具体描述
The most complete book to date on one of the leading painters of the postwar generation: enlarged, updated, and redesigned.
Howard Hodgkin's career has spanned seven decades, and this extensive catalogue raisonné includes over 450 paintings, most reproduced in color.
Marla Price, an expert on the work of Hodgkin, has brought her 1995 catalogue raisonné completely up-to-date, with reproductions of over 150 recent paintings finished in the past decade. Invaluable information is given on the provenance of all the paintings, their exhibition histories, and published references to discussions of the works, while an introduction by John Elderfield sheds light on the artist's materials and techniques. The reference section includes a list of exhibitions and a chronology, and an extensive bibliography cites periodical and newspaper articles, the artist's statements and interviews, exhibition catalogues, and television and radio interviews.
A touring exhibition of Hodgkin's work can be seen in 2006 at The Irish Museum of Modern Art and Tate Britain. 472 illustrations, 413 in color.
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这本画册，厚重得像是捧着一块被时间打磨过的石头，那种触感，直接将你拉入了一种沉思的境地。初翻开，映入眼帘的那些色块和线条，一开始还真让人有点摸不着头脑，不像某些艺术作品那样，直白地告诉你“这是什么”或者“它在表达什么”。它更像是一种情绪的截留，或者说，是艺术家在某个特定瞬间，对光影、对空气、对某种难以言喻的心绪，进行了一次近乎粗暴的定格。我记得有幅作品，色彩的过渡简直是教科书级别的示范，但它又完全超越了技术层面的展示，那团橘红与深蓝的交织，没有清晰的边缘，仿佛两股强大的力量正在激烈地角力，又或者，是在极度亲密的状态下相互渗透、融合。你看着它，会不自觉地屏住呼吸，生怕自己细微的动作会打扰到画面中那永恒的张力。它不提供答案，只抛出问题，关于色彩的重量、关于空间感被压缩或拉伸的哲学，让人不得不反思自己对“观看”这件事的理解。这种直击人心的力量，远比那些描绘具象事物的画作来得更持久，它在你脑海中留下的是一种挥之不去的“感觉”，而不是清晰的图像。
评分不得不提的是装帧设计，它本身就是一件值得细细品味的艺术品。纸张的质地选择了那种带着微妙纹理的哑光铜版纸，而不是那种高光泽的、让人觉得“太新”的材料。这种选择极大地衬托了作品本身所蕴含的那种历史感和时间的沉淀。当翻阅到那些跨页的大幅印刷时，你会注意到，即便是最明亮的颜色，也被这种纸张吸收了一部分锐利，变得柔和而内敛，像是在旧照片中重新发现的色彩。更妙的是，有些局部采用了特殊的印刷工艺，仅仅是手指轻轻拂过，就能感知到油墨堆叠的微小起伏，那是触觉对视觉的有力补充。这不仅仅是一本“看画的工具书”，它更像是艺术家为我们搭建的一个私密的、可以触摸的维度。它提醒着我们，艺术的体验从来都不是单一感官的封闭体验，而是身体与媒介之间，一场持续不断的、低语般的对话。阅读这本书的过程，本身就是一次对“物质性”的致敬。
评分说实话，一开始我对这种纯粹的抽象探索是持保留态度的，总觉得少了点“故事性”。然而，随着阅读的深入，我开始领悟到，那些被省略掉的故事，恰恰是作品最动人的部分。这本画册仿佛在挑战观众的耐心和理解力。它不迎合大众对“美”的惯常定义，反而将我们拽入一个更本真、更原始的视觉经验之中。我尤其欣赏其中对于光线处理的几组对比。在某些页面上，光线仿佛是从画面深处、穿过几层介质后才勉强抵达我们眼前的，带着一种潮湿和迷离感；而在紧随其后的页面，光线却像是被切割成锐利几何体的闪光，直接刺破了画布的平面性。这种对光线情绪的捕捉和重构，让人不得不思考，我们日常生活中所接收到的“真实的光”，究竟有多少是被我们的大脑进行了过滤和美化。这本书，像一面镜子，照见的不是世界，而是我们观看世界的方式本身，它在潜移默化中，重塑了你的视觉习惯。
评分这本画册的编排节奏感非常强，虽然是静止的图像，但翻页之间的连贯性，却制造出一种流动的、近乎音乐性的体验。某些系列的作品，颜色主题虽然相似，但笔触的力度和肌理的细微差异，构成了“变奏”。你可以清晰地感受到艺术家在不同时期、甚至在同一创作阶段中，思维的细微漂移。比如，观察那些看似“随便涂抹”的背景层，它们绝非敷衍了事，而是经过了反复的刮擦、覆盖和稀释，形成了一种多层次的视觉“深度”。这种深度不是透视法带来的空间错觉，而是时间在画面上留下的物理痕迹。阅读者如同一个考古学家，小心翼翼地剥离这些颜料的表皮，试图触摸到创作时的最初动机。这种对“过程”的强调，让整本书的重量感不仅仅停留在物质层面，更在于其所承载的——一个艺术家穷尽一生去探索色彩与感知极限的全部努力。它给予我的，是一种在复杂世界中寻找纯粹感觉的慰藉。
评分如果非要用一个词来概括阅读完这册画册后的感受，我想是“克制下的爆发”。乍看之下，构图似乎是随意的，色彩的组合也充满了看似不经波澜的日常感，但你仔细推敲每一笔的落点，每一个色块的边界处理，就会发现其中蕴含的巨大能量。作者似乎对“界限”这件事有着非同寻常的执念——什么是形，什么是非形？什么是内部的温度，什么是外部的冷漠？这些边界不是用明确的黑线勾勒出来的，而是通过相邻色彩之间微妙的压力感来定义的。有时候，一种近乎透明的薄涂层会突然被一块厚重的、几乎是泥土般的颜料所覆盖，这种对比，产生的冲击力是惊人的，它揭示了创作过程中那些犹豫、那些果断，那些艺术家在瞬间做出的、不可逆转的决定。这种叙事手法，虽然没有传统的故事情节，却构建了一个比任何叙事都更深刻的心理剧场，让你仿佛置身于工作室的空气中，嗅到松节油和新颜料混合的气味。
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