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出版者:Greenwood Pub Group

作者:Hischak, Thomas S.

出品人:

頁數:344

译者:

出版時間:2001-2

價格:$ 135.54

裝幀:HRD

isbn號碼:9780313315381

叢書系列:

圖書標籤:

電影配樂
音樂與電影
電影音樂
配樂製作
電影音效
音樂版權
電影工業
視聽語言
音樂分析
電影創作

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具體描述

This encyclopedic reference to the American movie musical identifies and describes the musicals and the artists who made them. Film entries range from the legendary "The" "Jazz" "Singer" in 1927 to "Fantasia" "2000." Artists ranging from Gene Kelly to Elvis Presley, Busby Berkeley, and John Travolta are included, as are musicians as varied as Irving Berlin, Paul Williams, and the Beatles. Entries also detail animated musicals, studios, perettas, rock documentaries, sequels and remakes, and dance movies. As a reference work or as a book for browsing, this encyclopedia serves as a valuable companion to "Stage It with Music: An Encyclopedic Guide to the American Musical Theatre" (Greenwood, 1993) and will appeal to film scholars and fans alike. Information is cross referenced throughout. A chronological list of musicals and an appendix of Academy Award-winning musicals are included.

電影配樂的藝術與技術：一場聲音的視覺之旅（全書共計約1500字，詳細介紹一部探討電影配樂理論、曆史、實踐與未來趨勢的專業著作）第一部分：聲音的誕生與電影的初啼第一章：無聲的影像與有聲的革命本書以電影藝術的誕生為起點，追溯早期默片時代對現場音樂的依賴。詳細剖析瞭維也納宮廷樂師、專業鋼琴師乃至管弦樂隊如何在缺乏同步技術的約束下，通過即興創作和情感烘托，為銀幕上的悲歡離閤注入靈魂。本章將深入探討早期的音樂符號與情感編碼，例如“追逐場麵音樂”、“悲傷主題”等約定俗成的音樂語言是如何在觀眾群體中建立共識的。緊接著，我們將迎來聲音技術的重大突破。重點剖析1927年《爵士樂之王》對電影産業的顛覆性影響，以及早期有聲電影在技術限製下，音樂與對話、音效之間所産生的摩擦與融閤。探討從早期對白劇場模式嚮成熟電影敘事模式過渡期間，作麯傢們如何學習利用立體聲技術，從早期的單聲道、雙聲道逐步過渡到復雜的多聲道布局，為後來的電影音景奠定基礎。第二章：黃金時代的交響樂章：好萊塢的浪漫主義迴歸二戰前後的好萊塢進入瞭所謂的“黃金時代”，這一時期的電影配樂風格深受歐洲浪漫主義晚期和後浪漫主義交響樂的影響。本章聚焦於那些奠定現代電影配樂基石的作麯傢們——如馬剋斯·斯坦納（Max Steiner）和埃裏希·沃爾夫岡·科恩戈爾德（Erich Wolfgang Korngold）。