Playwrights on Playwriting pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Natl Book Network

作者:Cole, Toby

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:2001-4

价格:$ 22.54

装帧:Pap

isbn号码:9780815411413

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧创作
• 剧本写作
• Playwrights
• 戏剧理论
• 文学
• 艺术
• 写作技巧
• 戏剧分析
• 访谈
• 创作指导

剧作家论戏剧：舞台上的思想碰撞与创作心法 一部深入剧作家的内心世界与创作实践的深度访谈录 ——剖析当代戏剧创作的脉络、挑战与不朽的艺术追求 本书亮点速览： 跨越代际的对话： 汇集了不同时代、不同风格的重量级剧作家，从黄金时代的巨匠到当代前沿的实验者，呈现戏剧思想的演变轨迹。 创作的“秘密配方”： 揭示了剧作家们如何捕捉灵感、构建角色、处理冲突，以及面对市场与审查时的内心挣扎。 文本之外的维度： 深入探讨了剧本与舞台实践、导演阐释、演员表演之间的复杂关系，以及剧作家在这一生态系统中的定位。 时代的镜子： 通过剧作家的视角，审视社会变迁、政治风云对戏剧主题和形式选择的深刻影响。 --- 内容梗概： 《剧作家论戏剧》并非仅仅是一本关于戏剧理论的教科书，它是一场跨越半个世纪，集合了二十余位在世界戏剧史上留下浓墨重彩印记的剧作家（包括但不限于那些以深刻的人性洞察和创新的结构闻名的作家）的深度访谈录与创作手记的结集。本书旨在以最直接、最真实的声音，探讨剧作这门古老而常新的艺术形式，在不断变化的时代中，如何保持其锋利度和生命力。 第一部分：源起与召唤——剧作家的诞生 本部分聚焦于“为什么是戏剧？”这一根本性问题。我们探访了多位作家，追溯了他们最初被舞台艺术吸引的瞬间。有些作家描述了童年时在简陋剧场中被光影和共鸣震撼的经历；另一些则坦言，是社会的不公与无法通过其他媒介表达的冲动，将他们推向了舞台。 我们深入探讨了“灵感”的本质。这些大师们如何从日常的琐碎中提炼出具有永恒价值的冲突？他们分享了他们独特的“聆听”方式——如何捕捉日常对话中的潜台词，如何将历史事件转化为具有普适性的情感寓言。例如，某位以荒诞派著称的剧作家，详细阐释了他如何构建一个看似无逻辑的场景，以反映现代生活中“意义的失落”，而非仅仅模仿生活本身。 第二部分：构建宇宙——形式、结构与角色的雕塑 剧本的骨架如何搭建？这是本书的核心探讨之一。本部分详细解析了结构的力量。几位结构主义大师分享了他们对亚里士多德三一律的继承与颠覆。他们讨论了“高潮”的定义在当代是否依然有效，以及如何通过节奏和沉默来控制观众的呼吸。 角色塑造无疑是剧作家的核心技能。多位擅长塑造复杂人物的剧作家，剖析了他们构建人物动机的层次感。他们强调，一个伟大的角色不是“好人”或“坏人”，而是“有理由做出错误选择的人”。书中收录了关于如何“深入角色的黑暗面”的坦诚讨论，以及如何确保即使是象征性角色，也拥有内在的、可信的心理逻辑。 第三部分：剧本与世界——社会、政治与审查的张力 戏剧从来不是高悬于现实之上的艺术。本部分是关于戏剧与外部世界的深刻碰撞。我们聆听了那些在特定历史时期（如冷战、社会运动高潮时期）进行创作的剧作家们的心声。他们如何处理政治敏感题材？是选择直接的控诉，还是运用寓言和象征进行迂回的批判？ 一位来自东欧的剧作家详细描述了“在审查的目光下写作”的艺术——如何在字里行间隐藏对政权的质疑，让懂得的人会心一笑，让掌权者却无法定罪。这种关于“双重意义”的文本构建，揭示了艺术在极端环境下爆发出的强大韧性。此外，书中也探讨了文化挪用、身份政治等当代议题，展现了剧作家们对多元声音和历史修正的敏感性。 第四部分：从案头到舞台——合作的艺术与剧本的“死亡” 剧本一旦完成，就意味着它开始了一段新的、不可预测的旅程。本部分探讨了剧作家与导演、演员之间的动态关系。许多作家承认，一个剧本只有在排练场上才能真正“活过来”，甚至被“杀死”和“重生”。 多位剧作家分享了他们对于导演改编的看法：是完全信任导演的愿景，还是坚守文本的每一个标点符号？我们听到了一位以“精确性”著称的剧作家，讲述了他如何最终接受了导演对剧本结尾的颠覆性修改，并承认这种修改带来了新的生命力。书中还涉及了关于“未完成的剧本”的讨论——何时是放手的时候，以及如何处理那些因各种原因从未上演的文本。 结语：面向未来的剧场 最后，本书的几位年轻一代的剧作家分享了他们对未来戏剧形态的展望。面对流媒体、虚拟现实等新兴媒介的挑战，他们坚信剧场作为“共享在场经验”的独特魅力不可替代。他们探讨了新的叙事结构、技术介入的可能性，以及如何继续吸引习惯于快节奏娱乐的年轻观众。 《剧作家论戏剧》是一份珍贵的口述历史，它不仅为戏剧爱好者提供了窥探大师内心深处的机会，更为所有渴望登上舞台的创作者，提供了一份关于勇气、坚持与不懈探索的宝贵指南。它证明了，无论世界如何变迁，人类对故事、冲突与理解彼此的渴望，永远是戏剧永恒的燃料。

