昆曲精装编教材300种-第四卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:百家出版社

作者:顾兆琳

出品人:

页数:322

译者:

出版时间:2007

价格:120.00元

装帧:平装

isbn号码:9787807036098

丛书系列:昆曲精编教材300种

图书标签:

• 诗词曲赋
• 昆曲
• 戏曲
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• 中国戏曲

好的，这是一份针对您提到的《昆曲精装编教材300种-第四卷》之外的其他图书的详细简介，旨在提供丰富的内容和深度，而不涉及您指定的那本书的具体信息。 --- 《中国戏曲通论：从源流到流派的深度探析》 本书导读： 这部厚重的学术专著，汇集了数十年来戏曲研究领域的最新成果与经典洞见，旨在为读者构建一个全面而立体的中国戏曲知识体系。它并非简单的历史罗列，而是深入挖掘了中国戏曲艺术的内在逻辑、社会功能及其美学特征，尤其侧重于对“叙事结构”、“表演语汇”和“地域变异”的系统性梳理。 第一部分：戏曲的起源与早期形态（魏晋至元代） 本部分首先追溯了中国戏曲的漫长历史源头，从上古的祭祀歌舞、百戏，到汉代的角抵戏，再到唐代的参军戏与歌舞大曲。重点阐述了宋代“瓦舍勾栏”的兴起如何为成熟戏曲的诞生提供了社会和物质基础。 核心内容聚焦于元杂剧的成熟。我们详尽分析了关汉卿、王实甫等“四大和尚”的创作特色，特别是元杂剧“一折一换”的板式结构、正末与正旦的表演范式，以及对“科扮”规范的奠定。书中通过对《窦娥冤》《西厢记》等经典剧目的文本细读，揭示了元杂剧在思想内容上对儒释道三家思想的交融与批判。 第二部分：明清传奇的繁盛与转型 明代传奇的出现标志着戏曲艺术进入了更精细化、更文学化的阶段。本书细致考察了以昆山腔和弋阳腔为代表的两大声腔系统的形成与竞争。 在昆山腔的演变过程中，我们着重分析了梁辰鱼、魏良辅等人如何通过对声律、吐字的严格规范，将昆曲提升至高度精致的文人艺术境界。这一节深入探讨了“水磨腔”的音乐特征，以及它对“唱做念打”中“唱”与“做”之间关系的影响，剖析了其如何追求“腔圆韵和，意境幽微”的美学目标。 与此同时，弋阳腔的蓬勃发展及其在民间的影响力也被充分展现。本书对比了昆曲的典雅与弋腔的质朴，探讨了两者在各自的观众群体和社会阶层中的接受度差异，以及它们对后世地方戏曲的滋养作用。 第三部分：地方戏曲的地域性与生命力（清代至民国） 清代中叶以后，随着社会结构的变动和商业经济的发展，地方戏曲迎来了大爆发。本章集中展示了中国戏曲“一花独放”的格局。 京剧的崛起与融合： 详细梳理了徽班进京的历史脉络，重点分析了京剧如何吸纳了昆曲的唱法、汉调的做功，最终形成以“皮黄”为核心的艺术体系。对“京剧声腔体制”的形成，特别是京胡、月琴等伴奏乐器的定型及其对演唱风格的影响，进行了深入的理论剖析。 其他重要剧种的专题研究： 包含了对川剧（如“变脸”绝技的起源与表演学）、粤剧（“粤语的运用与曲牌的在地化”）以及秦腔（“板式变化的粗犷与张力”）的专题研究。通过案例分析，揭示了不同地域的方言、生活习俗如何深刻地塑造了戏曲的程式与审美趣味。 第四部分：表演艺术的程式化与符号系统 本部分将视角从文本和声腔转向舞台实践，是对戏曲“表演学”的一次全面梳理。 行当的分类与心理建构： 探讨了生、旦、净、丑四大行当的固定化过程，分析了不同行当在化妆、服饰、身段上所承载的文化信息和符号意义。例如，对“做功”的解析，区分了程式化的“趟马”、“开门”、“上马”等动作的内在逻辑和外化效果。 虚拟空间的构建： 阐释了戏曲“无实物表演”的哲学基础，如“一桌二椅”如何通过演员的形体暗示，在舞台上创造出宏大的场景和复杂的时间流程。这部分结合了人类学和符号学的理论框架，试图解释这种高度抽象的舞台语言是如何被观众理解和接受的。 第五部分：当代戏曲的传承与创新困境 最后一部分关注近现代戏曲的命运。