具体描述
《Vogue》主要是一本时尚杂志，但它从来就不仅仅是一本时尚杂志。它贯穿了时尚与品位、艺术与社会的发展，在文化舞台上扮演着重要角色。本书是为纪念英国版《Vogue》百年华诞并配合相应的大型展览而出版的，它以其权威性和高雅的品位审视了20世纪以来的历史。
在近2000期中，英国版《Vogue》将时尚置于一个更广的语境之中，成为文化的晴雨表——我们如何穿衣、如何娱乐，我们吃什么、听什么、看什么，谁引领我们、激励我们、启发我们。这一百年中最具才华的摄影师都为《Vogue》工作过，其中包括李·米勒、诺曼·帕金森、塞西尔·比顿、欧文·佩恩、大卫·贝利、斯诺登伯爵、尼克·奈特和马里奥·特斯蒂诺等。
1916年，由于第一次世界大战阻隔了美国版《Vogue》跨越大西洋运到英国，其拥有者康泰-纳仕决定授权英国出版《Vogue》。英国版《Vogue》一炮而红，它在接下来的一百年中从未间断出版，并成为各个时代的一面镜子——两次世界大战结束之后的艰难困苦与乐观气氛、摇摆伦敦的60年代、狂飙突进的70年代、注重影像的80年代——而进入新世纪后，它仍然处于摄影与设计的最前沿。
以十年为周期，罗宾·缪尔著的《风尚一世纪》回顾了时尚、美容与人像摄影中最重要的瞬间。书中既有广为人知的摄影作品，也有一些虽然不那么知名却极为精彩的照片，它们展现了塑造文化景观的那些面孔：从亨利·马蒂斯到弗朗西斯·培根，从卢西恩·弗洛伊德到达米恩·赫斯特，从玛琳·黛德丽到格温妮丝·帕特洛，从弗雷德·阿斯泰尔到大卫·贝克汉姆，从伊丽莎白女王到戴安娜王妃。此外，书中还有那些深刻影响了百年时尚的设计大师如迪奥、加利亚诺、圣洛朗、麦昆、韦斯特伍德等。由此，我们将看到20世纪女性审美与品位的变迁。
作者简介
作者:(英)罗宾·缪尔 译者:朵朵
罗宾·缪尔(Robin Muir)是英国版《Vogue》杂志的特约编辑，也是一位顶尖的摄影学者。他在英国国家肖像艺廊、维多利亚与阿尔伯特博物馆、伦敦博物馆和美国耶鲁英国艺术中心策划过大型展览。他的著作包括《影响之下：约翰·迪金、摄影和索霍区的诱惑》(2014年)、《Vogue模特》(2013年)、《Vogue封面》(2009年)、《镜头下：斯诺登伯爵和英国艺术世界》(2007年)、《世界上被拍摄最多的人》(2005年)、《诺曼·帕金森：时尚人像》(2004年)、《Vogue中的人物》(2003年)、《看不见的Vogue》(2002年)和《大卫·贝利：追逐彩虹》(2001年)。
目录信息
序二
赞助者序
“昨日、今日与明日”
人们如何生活 1916—1929
绚丽的暮光 1930—1939
维护和平的艺术 1940—1949
梦想的微光 1950—1959
摇摆伦敦与时代脉搏 1960—1969
压力降低 1970—1979
生活的速度 1830—1989
破碎的魅力 1990—1999
黑暗降临 2000—2009
此刻我们身在何处？ 2010—2016
致谢
图片版权
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读后感
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用户评价
坦白说，这本书的体量之大，内容之密集，足以让任何一个初涉此领域的读者望而却步。然而，它的结构设计却出乎意料地友好。它在每一部分开头设置的“时代导览”，就像是为读者准备的精良地图，提前勾勒出本章节的重点与难点，使得庞杂的信息得以被有效梳理和消化。我发现自己并不需要一口气读完，而是可以根据兴趣点随机抽取章节进行深度阅读。比如，我可能会花上一个下午专门研究“二十年代的女性解放”是如何通过剪裁和长度的变化来表达政治态度的。这种模块化的设计，极大地提高了阅读的效率和乐趣。不同于一些仅关注巴黎或米兰的权威著作，这本书的视野明显更为广阔，它似乎有意平衡了东西方在时尚发展史上的贡献，虽然这种平衡本身就是一个极具争议的话题，但能看到这种尝试，已经令人欣喜。它鼓励了一种批判性的阅读，而不是盲目的崇拜。
