海顿D大调第一0四交响曲Hob.I pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南文艺

作者:哈里·纽斯顿

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008-2

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787540439958

丛书系列:奥伊伦堡总谱+CD

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海顿D大调第一〇四交响曲（Hob.I:104）：“伦敦”——一首辉煌的告别与深刻的告白 弗朗茨·约瑟夫·海顿，这位被誉为“交响乐之父”的伟大作曲家，在其漫长而辉煌的创作生涯中，留下了数量惊人的杰作，其中，D大调第一〇四交响曲，又被亲切地冠以“伦敦”之名，无疑是他晚期创作的巅峰之作，也是他最后一部交响曲的璀璨明珠。这部作品诞生于1795年，是海顿第二次伦敦之行的产物，当时他已年近七旬，却依然精神矍铄，思如泉涌。这部交响曲不仅是他与当时最令人兴奋的音乐中心——伦敦——的一次深情告白，更是他对交响乐体裁的一次集大成式的升华，也是他向世人展示他音乐思想和技巧的最后一次庄严宣告。 “伦敦”交响曲的诞生，本身就带着传奇色彩。海顿在1791年至1792年和1794年至1795年两次受邀前往伦敦，每一次都受到了热烈的欢迎和高度的赞誉。他的音乐在那里被奉为经典，他的名字响彻歌剧院和音乐厅。这两次伦敦之行，不仅为海顿带来了丰厚的经济回报和艺术上的成就感，更重要的是，他接触到了当时欧洲最前沿的音乐潮流，也对英国的音乐文化产生了深刻的影响。1795年，在他准备离开伦敦，返回奥地利埃斯特哈齐家族庄园的前夕，他写下了这部D大调第一〇四交响曲。这部作品无疑是海顿在伦敦音乐舞台上的最后一次华丽谢幕，也是他献给这座他深爱着的城市最真挚的礼物。 这部交响曲的结构清晰，四个乐章各具特色，共同构成了一个宏大而又精巧的音乐整体。 第一乐章：Adagio – Allegro 乐章以一个庄严而充满悬念的慢板引子（Adagio）开篇。引子部分，乐队奏出一段低沉而神秘的和声，仿佛夜色中的低语，又像是即将到来的黎明前的宁静。主奏的旋律缓慢而有分量，每一个音符都充满了沉思的意味。这段引子并非简单的铺垫，而是为接下来的快板（Allegro）乐章埋下了伏笔，营造出一种蓄势待发的气氛。海顿在这里运用了丰富的和声变化和精妙的对位技巧，展现了他对音乐张力的精准把握。 随后，乐章进入快板（Allegro）。主部主题，一首欢快而充满活力的旋律，如同一道阳光穿破云层，瞬间点燃了听众的热情。这个主题简洁明快，易于记忆，却又蕴含着丰富的变化可能性。海顿在此展示了他非凡的旋律创作能力，他将这个朴实的主题发展得淋漓尽致，通过精妙的变奏、模仿和转调，让它在不同的乐器组合和音色中展现出多样的风貌。第一主题的欢腾景象，在乐队的有力演奏下，如同城市中熙熙攘攘的人群，充满了生机与活力。 展开部（Development）是海顿展现他作曲技艺的绝佳舞台。他将第一主题的各个片段进行巧妙的解构和重组，通过模进、对位和织体上的丰富变化，将音乐推向高潮。在这个过程中，他经常运用属调与关系调的快速转换，制造出戏剧性的冲突和紧张感。而他对于乐器音色的运用也极其考究，铜管乐器的加入为音乐增添了雄壮的力量，木管乐器的穿插则带来了轻盈的色彩。 再现部（Recapitulation）按照古典奏鸣曲式的结构，重新呈现了第一和第二主题，但这一次，主题的呈现更加丰富和饱满，仿佛经历了磨砺后更加坚定的回归。海顿并没有仅仅照搬，而是通过更丰富的配器和更成熟的和声处理，赋予了主题新的生命力。最后，一段充满力量的尾声（Coda）为第一乐章画上了圆满的句号，将整段音乐的热情推向了极致。 第二乐章：Andante cantabile 第二乐章，如歌的行板（Andante cantabile），是整部交响曲中最具抒情色彩的篇章。海顿在此展现了他细腻的情感表达能力。乐章以一段温婉而略带忧郁的旋律开始，仿佛是在诉说着一段深沉而动人的故事。这段旋律优美而流畅，充满了歌唱性，很容易引起听众的共鸣。