分析了戏曲在现代化冲击下面临的挑战，如如何处理传统程式与现代审美之间的张力、如何平衡“为人生存”与“为艺术而存活”的矛盾。书中不仅呈现了对传统剧目的保护性挖掘，也审视了新编历史剧、神话剧在美学探索上的得失，为未来戏曲艺术的健康发展提供了富有建设性的思考。 本书价值： 本书结构严谨，资料翔实，既是戏曲专业研究人员的案头必备工具书，也是对中国传统文化有浓厚兴趣的普通读者进入戏曲艺术殿堂的权威向导。它以宏大的视野，将戏曲视为一个复杂的文化系统进行解构与重构，深刻展现了这一“活的艺术”的独特魅力与不朽生命力。 --- 《宋代山水画的意境营造与“可游可居”的美学范式》 导言： 本书聚焦于中国艺术史中极为关键的“宋代”，特别是对宋代山水画艺术进行了一次突破性的深入考察。本书突破了传统上将宋画简单归类为“院体”或“文人画”的二元对立框架，而是从“观者经验”和“空间构建”的角度，阐释了宋代山水画如何从唐代的雄浑叙事转向内在的精神审视。 第一章：北宋山水画的“全景式”构图与空间焦虑 本章以范宽、李成、郭熙为核心个案，解析了北宋全景式山水的技术特点与哲学意蕴。 “高远”、“深远”、“平远”的理论建构： 深入剖析了郭熙在《林泉高致》中对“可游、可居、可望、可游”的理论阐述，将其置于宋代理学兴起的文化背景下进行考察。我们认为，这种对空间层次的精妙处理，不仅是技法上的进步，更是对宇宙本体论的视觉化表达。 “雨脚如麻”与“卷帘”技法： 详尽介绍了当时画家如何通过皴法（如“鬼脸皴”、“卷云皴”）来表现北方山脉的厚重肌理，并结合了当时北方气候的地理学特征，阐释了这些技术选择背后的自然观察深度。 范宽与“雄伟”的伦理： 重点分析了范宽的《溪山行旅图》，探讨其“仰视取势”的构图如何营造出一种令人敬畏的、不可侵犯的自然力量感，这种“雄伟”与宋代朝廷对边疆的关注存在微妙的文化呼应。 第二章：南宋“小景”的转向与“一角半边”的私密性 南宋偏安一隅的政治现实，导致山水画的审美趣味发生了显著变化。本书认为，这是一种从“天下关怀”到“个体自省”的艺术转向。 马夏的“边角构图”： 详细分析了马远和夏圭如何摒弃北宋的宏大叙事，转而采用极端的“一角半边”构图。这种留白处理，不仅是形式上的创新，更体现了在有限空间中追求精神自由的文人情怀。通过对空白区域的研究，我们揭示了宋代“计白当黑”理论在视觉实践中的巅峰状态。 “以少胜多”的写意倾向： 探讨了南宋院体画对水墨渲染技法的精进，特别是对“淡墨”和“飞白”的运用，如何塑造出烟雨迷蒙、空灵迷离的意境，使其更贴近宋人内心的隐逸情结。 第三章：文人画的勃兴与“不求形似”的诗意表达 本书的第三部分将焦点转向了苏轼、米芾等文人阶层，探讨他们如何将山水画从“匠人技艺”提升到“士人修养”的层面。 “胸中有丘壑”的实践： 引用大量文人书信和笔记，论证了文人画家如何将绘画视为“书画同源”的延伸，注重笔墨的自然流露和个人性情的投射。米芾的“之字皴”和“墨戏”被视为是对传统程式化描绘的有力反叛。 “可游可居”的内化： 与北宋的宏大“可游”不同，文人画的“可居”更多指向精神上的栖息之地。本章分析了赵孟頫等元代早期画家如何继承和发展了宋代文人画的笔墨趣味，并将其推向了更具个人化的精神疆域。 第四章：技术革新与材料的叙事 本章从物质文化史的角度，考察了宋代绘画材料对美学风格的影响。 绢与纸的特性： 比较了绢本和纸本在吸墨性、层次感上的差异，以及它们如何适应院体画的工整细致或文人画的洒脱奔放。 “界画”的科学性： 探讨了李诫《营造法式》对界画（建筑、器物描绘）的规范，以及这种对精确度要求的提高，如何反衬出纯水墨山水对“意”的极致追求，二者共同构成了宋代视觉艺术的完整光谱。 结语：宋画作为中国美学的原点 本书最终总结，宋代山水画不仅确立了中国绘画的审美典范，更提供了一种处理人与自然、个体与宇宙关系的核心范式。其对空间、光影、以及“未尽之意”的强调，对后世的明清绘画乃至东亚其他艺术形式，产生了持久而深远的影响。本书旨在为读者提供一个多维度的分析工具，去重新欣赏和理解宋画中蕴含的东方哲思。