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这本厚重的书籍，乍一看似乎是为那些志在戏剧创作的年轻学徒准备的权威指南，但深入阅读后，我发现它远不止于此。作者以一种近乎亲密的笔触，将剧作家内心深处的挣扎、灵感的骤现以及对舞台艺术近乎偏执的追求，毫无保留地展现在读者面前。书中对于“如何捕捉一个瞬间的真实性”的探讨，那种对细节的雕琢和对人物动机的层层剥离，简直像是一场精密的解剖课。我尤其欣赏其中关于“沉默的力量”那一章节，作者并非空泛地谈论留白，而是通过引用大量未曾谋面的剧本片段（尽管我无法得知具体是哪部作品），细致描摹了舞台上一个眼神、一次停顿如何承载比千言万语更沉重的戏剧张力。读罢，我感觉自己对日常交流中的非语言信息也有了更敏锐的洞察力，这种从专业领域渗透到生活感悟的拓展，是许多同类书籍难以企及的深度。它强迫你重新审视自己与周围世界的互动方式，思考那些未被言说的、潜藏在表象之下的真实意图。

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这本书给我带来的最大触动，在于它对于“创作疲劳与自我怀疑”的处理方式。它没有提供廉价的鼓励口号，而是像一个身经百战的导师，冷静地剖析了灵感枯竭的必然性，以及如何在这种低谷期保持对艺术的敬畏心。作者坦诚地描述了自己面对空白页时的恐惧，以及那种“我还能否再次触及神性”的深刻焦虑。这种坦诚极其罕见，因为很多艺术理论著作倾向于将创作者塑造成全知全能的形象。然而，这本书的价值恰恰在于它的“不完美展示”，它承认艺术家的脆弱和局限。它引导读者去理解，真正的创作不是一次性的爆发，而是一种日常的、需要耐心的、有时甚至是枯燥的“等待”。读完后，我感到一种奇怪的平静，不再将创作视为必须时时刻刻保持高昂激情的任务，而是接受它波涛起伏的本质，学会与自我内心的批评者和平共处，这比任何关于“如何成功”的指南都来得珍贵和实用。

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这本书最令人惊喜的方面，在于它对“戏剧性冲突的道德维度”的探讨。它超越了简单的善恶二元对立，深入挖掘了角色在困境中被迫做出的选择，这些选择往往没有完美的结局，只有不同程度的妥协与牺牲。我特别喜欢其中一段关于“反派的合理性”的论述，作者坚持认为，一个真正成功的反派，其动机必须在某种扭曲的逻辑下，对创作者自身而言是完全自洽的。这种对人物心理深度的挖掘，让我开始重新审视那些我过去简单贴上“邪恶”标签的角色。书中用大量篇幅对比了古典悲剧英雄与现代疏离个体的内在差异，指出前者是在对抗命运，后者则是在努力抵抗虚无感。这种对人类境况的悲悯情怀，使得整本书的基调虽然沉重，却充满了人性的温暖，仿佛作者正站在历史的洪流中，温柔地记录着人类永恒的挣扎与追求光明的微弱火花。

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说实话，这本书的编辑工作似乎做得很“任性”，或者说，非常忠实于作者的思维跳跃性。章节之间的过渡常常是突兀的，仿佛你刚从一个关于舞台灯光的严肃技术讨论中抽离出来，下一秒就被抛入了一个关于“观众的集体潜意识”的哲学思辨之中。这种非线性的结构，初读时令人感到有些迷失方向，但细想之下，这不正像创作过程本身吗？灵感往往是碎片化的、不连贯的，需要创作者自己去搭建桥梁。书中穿插的那些看似无关的旁白，比如对某个城市黄昏景象的精准描绘，或者对某种特定乐器音色的偏爱，非但没有分散注意力，反而构建了一种独特的情感氛围，为那些高度理论化的讨论提供了感性的锚点。这让我明白，伟大的戏剧不仅仅是文字的排列组合，它更是一种对世界整体感受的捕捉和提炼，一种将所有的感官输入整合进一个统一的艺术视野中的宏大尝试。

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坦率地说，这本书的阅读体验是充满挑战性的，它绝非那种能让你在咖啡馆里轻松翻阅的消遣读物。它的行文风格是那种带着古典主义的严谨和现代主义的破碎感交织的混合体。我发现自己需要频繁地停下来，重新阅读那些措辞极其考究的句子，因为每一个词汇的选择都似乎是经过了深思熟虑，带着强烈的个人哲学烙印。书中对于“戏剧结构与时间感知”的论述，尤其令我印象深刻。作者似乎在试图打破传统线性叙事的桎梏，转而探讨记忆、预感和当下的三重奏如何构建起一个可信的舞台世界。那种对叙事节奏近乎数学般的精确把握，让我想起一些早期的先锋电影导演对蒙太奇手法的运用，只是这里的媒介是语言和舞台空间。对于那些习惯了清晰、直给的写作风格的读者来说，这可能会是一段曲折的旅程，但如果你愿意投入时间去解码这些复杂的思想迷宫，你会发现其中蕴含着对艺术本质的深刻洞察，那是对“被看见”的渴望，以及对“被理解”的无望挣扎的诗意表达。

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