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出版者:文物出版社

作者:宋良璧 主编

出品人:

页数:203

译者:

出版时间:1992-6

价格:80.00元

装帧:平装

isbn号码:9785010065713

丛书系列:

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中国古代瓷器艺术通鉴 卷一：源流溯古——从新石器时代陶器到汉代原始瓷的演变 本书旨在全面而深入地梳理中国陶瓷发展史的脉络，聚焦于技术、审美与文化内涵的交织与嬗变。本卷将从中国史前文明的摇篮——新石器时代陶器入手，详述仰韶文化、马家窑文化、龙山文化等早期制陶技术的地域性差异与装饰风格的初步形成。陶土的选择、烧成温度的控制，以及几何纹饰、动物纹饰的符号意义，构成了中国造型艺术的早期密码。 进入青铜时代，制陶工艺并未停滞，而是为后来的瓷器发展奠定了基础。重点分析商周时期的印纹陶，探究其与同期青铜礼器纹饰的呼应关系，揭示早期“礼器化”的趋势。 秦汉时期是中国陶瓷史上的一个关键转折点。本卷将详尽介绍“原始瓷”的出现与发展。原始瓷的釉料成分、半玻化胎体，标志着从陶向瓷过渡的里程碑意义。汉代的黑陶、印纹陶的精湛工艺，尤其是用于明器的陶俑和五联陶罐，展现了汉代社会生活和丧葬观念的侧面。对越窑系原始青瓷的早期窑址进行考古学梳理，是理解后世成熟青瓷体系形成的前提。 卷二：青瓷的辉煌——魏晋南北朝至唐代的成熟与审美转型 本卷聚焦于青瓷技术的突破与艺术风格的定型。魏晋南北朝时期，社会动荡促进了地方性制瓷中心的发展。江南地区的越窑青瓷，在胎釉配方上取得了重大进步，釉色中开始出现温润如玉的质感，摆脱了原始瓷的粗犷，进入了艺术化阶段。同时，北方地区的制瓷业也逐渐兴起，为后来的三彩和北方青瓷体系埋下了伏笔。 唐代是世界陶瓷艺术的鼎盛期之一，其核心在于青瓷的成熟以及彩绘陶瓷的勃发。 唐代青瓷的巅峰： 越窑、婺州窑、鼎州窑等地的青瓷，釉色愈发纯净，出现了“千峰翠色”的美誉。分析唐代青瓷的造型如何受到金银器和玉器的影响，以及其对外销贸易（尤其是通过海上丝绸之路）的重要地位。 低温彩绘的异军突起： 重点剖析长沙窑的创新。作为“外向型”瓷窑，长沙窑的釉下铜红和釉上褐彩，是唐代陶瓷装饰上的一大飞跃。对长沙窑诗文题铭的详细解读，揭示了唐代世俗生活与瓷器装饰的结合。 唐三彩的盛世气象： 洛阳巩县窑是唐三彩的主产区。三彩的铅釉技术、色彩搭配（黄、绿、白为主色调）及其在唐代社会（包括宫廷、贵族阶层）中的使用场景（如马俑、骆驼俑、器皿），构成了唐代雄浑、开放的时代风貌的物质载体。 卷三：五彩斑斓——宋元时期定窑、汝窑与磁州窑的多元竞争 宋代是中国陶瓷艺术的“黄金时代”，其特点是文人审美品味的介入、窑口的高度专业化以及审美标准的内敛与精致化。 