评分这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种浓郁的复古气息与现代极简主义的碰撞，初看之下就让人心生敬意。装帧的质感极其考究，拿在手里沉甸甸的，仿佛握住了一段被时间精心打磨过的历史。我特别喜欢它对字体排版的处理，那些衬线体和无衬线体的巧妙搭配，不仅体现了专业性，更营造出一种专属的“时尚语境”。内页的用纸选择也颇为用心，那种微微泛黄的米白色调，让那些跨越时代的黑白照片呈现出一种独特的油润感，而不是刺眼的数码白。说实话，我买它并非完全冲着内容去的，很大一部分是被这种对“物”本身的尊重所吸引。现在的出版物，很多都显得过于轻薄和仓促，但拿到手捧着它，能明显感受到制作者对“一本值得收藏的书”的执念。它不仅仅是信息的载体，更像是一件精美的艺术品，即便只是摆在书架上，也足以提升整个空间的格调。光是翻阅那些跨页的大图，那种对光影和构图的极致捕捉，就已经值回票价了。这是一种对传统印刷工艺的致敬，也是对“慢阅读”时代的一次深情回望。
评分这本书带给我的最大触动，在于它清晰地揭示了“周期性”的迷思。在翻阅那些被誉为“永恒经典”的造型时，你会发现，即便是最前卫的设计，也带有它特定时代背景的烙印。它不是在宣扬一种不可复制的完美，而是在展示一种持续的、富有张力的“对话”。那些所谓的“复古回潮”，放在这本书的参照系下看，就变得不再是简单的模仿，而更像是一种对历史资源库的重新激活与再语境化。我尤其欣赏作者在论述中穿插的那些设计师访谈片段，即使是只言片语，也充满了那个时代特有的傲慢与才华，它们为冰冷的史实增添了人性的温度。总而言之，这不是一本用来炫耀自己品味的工具书，而是一部需要投入时间去咀嚼、去思考的严肃读物。它让你明白，风尚的演变，本质上是人类社会结构、经济基础与个体精神状态共同作用的结果，它的深度远远超出了衣橱的范畴。
评分我一直对时尚史上的那些关键转折点抱有强烈的求知欲，特别是那些定义了“现代性”的瞬间。这本书的编排逻辑，在我看来，是极其巧妙的，它没有采用那种流水账式的线性叙述，而是更偏向于用一个个极具代表性的“事件节点”来串联起整个世纪的脉络。我注意到，它对某些被主流叙事忽略掉的区域性风格的关注，提供了非常耳目一新的视角。比如，它对战后欧洲某些小众沙龙的描述，那种细节的捕捉，让我感觉自己仿佛真的置身于那个充满香水和呢绒气味的密闭空间里。作者在叙事时展现出一种冷静而又带着敬意的距离感，不滥用煽情的辞藻，而是用精准的时代背景烘托出人物和作品的份量。这种叙事手法非常高级，它迫使读者必须主动去解读那些留白之处的深意，而不是被动接受既定的结论。读完某几个章节后，我常常需要停下来，去搜索引擎上查找那些被提及但未被详述的设计师或缪斯，这种主动探索的过程，极大地丰富了我的知识网络。
评分如果要用一个词来形容阅读这本书时的整体感受，我会选择“沉浸”。这里的“沉浸”并非指故事情节的抓人，而是指它构建的那个宏大而又微观的时尚生态圈的强大构建力。那些配图的质量，尤其是早期的那些手绘草图和摄影作品，简直是教科书级别的范本。我对比了手头一些其他同类书籍，发现这本书在图像的清晰度和色彩还原度上，有着明显的优势，这对于研究那个时代的面料纹理和色彩趋势至关重要。更令人称道的是，它在配文里对“技术革新”与“时尚演变”之间关系的探讨。比如，拉链的普及、合成纤维的出现，这些看似技术层面的变化是如何在短短几年内颠覆了人们的穿着习惯和审美标准，书中对此的分析相当精辟。它成功地将服装从单纯的“美学对象”提升到了“社会学样本”的层面进行考察，让我对时尚的理解不再停留在表面光鲜的T台秀，而是深入到了工业化和大众消费的肌理之中。
评分文字描述和总结非常重要。就是中文译者太不细心了！伊丽莎白女王的妈妈无论如何都不是女王，而是王后或是王太后，取决于拍照时谁在位；西蒙沙玛投身于冰淇淋事业，是什么鬼？纳塔利沃佳诺娃也不是德国人，而是俄罗斯人。这书在正文之后应该加一个中英文人名对照表，有时候翻译成的中文，让人对不上原名。
评分展览图册。VOGUE UK也是贡献了不少经典Editorial大片的窝瓜版本。有些地方的翻译很不仔细。Elizabeth Bowes-Lyon是伊丽莎白二世的母亲，不是“女王”；Natalia Vodianova什么时候成德国人了？
评分只是英国版的vogue100年，缺少详致的介绍和图文对照
评分“2004年，历史学家西蒙沙玛放弃了学术追求，投身于冰淇淋行业。”
评分期望太高导致有点失望 翻译力不从心 00-10年真的是黄金时期
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