门德尔松A大调第四交响曲Op.90意大利 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南文艺

作者:鲍里斯·冯·哈肯

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008-1

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787540440008

丛书系列:奥伊伦堡总谱+CD

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《意大利》——门德尔松A大调第四交响曲 Op.90 作曲家： 费利克斯·门德尔松-巴托尔迪 (Felix Mendelssohn Bartholdy) 作品编号： Op. 90 调性： A大调 作品背景与创作动机： 门德尔松的A大调第四交响曲，又被亲切地称为《意大利》，是音乐史上留下的璀璨瑰宝之一。这首交响曲并非一蹴而就，而是作曲家在多次意大利之旅的深刻体验和灵感激发下，历经多年精心打磨的结晶。门德尔松一生热爱旅行，而意大利的风土人情、壮丽景色、古老文化，尤其是其音乐传统，都对他产生了无与伦比的吸引力。 1830年，年仅21岁的门德尔松怀揣着对新世界的憧憬，踏上了前往意大利的旅程。此次旅行持续了近一年半的时间，他游历了罗马、佛罗伦萨、那不勒斯、威尼斯等众多城市，沉醉于古罗马的辉煌遗迹、文艺复兴的艺术瑰宝，以及意大利各地生动活泼的民间音乐。在罗马，他亲眼目睹了圣彼得大教堂的宏伟，感受了圣周的庄严仪式；在佛罗伦萨，他被米开朗琪罗的雕塑和达芬奇的画作所震撼；在那不勒斯，他体验了维苏威火山的壮丽与热情；在威尼斯，他沉醉于泻湖的浪漫与水乡的韵味。 这些丰富的感官体验，如同种子一般，在他心中悄然萌发。尤其是意大利人民的热情、乐观，以及他们的音乐——无论是正统的教会音乐，还是街头巷尾的民间歌谣，都深深地触动了他。他曾写道：“意大利的一切都使我心神荡漾……我将在意大利找到我的音乐。” 《意大利》交响曲的创作始于1831年，最初的构思源于他在意大利的所见所闻，特别是那不勒斯地区的一首民歌，据说是他听到当地渔夫唱的。然而，门德尔松对这部作品的精益求精，使得他直到1833年才在伦敦首次指挥演出，但即便如此，他也认为这部交响曲尚未完全成熟。直到1834年，他才最终完成了这部作品，并将其献给了英国女王。 与他早期的作品相比，《意大利》交响曲在情感的表达上更加成熟，旋律的流畅性更加自然，结构的把握也更为精巧。这部作品不仅是门德尔松艺术风格的代表，更是其音乐生涯中的一个重要里程碑，展现了他对民族音乐元素融入古典交响乐的卓越才能。 乐章分析： 《意大利》交响曲共包含四个乐章，每个乐章都如同一次色彩斑斓的旅行片段，共同构成了一幅充满阳光、活力与诗意的意大利风情画卷。 第一乐章： Allegro vivace (A大调) 乐章以一段充满阳光和朝气的快板拉开帷幕，充满了生机勃勃的喜悦。门德尔松巧妙地运用了A大调明亮、辉煌的音色，营造出一种阳光普照般的氛围。主题旋律流畅、跳跃，充满着乐观的情绪。弦乐器以一种轻盈而富有弹性的方式奏出，仿佛是意大利清晨的微风拂过。 乐章的开端，一段充满力量的弦乐段落，迅速将听众带入一个充满活力和希望的场景。紧接着，一段更为抒情、略带忧郁的旋律由大提琴和低音提琴奏出，像是对意大利南部艳阳下偶尔掠过的阴影的描绘，但整体基调依然是明朗的。 奏鸣曲式的结构在此乐章中得到了完美的体现。第一主题充满动感，第二主题则更加歌唱性，两者形成鲜明的对比，又相互融合，展现出作曲家对结构的处理能力。在发展部，门德尔松对主题进行了精妙的变形和组合，展现出他非凡的作曲技巧。他的音乐并非一味地热闹，而是在明亮的旋律中， subtly 融入了 subtle 的情感层次。 再现部则更加辉煌，所有乐器的配合更加紧密，将乐章推向高潮。