五大名窑的精微研究： 本卷将单独列章，深入剖析汝窑、官窑、哥窑、定窑、钧窑的独特性。 汝窑与官窑： 探讨其“雨过天青”的釉色成因，胎体与釉层的紧密结合，以及其作为宫廷用瓷的极简审美取向。对“开片”（冰裂纹、蟹爪纹）的形成机理和审美价值进行技术性分析。 定窑的印花与覆烧法： 定窑白瓷以其“泪痕”和精美的印花技术著称。详细对比覆烧法对器物口沿无釉现象（“ অপ্র霁”）的影响，及其与同期北方黑釉、绿釉瓷器的并存现象。 钧窑的窑变艺术： 钧瓷的蓝釉、紫斑是偶然性与技术控制的完美结合，是宋代审美对“天道”的追求在物化上的体现。 民间窑场的活力： 磁州窑体系（河北、山西一带）是宋代民间消费的主力。本卷将详细考察磁州窑的化妆土技术、绘画装饰风格（如婴戏图、花鸟图），以及其粗犷、写意的艺术特征，展现宋代世俗生活的另一面。 元代青花的异军突起： 元代是瓷器史上一次革命性的跨越。重点分析高岭土在景德镇的成功应用，使得胎质更为坚硬、白皙。在元代中后期，中东伊斯兰文化对中国制瓷业产生了深刻影响，直接催生了成熟的青花工艺。对元青花（如“至正型”）的钴料来源、纹饰的繁复构图和对异域审美的吸纳进行详细的断代研究。 卷四：巅峰对决——明清景德镇的垄断与彩瓷的极致演变 明清两代，景德镇成为全国唯一的官窑中心，陶瓷生产达到了技术、规模和艺术表现力的顶峰。 明代彩瓷的体系确立： 永乐、宣德青花： 探讨“苏麻离青”的运用特点，以及当时官窑对纹饰的规范化要求。 永乐、宣德釉里红： 成功烧制的釉里红是重要的技术突破。 成化斗彩的精微： 成化斗彩被誉为“明代彩瓷之冠”。分析其“三笔”画法、线条的细如游丝，以及对色彩的精准控制，体现了明代文人对“雅”的追求。 嘉万时期的彩瓷创新： 重点分析嘉靖、万历时期五彩的浓艳风格，特别是其大胆的填彩技法与图案的饱和度，以及青花与五彩并用的复杂工艺。 清代彩瓷的集大成： 康熙、雍正、乾隆三朝是清代制瓷的高峰期，以景德镇御窑的工艺水平为代表。 康熙朝的复兴： 强调郎窑红、仿哥釉的成功恢复，以及其青花“康熙朝青花”的层次感（“五彩青花”）。 雍正朝的精益求精： 雍正官窑的特点是造型的典雅和釉色的多样化。深入研究粉彩（或称“洋彩”）的成熟，其色彩柔和、层次丰富，是吸收西方绘画技法的结果。 乾隆朝的繁复奢华： 乾隆时期，集历代名窑之大成，追求“集大成”的艺术倾向。重点分析“粉彩通景山水”、“转心瓶”、“开窗加彩”等极其复杂的创新器物，解析其工艺难度与皇家对极致奢华的偏好。 晚清的衰落与仿古之风： 论述晚清时期，随着社会动荡和西方工业革命的冲击，景德镇制瓷业的衰退，以及大量仿制前朝名作的现象，并对晚清民窑的外销瓷特点进行简要概述。 结语：器物中的中国精神 全书的最终目的，是超越对器型、纹饰的简单罗列，深入探讨陶瓷艺术如何成为中国古代社会结构、思想观念、审美变迁以及技术革新的一个综合性载体。从早期的实用性到宋代的哲学内省，再到明清的工艺炫耀，陶瓷的发展轨迹，是一部无声的中国艺术史。