海顿擅长从简单的动机出发，发展出宽广而富于表现力的乐句，他在这里将这种能力发挥得淋漓尽致。 随后，乐章引入了一个对比性的副部主题，这段主题更加明亮和活泼，与前一段的抒情形成鲜明对比，但这种对比并非尖锐的冲突，而是如同阴影与阳光交织，丰富了音乐的层次感。海顿巧妙地将这两个主题在对比与融合中发展，有时是相互呼应，有时是相互穿插，营造出一种丰富的情感世界。 在展开部，海顿对音乐主题的变奏处理更加细腻。他通过改变节奏、调性、和声以及配器，赋予了主题新的色彩和内涵。例如，他可能会将原本抒情的旋律用更明亮的音色来演奏，或者将活泼的旋律变得更加沉静。这些细微的变化，都体现了他对音乐表现力的深刻理解。 再现部回归了最初的抒情主题，但经过展开部的洗礼，这段旋律显得更加成熟和深刻。尾声部分，乐章逐渐平静下来，如同故事的落幕，留下悠长的余韵，让听众沉浸在音乐所营造的宁静与思考之中。 第三乐章：Minuetto: Allegro molto 第三乐章，活泼的快板小步舞曲（Minuetto: Allegro molto），是整部交响曲中节奏感最强、最具跳跃性的乐章。海顿在这里展现了他轻松愉快的一面，创作出了一首充满活力和趣味性的小步舞曲。与一般意义上优雅、精致的小步舞曲不同，海顿的这首作品速度更快，情绪更加奔放，充满了童趣和活力。 乐章的主体部分，一段充满节奏感的旋律，通过乐队强有力的演奏，营造出一种欢腾而热烈的气氛。海顿在旋律和节奏的设计上都颇具匠心，大量的切分音和强烈的重音变化，赋予了音乐一种不可抗拒的动感。 中间部分（Trio）则提供了一个相对舒缓的对比。这段旋律更加柔和，色彩也更加明亮，仿佛是一段短暂的休憩，又像是跳舞间隙的低语。然而，这种舒缓并非完全脱离了之前的活力，而是巧妙地将之前的能量转化为一种更内敛的愉悦。 乐章在重复了主部小步舞曲后，以一段更加活泼和热烈的尾声结束，将整首小步舞曲的趣味性和活力推向了新的高峰。这个乐章充满了海顿特有的幽默感和创造力，展现了他驾驭不同音乐风格的精湛技艺。 第四乐章：Finale: Spiritoso 第四乐章，精神饱满的终曲（Finale: Spiritoso），是整部交响曲的高潮和总结。乐章以一段充满爆发力的旋律开始，将之前积蓄的情绪瞬间释放。这个主题具有鲜明的性格，充满了力量和决心，仿佛是海顿在告别伦敦之际，对自己一生音乐创作的一次热情讴歌。 海顿在这里运用了奏鸣曲式的结构，但他对结构的运用更加自由和灵活。他不仅展示了主题的强大发展潜力，更通过一系列精彩的变奏和对比，将音乐推向了壮丽的顶点。乐章中充斥着辉煌的铜管乐器和充满活力的打击乐，营造出一种史诗般的宏大场面。 值得一提的是，海顿在终曲中巧妙地运用了“霍拉提奥”（Horatio）主题，一个在当时非常流行的曲调，这被许多音乐学家认为是海顿在创作这部交响曲时，借鉴了英国当地音乐元素的证据，也使得这部作品与伦敦这座城市产生了更深的文化联系。 在展开部，海顿将各个主题进行巧妙的组合和变形，通过不断的转调和强弱对比，制造出强烈的戏剧冲突。他对乐器音色的运用更是达到了炉火纯青的地步，各个声部之间的对话和配合，如同精密的齿轮咬合，奏出和谐而又充满力量的乐章。 再现部的主题回归，但这一次，主题的呈现更加雄壮和饱满，仿佛经过了漫长而艰辛的旅程，终于迎来了凯旋。最后的尾声部分，海顿以一连串强有力的和弦和奔放的旋律，将整部交响曲推向了最终的辉煌，奏出了一个充满胜利和喜悦的结局。 “伦敦”交响曲，是海顿音乐思想的集大成之作，也是他交响乐创作的巅峰。这部作品不仅在技术上达到了前所未有的高度，更在情感的深度和表现力上，展现了作曲家晚年的成熟与智慧。它既有海顿标志性的幽默与活力，又充满了深刻的思考和感人的抒情。这部交响曲的结构清晰、旋律优美、和声丰富、配器精妙，每一个乐章都充满了魅力，共同构成了一个令人回味无穷的音乐世界。 作为海顿最后一部交响曲，它承载了作曲家一生的艺术追求和音乐智慧，更像是他送给世界的一份厚重而辉煌的礼物。在聆听这部作品时，我们仿佛能够感受到海顿在创作时那颗依旧炽热的艺术之心，以及他对音乐不懈追求的坚定信念。这部作品不仅是对“交响乐之父”一生辉煌创作的完美总结，更是对后世无数作曲家产生的深远影响。它以其永恒的魅力，继续在世界各地的音乐厅中回响，讲述着一位伟大作曲家与音乐的深情告白。