尾声部分，乐章以一种充满力量和激情的节奏结束，仿佛是一场盛大的节日庆典，洋溢着胜利的喜悦。这个乐章的活力和感染力，充分展现了意大利人民热情奔放的性格，也奠定了整部交响曲的明亮基调。 第二乐章： Andante con moto (D小调) 如果说第一乐章是阳光灿烂的早晨，那么第二乐章则像是意大利午后的沉思，亦或是暮色降临时的浪漫。这个乐章以D小调呈现，但并未流露出过多的悲伤，反而带有一种深沉的、略带忧郁的抒情。 这个乐章的灵感，据说是来源于罗马圣彼得大教堂的周日游行队伍。门德尔松在这里运用了更为庄重、肃穆的旋律，弦乐器奏出缓慢而悠扬的乐句，如同缓慢行进的队伍。然而，其中也穿插着一些更为轻柔、充满希望的旋律，像是人群中偶尔闪烁的笑语，或是对美好事物的憧憬。 门德尔松在这里展现了他对色彩的敏锐感知。铜管乐器的加入，为乐章增添了一抹庄严的色彩，而木管乐器则带来了更细腻的情感表达。音乐的起伏变化自然而流畅，像是意大利南部午后慵懒的时光，又像是黄昏时分，夕阳的余晖洒满大地，带来一丝宁静和遐思。 这个乐章的精妙之处在于，它并没有刻意渲染悲伤，而是通过深情的旋律和细腻的配器，营造出一种在庄严中带有温暖，在沉思中不失希望的情绪。它展现了门德尔松音乐中独特的抒情性，以及他对情感的深刻理解。 第三乐章： con moto moderato (A大调) 第三乐章，意为“适度的快板”，是整部交响曲中最具田园色彩和舞曲风格的乐章。门德尔松在这里描绘了一幅意大利乡村的画卷，充满了生机与活力。 乐章以一段轻盈、跳跃的旋律开始，仿佛是田野里孩子们欢快的奔跑。弦乐器奏出流畅而灵动的乐句，木管乐器则以其清脆的音色，为音乐增添了色彩。这个乐章的主题充满了民歌般的质朴和纯真。 在中段，音乐转为更为优雅和流畅，展现出一种略带罗曼蒂克的色彩，仿佛是乡村的舞会，人们在翩翩起舞。门德尔松巧妙地运用了对位手法，使得各个声部之间形成丰富的对话，增加了音乐的层次感。 这个乐章的魅力在于其简洁而优美的旋律，以及充满活力的节奏。它没有第一乐章的宏大，也没有第二乐章的深沉，却以一种轻松、愉悦的方式，展现了意大利乡村的淳朴之美，以及人们在自然中享受生活的状态。 第四乐章： Saltarello (A大调) 最后乐章，Saltarello，是一种源于意大利南部的民间舞曲，其特点是快速、跳跃，充满着欢乐和热情。《意大利》的末乐章正是以这种充满活力的舞曲形式结束，将整部交响曲推向了最后的辉煌。 门德尔松在这里充分运用了意大利的民间音乐元素。乐章以一段快速、富有弹性的节奏开始，打击乐器的加入，更是增添了舞曲的狂野和激情。弦乐器以快速的琶音和音阶，营造出一种令人目不暇接的效果。 Saltarello的节奏变化多端，时而激烈奔放，时而又舒缓歌唱，展现出意大利人民热情奔放、不拘小节的性格。门德尔松在这里将各种音乐素材巧妙地融合在一起，创作出了一个既有民间特色，又不失古典交响乐规范的精彩乐章。 乐章的最后，音乐达到了最高潮，所有的乐器一同奏响，充满了力量和喜悦。这段充满活力的结尾，仿佛是意大利盛大节日庆典的高潮，将全曲的欢乐情绪推向顶点，给听众留下了深刻而美好的印象。 艺术价值与影响： 《意大利》交响曲是门德尔松最受欢迎的作品之一，也是浪漫主义时期交响乐的杰出代表。它以其明亮的色彩、流畅的旋律、精巧的结构以及对民族音乐元素的成功运用，赢得了世界各地听众的喜爱。 这部交响曲的影响是深远的。它不仅展现了门德尔松作为作曲家的成熟技艺，更重要的是，它为后世作曲家如何将民族音乐元素融入西方古典音乐体系，提供了一个成功的范例。其明亮的音色、阳光般的旋律，以及对意大利风情的生动描绘，至今仍能唤起人们对美好生活的向往和对异域风情的遐想。 《意大利》交响曲不仅仅是一部音乐作品，它更是一扇窗户，透过这扇窗户，我们可以窥见19世纪欧洲作曲家对异域文化的迷恋与探索，以及他们如何将旅途中的灵感，升华为永恒的艺术结晶。门德尔松的《意大利》，以其无与伦比的魅力，继续在音乐舞台上闪耀着不朽的光辉。