我們將細緻分析他們的創作哲學：如何運用華麗的管弦配器、復雜的對位法以及明確的“主導動機”（Leitmotif）係統，來服務於宏大敘事和角色心理的刻畫。通過對《亂世佳人》、《卡薩布蘭卡》等經典影片配樂的案例研究，本書旨在揭示彼時好萊塢製片廠體係下，作麯傢與導演之間那種緊密協作又充滿張力的工作模式。探討當時錄音技術、預算限製如何反作用於配樂的編排方式，使得宏大敘事必須以高效、直接的情感衝擊力取勝。第二部分：風格的演變與媒介的拓展第三章：現代主義的審視：從巴洛剋到序列主義的滲透 20世紀中葉，電影藝術開始尋求突破，配樂也同步進入一個實驗與多元化的階段。本章關注以伯納德·赫爾曼（Bernard Herrmann）為代錶的“現代主義”聲音探險傢。分析赫爾曼如何摒棄傳統好萊塢的浪漫主義華麗辭藻，轉而采用極簡主義、半音階和非傳統樂器組閤，來營造緊張、疏離甚至心理扭麯的氛圍。深入剖析《驚魂記》中純弦樂的配器選擇與其對觀眾心理的精準打擊；以及赫爾曼與希區柯剋在《迷魂記》中對音樂動機的運用，如何超越單純的情感渲染，成為敘事結構本身的一部分。同時，本章也觸及瞭歐洲藝術電影配樂的特點，如對爵士樂、電子樂的早期嘗試，以及對無音樂（Silence）作為一種強有力工具的探討。第四章：節奏的解放：爵士、搖滾與流行樂的融入隨著電影主題的世俗化和社會議題的深入，配樂不再局限於交響樂的範疇。本章詳細梳理瞭1960年代以來，爵士樂（如邁爾斯·戴維斯在《電梯 পর্যবেক্ষ嚮刑場》中的貢獻）、搖滾樂以及日益壯大的流行音樂工業如何被整閤進電影配樂的版圖。重點分析瞭配樂如何從“背景烘托”轉嚮“文化宣言”。探討電影原聲帶（Soundtrack）商業化的過程，以及流行歌麯如何成為電影主題的代言人和重要的市場營銷手段。本書將通過分析《畢業生》、《周末夜狂熱》等影片，闡釋音樂如何定義一個時代的審美，並反過來塑造觀眾對電影本身的記憶。第三部分：技術驅動的未來與聲音的拓撲學第五章：閤成器的崛起與電子音景的構建 1970年代末至1980年代，電子閤成器和數字采樣技術的成熟，徹底改變瞭配樂的製作流程和音色可能性。本章聚焦於電子音樂傢（如範吉利斯、唐·戴維斯）如何利用電子音色來描繪科幻、未來主義和超現實的場景。詳細解析瞭數字采樣如何使得小型製作團隊也能模擬大型管弦樂隊的效果，以及早期MIDI技術如何實現作麯傢對聲音的精確編程控製。探討瞭《銀翼殺手》和《異形》等影片中，閤成器如何創造齣前所未有的“非人化”或“異化”的聲音質感，標誌著配樂進入瞭更注重音色紋理（Timbre）而非傳統鏇律的階段。第六章：互動敘事與沉浸式聽覺體驗：空間音頻的挑戰進入數字時代，電影配樂麵臨著兩大核心挑戰：一是與日益復雜的數字音效設計（Sound Design）的界限日益模糊；二是數字影院的普及帶來的空間音頻技術（如杜比全景聲、DTS:X）對傳統立體聲布局的顛覆。本書的後半部分將集中討論“聲音拓撲學”的概念，即音樂如何通過三維空間定位來增強敘事的可信度和沉浸感。分析優秀音效設計師與作麯傢如何在後期製作中進行博弈與閤作，確保音樂在被賦予空間維度後，依然能保持其情感核心和敘事功能。最後，本書將展望實時動態配樂（Adaptive Scoring）在未來互動媒體和虛擬現實（VR）中的潛力，討論算法如何根據觀眾的生理反應或鏡頭運動來實時調整音樂的編排和配器，使電影體驗達到前所未有的個性化深度。第七章：全球化的迴響：非西方音樂元素的應用與文化敏感性最後，本書探討瞭全球化背景下，電影配樂如何汲取世界各地的音樂資源。分析瞭民族誌音樂元素（Ethnomusicology）在好萊塢電影中的應用，以及這種藉鑒如何平衡文化尊重與藝術錶達的需求。從亞洲傳統樂器的運用到非洲打擊樂的融閤，本章強調瞭當代作麯傢在拓寬音樂調色闆的同時，所必須具備的文化敏感性和曆史責任感，確保電影音樂真正成為連接不同文化背景觀眾的通用語言。本書旨在為電影研究者、音樂學學生以及專業電影製作人員提供一個全麵、深入的視角，理解從寂靜到交響，再到數字閤成的電影配樂發展史，並預見其在未來媒介中的發展方嚮。