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尽管我一直对传统戏曲抱持着浓厚的兴趣，但系统性地学习昆曲似乎总有些高不可攀的感觉，直到我接触到这套丛书的第四卷。它的内容编排逻辑性极强，像一位循序渐进的老师，将原本看似繁复的知识点拆解得井井有条。我发现它没有急于灌输那些晦涩的理论，而是巧妙地从最基础的声腔韵味入手，通过大量的范例和对比分析，让初学者也能逐步抓住“水磨调”的神韵。尤其值得称赞的是，编者似乎深谙学者的心理，在关键的难点处总能提供独到的见解和详尽的注释，有效地避免了自学过程中的迷茫。这种由浅入深，层层递进的编排方式，让原本枯燥的理论学习变得生动起来，极大地激发了我持续探索下去的动力，感觉自己正在稳步地踏入昆曲艺术的殿堂。

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与其他我阅读过的戏曲教材相比，这第四卷最让我感到惊喜的是它对“实践性”与“理论性”之间平衡的把握。很多教材要么过于偏重理论的空泛阐述，要么就是一味地罗列唱词，脱离实际。然而，这本书非常聪明地融入了大量舞台实践中的关键环节，比如身段的要领解析，手眼身法的配合示范，甚至对特定场次的情绪推演都有详尽的描述。对于那些希望从台下走向台上的学习者而言，这种“手把手”的教学模式是极其宝贵的。它不是冷冰冰的知识堆砌，而是充满了舞台的呼吸感和生命力，仿佛能透过纸面感受到演员在台上的微妙动作和情绪流动，极大地弥补了教材无法现场观摩的遗憾。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的质感，封面选用的材质和色彩搭配，透露着一种古典而又精致的气息，很符合昆曲这种传统艺术的格调。内页的纸张选择也相当考究，文字和图片的印刷清晰度极高，无论是欣赏那些精美的剧照还是研读复杂的唱词谱式，都能得到非常愉悦的视觉体验。我尤其欣赏它在细节上的处理，比如书脊的烫金工艺，在光线下熠熠生辉，彰显了“精装”二本字的价值。这不仅仅是一本教材，更像是一件值得珍藏的艺术品。初次翻阅时，那种对知识的敬畏感和对艺术的向往感油然而生，让人迫不及待想要深入探索其内部的宝藏。这种高水准的制作，无疑为学习和研究昆曲提供了一个非常美好的物质载体，极大地提升了阅读体验的层次。

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翻阅这本书的时候，我产生了一种强烈的时代对话感。编者显然在尊重传统的基础上，大胆地引入了现代的教学理念和跨学科的研究视角。我发现教材中对昆曲在当代语境下的传播与创新也有所涉及，探讨了如何将这种古老的艺术形式与现代审美需求进行对接，这让整本书显得既有历史的厚重感，又不失面向未来的活力。书中使用的图示清晰明了，尤其是对复杂动作的分解图，结合现代摄影技术，极大地提高了学习效率。这种既承古又开今的姿态，让这部教材不仅仅服务于对传统有兴趣的人，更能吸引那些关注文化传承与创新的年轻一代，它成功地搭建起了一座连接过去辉煌与未来发展的桥梁。

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作为一个长期关注戏曲研究的爱好者，我不得不说，这本教材在学术深度上展现出了惊人的广度与精度。它绝非简单的剧本汇编或者入门指南，而是深入到了昆曲本体论的层面，对不同流派的表演特点、不同时期声腔风格的演变，都有独到且扎实的考证。我注意到其中对于某些经典剧目中极少被提及的“板式变化”和“角色行当的细微差异”进行了细致的剖析，这对于有一定基础的研究者来说，简直是如获至宝。引用和参考的史料丰富且权威，体现了编者深厚的学养和严谨的治学态度。阅读过程中，我时常需要停下来，反复比对其中的图表和文字说明，每一次细读，都能带来新的理解和豁然开朗的感觉，这无疑是一部能够经受住时间考验的学术力作。

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