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从文学性的角度来审视这部交响曲，它更像是一部充满浪漫主义情怀的“旅行日记”。它不是在讲述一个具体的故事，而是在描绘一种心境的转变，一种从初到异乡的兴奋、对古典遗迹的沉思、到最终融入当地热烈氛围的完整情感历程。乐章之间的转换，并非生硬的切割，而更像是日记中不同日期的记录，它们在情感上是连贯的，但侧重点有所不同。特别是第三乐章，虽然结构上是传统的谐谑曲形式，但其所蕴含的轻快与优雅，完全脱离了贝多芬式的戏剧性，转而带有一种地中海式的闲适与慵懒，仿佛是午后阳光下的一场精致的圆舞。它成功地捕捉到了一种“异域风情”的魅力，但这种描绘又是极其高雅的，没有落入俗套的模仿，更多的是精神层面的共鸣和致敬。这种将个人情感与地域色彩巧妙融合的能力，是许多作曲家望尘莫及的高度。

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这部作品的宏伟构架和奔放激情，简直让人沉醉其中，仿佛置身于意大利那阳光明媚的田野之上。指挥家对乐章间细微的情感过渡处理得极为细腻，尤其是在慢乐章中，那种如泣如诉的旋律线被勾勒得淋漓尽致，每一个音符的呼吸都充满了故事感。我尤其欣赏那个著名的“巴式节奏”在整个作品中贯穿始终的巧妙设计，它不仅仅是节奏的重复，更像是一种内在的驱动力，推动着音乐向前，却又始终保持着一种优雅的克制。铜管组的音色饱满而不失光泽，与弦乐组的丝滑交织在一起，构建了一幅色彩斑斓的听觉画卷。即便是那些习惯了德奥体系严谨结构的听众，也会被其中那种由内而外散发出的自由精神所吸引。听完整部曲子，最大的感受就是，门德尔松如何将古典主义的完美形式与浪漫主义的热烈情感熔于一炉，达到了一个近乎完美的平衡点。那辉煌的尾声，简直是情绪的彻底释放，让人意犹未尽，只想立刻按下播放键再来一遍，去捕捉那些之前可能错过的微妙之处。

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说实话，初次接触这部交响曲时，我曾担心它会不会像某些浪漫主义作品那样，在抒情过度中迷失了结构清晰度。然而，事实证明，我的顾虑完全是多余的。这部作品的逻辑性之强，简直令人惊叹。它绝非是一堆华丽音符的堆砌，而是建立在坚实的对位基础之上，即使在最为狂野的快板部分，你依然能清晰地辨认出主题之间的发展、对比和融合。听感上，仿佛在欣赏一座由音符搭建而成的精美建筑，每一个拱顶和飞扶壁都有其明确的功能和美学价值。特别是木管声部的处理，简直是教科书级别的范例，长笛与双簧管之间的对话机敏而富有情趣，为整体厚重的织体增添了必要的轻盈感和灵动性。我个人认为，要真正理解这部作品的精髓，需要多次聆听，每次都能挖掘出新的层次。它不是那种一耳朵就能完全把握的流行音乐，它需要听者投入时间去解码其中精妙的“建筑学”，非常耐人寻味，对于想要深入研究交响曲写作技法的学习者来说，它绝对是不可或缺的范本。

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我必须承认，我通常更偏爱晚期浪漫主义那种近乎瓦格纳式的“无限旋律”和厚重和声，所以对早期浪漫主义的作品，尤其是像门德尔松这种被誉为“古典主义的最后一位大师”的作品，总抱持着一种敬畏多于热爱的态度。然而，这部作品彻底颠覆了我的既有观念。它没有晚期作品的沉重包袱，却拥有着无与伦比的活力和乐观精神。它提醒了我，音乐的力量不一定非要通过压抑与冲突来体现，那种纯粹的、流淌出的喜悦感同样具有震撼人心的力量。我特别注意到了它在速度标记上的细微要求，例如那些“稍快”或“略慢”的指示，它们为演奏者留下了足够的阐释空间，使得每一次现场的演绎都充满了新鲜感。它就像是一杯完美的夏日饮品，清爽解渴，却又回味无穷。它既能满足对精致音乐结构有要求的听众，也绝对能取悦那些仅仅想被美妙旋律愉悦的心灵。这是一部跨越了特定时代偏好的杰作。

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这次听的版本（假设是某个特定录音），给我的感觉是极其“透明”和“清澈”。我过去听过一些版本，感觉录音处理得过于厚重，把门德尔松本应有的那种特有的“空气感”给堵塞住了。但这个版本，尤其是在低频部分的控制上做得极佳，低音提琴和定音鼓的每一次敲击都清晰可闻，却从不显得浑浊，为整个乐队的音响提供了坚实的底部支撑。这种清晰度使得我们可以非常清楚地分辨出不同声部之间的动态关系，细微的层次变化被放大，而不是被掩盖。我觉得，这恰恰体现了作品的纯粹性，它不需要过度的渲染，其内在的美感已经足够强大。听起来，就像是在一个光线极好的音乐厅里，所有乐器都被精准地放置在它们应该在的位置上，反射出的声波干净利落。对于那些追求原汁原味、希望捕捉到作曲家在创作时空气中震动的瞬间的音乐爱好者来说，这种录音质量无疑是极大的加分项，它让历史的厚重感与当下的鲜活感达成了完美的和解。

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