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这部交响曲所散发出来的是一种近乎“纯粹”的美感，它几乎完全摆脱了后世作曲家们常常背负的沉重包袱——宏大的叙事目的或深刻的个人情感宣泄。对我来说，聆听它更像是在进行一次精神上的“清理”过程。慢板乐章（如果存在的话，我指那个抒情深刻的乐章）往往是检验作曲家功力的试金石，这里的旋律线看似简单，却蕴含着深沉的内省和一种对生命本质的温和关怀。它没有戏剧性的冲突，没有撕心裂肺的呐喊，而是像清晨的第一缕阳光，柔和却坚定地照亮了所有角落。这种对“中庸之道”的掌握，在那个音乐开始向情感极端倾斜的时代背景下，显得尤为珍贵。它让你感到平静，但这种平静不是麻木，而是一种被精心构建的、充满智慧的安宁。它仿佛在说：生活中的美好，往往蕴含在最简洁、最和谐的比例之中，不需要过多矫饰。

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听完这首交响曲，我产生了一种强烈的感觉，那就是海顿对于“幽默感”的把握，达到了一个前所未有的高度。这种幽默并非粗俗的滑稽，而是一种建立在对古典形式深刻理解基础上的，带有智慧光芒的调侃。尤其是在谐谑曲（如果这部作品包含的话，我指的是那个快速的、富有活力的乐章）部分，那种节奏的突然变化，或者一个乐句在低音部突然以一个意想不到的力度被强调出来，都让人忍不住会心一笑。它不像莫扎特那样带着一丝忧郁的甜美，也不像贝多芬后期的那种英雄式的呐喊，海顿的幽默是那种在贵族沙龙里，由一位博学多才的长者所展示出来的，带着哲思的笑意。乐章之间的过渡也处理得极其自然，仿佛是一次流畅的谈话，从一个话题跳到另一个话题，但听者却始终能感受到一条清晰的内在联系在牵引着思绪。这种对听众心理的精准拿捏，使得聆听过程极为放松，却又在放松之中得到了极大的精神满足。它让你觉得，作曲家是在跟你进行一场高级的智力游戏，而你乐于成为这个游戏的参与者。

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这部作品的结构之精妙，简直让人叹为观止。从开篇那庄严而又略带克制的序曲开始，就奠定了一种宏大的基调，仿佛一下子把你带入了一个精心规划的古典主义殿堂之中。奏鸣曲式的呈示部，主题的对比与发展丝丝入扣，那种逻辑的严密性，仿佛是数学家在演算一个完美的公式，每一个音符的出现都不是偶然，而是必然。进入发展部时，乐队的织体变得异常丰富，和声色彩的微妙变化，展现了海顿晚期创作中那种炉火纯青的技巧。我尤其欣赏他在对位法上的处理，上下声部的交织与对话，既保持了各自的独立性，又完美地服务于整体的音乐形象。当主题在不同的乐器组间传递时，那种清晰度和透明度，让人几乎能“看”到音符是如何流动的。进入再现部，主题的回归带着一种胜利的喜悦，但又不像某些后来的作曲家那样过分夸张，而是保持着一种贵族式的优雅。而尾声的处理，更是将这种精巧发挥到了极致，没有冗长拖沓，一切都在恰到好处的张力释放中戛然而止，留给听者无尽的回味。这不仅仅是音乐的堆砌，它更像是一座用听觉搭建起来的完美建筑，每一个拱券、每一根柱子都坚固而富有美感。

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我必须着重强调的是，这部作品在配器上的平衡感，简直是教科书级别的典范。在那个时代，管弦乐队的编制相对有限，但海顿却能将每一种乐器的音色潜力都挖掘得淋漓尽致，而且，最难能可贵的是，没有哪一种乐器会喧宾夺主，或者被淹没在声海之中。铜管乐器的运用极其节制和精妙，它们的作用往往是用来增添色彩或加强重音的关键时刻，而不是像后世浪漫主义那样充当旋律的主要载体。木管组，尤其是双簧管和长笛，它们之间的对答，如同两支声音截然不同的鸟儿在林间进行着优雅的二重唱，清晰得如同近在眼前。弦乐组的层次感更是无懈可击，从第一小提琴的细腻线条到大提琴与低音提琴提供的坚实基础，整个低音声部始终保持着一种稳定而有弹性的驱动力，如同一个强劲而又看不见的引擎在推动着音乐前进。欣赏这部作品时，你不需要依赖那种震耳欲聋的音响效果来获得震撼，真正的力量来自于声部之间精密的相互作用和完美的听觉透视感。

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整部作品的结尾给我的感受，是一种圆满的、毫无遗憾的释放感，这是一种高级的“满足感”。它不是那种靠着突然加速或强力重音堆砌出来的短暂高潮，而是通过对先前所有音乐材料的巧妙回收和最终的和谐统一达成的效果。当最后几个和弦响起时，你感觉像是终于解开了一个非常复杂但设计极其巧妙的数学谜题，所有的变量都找到了它们最终的位置，一切归于秩序。这种对“形式完整性”的追求，体现了古典主义美学的核心精神——即结构本身即是意义。我常常会回味乐章之间那种无缝衔接的艺术，仿佛作曲家预见到了听众的每一个可能的思绪转折点，并提前用音乐语言铺设好了最平坦、最合理的路径。它要求听众保持专注，但这种专注感是积极的、充满愉悦的，因为它知道，只要你跟随，它就绝不会辜负你的期待，最终将你带到一个光辉且逻辑自洽的终点。

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