加来模拟出丝绸的光滑、石头的粗糙、木头的纹理等。 色彩的修饰与调整： 在创作过程中，色彩的修饰与调整至关重要。我们将学习如何运用色彩的冷暖、明暗来统一画面色调，如何通过局部色彩的对比来突出主体，以及如何进行最终的色彩润饰，使作品更加完善。 案例分析与实践练习： 本书将包含大量不同风格和主题的艺术作品案例分析，详细解读作品中色彩的运用。同时，每章都配有循序渐进的实践练习，帮助读者将理论知识转化为实际的绘画技能。从简单的色彩练习到复杂的场景创作，让读者在实践中不断成长。 《色彩的魔力：从入门到精通》是一本集理论、实践、案例于一体的色彩教程，适合所有对色彩艺术感兴趣的学习者。无论您是初学者，还是希望提升色彩表现力的绘画爱好者，本书都将是您通往色彩世界的得力助手。让我们一起，用色彩点亮生活，用色彩讲述故事。

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读完这本书，我感觉自己好像完成了一次为期数周的沉浸式工作坊，而不是简单地翻阅一本教程。这本书最独特的地方在于它对“结构”的强调，它不是简单地告诉你“把这个圆画圆了”或者“这条线要直”，而是深入到物体形态背后的几何逻辑。作者非常擅长用最朴素的语言去解构复杂的形体，比如对透视原理的阐释，没有冗长复杂的数学公式，而是通过搭建一个虚拟的“空间盒子”，让你亲手去“感受”近大远小的变化。我尝试着按照书中的步骤去练习徒手画立方体和圆柱体，刚开始画出来歪歪扭扭，但随着对照书中的“找中轴线”和“定视平线”的步骤反复修正，那种“豁然开朗”的感觉非常美妙。这本书的语气非常平易近人，没有那种高高在上的“大师教诲”的架子，更像是一个经验丰富的伙伴在旁边轻声指点。它鼓励试错，甚至将初学者的“错误”视为学习的必经之路，这一点对我这个非常害怕画错的人来说，是极大的心理安慰。它让我明白，素描不是追求“完美”，而是一个不断“修正”和“理解”的过程。

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这本书在“意境营造”上的探讨，是许多技术导向型教程所缺失的宝贵财富。当技巧部分学习得差不多后，作者开始引导读者思考“如何让你的素描‘说话’”。她通过分析伦勃朗素描中那种戏剧性的光影处理，阐述了“主次关系”的建立不仅仅是明暗对比，更是一种情感的引导。有一章专门讨论了“留白的情绪价值”，教导我们如何通过有意识地放弃某些细节，来将观者的注意力聚焦于最想表达的核心主题上。这使得我的练习不再是机械地复制对象，而是开始融入个人对对象的理解和情感投射。比如在练习画一束简单的花卉时，我开始尝试只细致刻画花蕊的层次，而将花瓣边缘模糊处理，从而营造出一种略带忧郁和梦幻的氛围。这本书成功地将“技术训练”和“艺术表达”这两个看似分离的领域，通过严谨的逻辑和富有诗意的语言完美地编织在一起，真正实现了从“学会画”到“学会看与表达”的升华。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种微微泛着粗粝质感的纸张，摸上去就有种想立刻拿起笔蘸墨勾勒的冲动。内页的纸张选择也十分考究，米白色的哑光处理，即便是长时间对着练习，眼睛也不会感到疲劳。我尤其欣赏作者在排版上展现出的那种克制而又富有层次感的布局。每一页的留白都恰到好处，没有那种被密密麻麻的文字和图例填塞的压迫感。那些基础的线条练习，比如排线、渐变、圆形的绘制，都被拆分得极其细致，配图清晰到每一个笔触的方向和力度都能被轻易捕捉。我记得有一页专门讲解了如何观察光源和阴影的形成，作者没有用枯燥的理论去阐述，而是通过几组对比鲜明的黑白光影图，直观地展示了物体轮廓的“呼吸感”。对于一个刚刚接触绘画的新手来说，这种直观的学习方式远比那些晦涩的艺术史术语要受用得多。更别提书里收录的那些早期大师的作品局部放大图，那些细微的皴擦痕迹，简直就是最好的教科书，让我明白即便是最简单的素描，背后也蕴含着如此深厚的观察与控制力。这本书更像是一个耐心的引路人，它不急于让你画出惊世骇俗的作品，而是稳扎稳打地帮你建立起最坚实的地基。

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我必须赞扬这本书在“材料应用”部分所展现出的广度和深度。市面上的很多入门书籍往往只停留在HB铅笔和4B铅笔的简单切换上，但这本书却非常细致地探讨了不同硬度、不同品牌铅笔的“性格”。作者详细对比了炭精条、柳炭条和石墨铅笔在表现深色区域时的细微差别，比如炭精条那种不透明的、哑光的黑，和石墨铅笔那种带有微妙反光的“金属光泽黑”之间的对比效果。更令人惊喜的是，它还涉及了橡皮擦在素描中的“绘画”作用，不仅仅是擦除错误，更是用来“提亮”和“塑造高光”的工具。书中展示了如何用塑性橡皮去“揉搓”出柔和的过渡，以及如何用硬边橡皮刻画出锐利的边缘。这种对工具特性的精微把控，让我意识到素描远非简单的“涂黑涂白”，而是一场媒介与表达方式的深度对话。阅读这些内容时，我感觉自己更像是在学习一门精密的工程学，而不是随意的艺术创作。

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这本书的章节安排，体现出极高的逻辑性和渐进性。它并没有一开始就抛出人体结构或复杂静物，而是从最基础的点、线、面开始，像剥洋葱一样，层层递进。第一部分着重于“手眼协调”，里面有很多非常有趣的小练习，比如要求用左手盲画自己喜欢的一件物品，然后对比右手画的结果，这种带着一点游戏性质的训练，极大地调动了我的积极性。我特别喜欢其中关于“负形”的讲解，这绝对是我之前从未接触过的概念。作者通过描绘物体周围的“空气形状”，来反向确定主体轮廓的准确性，这个方法论的引入，彻底颠覆了我过去只盯着物体本身看的老旧思维。它教会我如何“看不见”地去观察，如何让大脑从“我知道那是一个杯子”的固有认知中解脱出来，回归到纯粹的视觉输入。这种思维模式的转变，比单纯的技巧提升更加宝贵，它从根本上重塑了我对视觉艺术的理解框架。

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