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这本书的装帧质量和印刷工艺，绝对是顶级水准，这对于一个专注于视觉体验的藏品图录来说，至关重要。我对比了一下家里其他几本同类主题的画册，这本书的纸张厚度、韧性，以及墨水的附着力都有明显的优势。尤其是那些釉色变化微妙的彩釉瓷器，比如康熙五彩或者清三代的粉彩，颜色的层次感把握得极其到位。很多时候，不同光线下看，同一样的瓷器会呈现出截然不同的风貌，而这本画册似乎捕捉到了最佳的呈现状态——那种釉面下流动着的、幽微的光泽感，被还原得非常真实，几乎没有出现色差的“翻车”情况。而且，书本的开本设计得很适宜，既能保证大图的展示效果，又方便携带和翻阅，不像有些大部头图录，摊开后就很难固定，阅读体验大打折扣。

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说实话，我很少对艺术类书籍的“学术性”有太高的要求，大多是冲着漂亮的图片去的，但这本书在这一点上做得非常平衡。它的文字描述部分，说实话，一开始我有点担心会过于艰涩难懂，毕竟是“选”本，背后必然有深厚的专业支撑。没想到，那些器物的断代、胎釉的特点、纹饰的寓意，都被阐述得极其清晰且富有画面感。举个例子，书中对某件宋代定窑白瓷的介绍，没有堆砌那些拗口的化学分析数据，而是侧重于描述其“泪痕”般的美感和“类雪似玉”的触感，一下子就把我的想象力拉到了宋人的审美情趣中去。这种将高深的专业知识，用一种近乎散文诗的方式优雅地表达出来，确实是高水平的体现。对于我这种业余爱好者来说，它既是打开知识大门的钥匙，又是一本可以随时拿出来陶冶情操的“美学读本”。

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这本书的视角非常独特，它不仅仅是简单地展示“谁家烧的什么”，更像是在讲述一个关于“时间与技艺”的宏大叙事。我尤其喜欢其中几组对比强烈的器物陈列方式。比如，将不同朝代、但功能相近的瓶、罐放在一起比较，那种从元代雄浑大气到明代规整繁缛，再到清代精巧繁复的演变脉络，一下子就清晰地浮现出来。这让我对陶瓷工艺的迭代有了更立体的认识，明白技术革新是如何影响审美趣味的。这种带有策展人思路的编排，远比那种枯燥的文物清单要引人入胜得多。它强迫你停下来思考：为什么在那个特定的历史节点，匠人们会选择那样的造型、那样的釉色？这已经超越了单纯的文物记录，更像是一部可供品读的工艺史微型小说。

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作为一本精选集，这本书最大的优点也许恰恰在于它的“精”——每一件被收录的作品，都堪称精品中的精品，而且似乎每一件都背负着一段不为人知的故事。我个人对于那些带有“官窑”背景的器物关注较多，书中对几件带有年款的器物进行了极为细致的考证，那种对于款识书写笔法的分析，以及与同期民间器物风格的对比，让我这个外行人也能感受到其中隐藏的政治和等级的意味。这种深挖内涵的做法，让原本冰冷的瓷器仿佛有了温度和生命。它提供的不仅仅是“看”，更是“读”的过程，读懂了器物表面的纹饰，也读懂了背后承载的文化重量。总的来说，这是一次非常充实且令人愉悦的视觉与知识的盛宴，绝对是值得反复品味的收藏佳作。

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这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种沉稳又不失典雅的墨绿色调，配上烫金的字体，拿在手里就有一种庄重感。我本来是抱着随便翻翻的心态购入的，毕竟市面上关于“陶瓷”的书籍多如牛毛，很难不让人产生审美疲劳。然而，当我翻开内页，看到那些高清放大的器物细节图时，我才意识到这本书的价值远超我的预期。光是那些青花瓷上的纹饰，每一个花瓣、每一片云纹，都像是被赋予了生命力，纤毫毕现。特别是那几件造型极其复杂的出戟櫫，原本在博物馆隔着玻璃看总觉得有些失真，但在这里，光影的捕捉和器型线条的精准描绘，让我仿佛能触摸到那历经岁月洗礼的釉面，感受到工匠指尖的温度。编排上似乎也花了不少心思，没有简单粗暴地按年代罗列，而是尝试用主题串联，比如“水月清华”、“文人清玩”这样的章节划分，让观赏的过程变成了一场有趣的知识探索。

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