具体描述
'Walker systematically and chronologically works through 39 case studies, starting in 1949 with Alfred Munnings and ending in 1998 with a sculptor guilty of stealing body parts. The accounts vary in depth and interest but all reveal some background in relation to the systematic manipulation of events by the media.' The Art Book When art hits the headlines, it is usually because it has caused offence or is perceived by the media to have shock-value. Over the last fifty years many artists have been censored, vilified, accused of blasphemy and obscenity, threatened with violence, prosecuted and even imprisoned. Their work has been trashed by the media and physically attacked by the public. In Art & Outrage, John A. Walker covers the period from the late 1940s to the 1990s to provide the first detailed survey of the most prominent cases of art that has scandalised. The work of some of Britain's leading, and less well known, painters and sculptors of the postwar period is considered, such as Richard Hamilton, Bryan Organ, Rachel Whiteread, Reg Butler, Damien Hirst, Jamie Wagg, Barry Flanagan and Antony Gormley. Included are works made famous by the media, such as Carl Andre's Tate Gallery installation of 120 bricks, Rick Gibson's foetus earrings, Anthony-Noel Kelly's cast body-parts sculptures and Marcus Harvey's portrait of Myra Hindley. Walker describes how each incident emerged, considers the arguments for and against, and examines how each was concluded. While broadly sympathetic to radical contemporary art, Walker has some residual sympathy for the layperson's bafflement and antagonism. This is a scholarly yet accessible study of the interface between art, society and mass media which offers an alternative history of postwar British art and attitudes.
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用户评价
这是一本让我彻夜难眠的书。它的文字密度极高，每一句话似乎都承载了大量的文化信息和批判性思维。我本来以为这会是一本比较“学术”的著作，但它的语言却充满了文学的张力，那种对既有秩序的挑战，简直像是一场文学上的“革命宣言”。书中对于“审美疲劳”的探讨尤其精妙，作者并非简单地抱怨艺术变得乏味，而是追溯了自工业革命以来，人类感官系统如何被不断地“超载”，以及艺术如何被迫升级它的刺激强度才能抓住我们的注意力。我最喜欢的地方是作者对“噪音”和“空白”在艺术表达中的作用的分析，他用极其优美的比喻，将那些被我们习惯性忽略的元素，提升到了与主体同等重要的地位。读完之后，我发现自己走路时都会不自觉地留意周围建筑的边缘处理，以及街边海报的设计缺陷——这本书的后劲实在太大了，它永久性地改变了我与日常环境互动的模式。它不是在教你如何欣赏艺术，而是在教你如何用更具批判性的眼光审视一切被呈现出来的“意义”。
评分这本《惊世骇俗的艺术》真是一部让人耳目一新的作品，它仿佛一剂强心针，直接注入到我对当代艺术的理解之中。我一直觉得，艺术的价值往往被那些故作高深的理论和晦涩难懂的标签所裹挟，让人望而却步。然而，这本书却以一种近乎挑衅的姿态，将那些被主流艺术界奉为圭臬的作品和现象，置于一个极其坦诚且毫不留情的审视之下。作者的笔触犀利无比，尤其是在探讨“美学边界”的消融时，那种近乎于拆骨剥皮的分析，让人不得不停下来思考：我们究竟在赞美什么？那些看似离经叛道的作品，究竟是天才的火花，还是市场操纵下的泡沫？我尤其欣赏作者对于色彩理论在公共空间中应用的历史回顾，那段文字描述得极具画面感，仿佛能看到那些曾经被禁止或被推崇的色彩，是如何一步步渗透到我们的视觉神经，最终成为我们习以为常的“品味”。这本书没有给我们提供任何舒适的答案，它迫使你放下心中的成见，去面对那些让你感到不适甚至愤怒的作品，并从中寻找一丝丝理性的脉络。读完之后，我感觉自己对“艺术品”这个概念的认知被彻底颠覆了，那种被挑战后的酣畅淋漓，是久违的阅读体验。
评分这本书的结构设计堪称一绝，它采用了非线性的叙事方式，仿佛在邀请读者主动参与到知识的构建过程中去。它没有提供一个明确的“结论”，而是留下了一系列引人深思的“开放式问题”。我必须承认，有些段落我需要反复阅读三四遍才能完全理解其中的多重含义，但这恰恰是它魅力的所在——它拒绝被轻易消化。作者对“反叛”这一主题的挖掘深远而复杂，他区分了真正具有内生动力的反叛和仅仅为了市场噱头而制造的“伪叛逆”。在探讨特定历史时期的艺术运动时，作者引入了大量的社会学和经济学视角，使得那些艺术家的动机和作品的接受度，都有了更为立体的解释。这本书不是一本轻松的读物，它要求读者投入时间、耐心和相当的智力储备。但它给予的回报是巨大的：一种对艺术领域内部运作机制的深刻洞察力，以及一种面对未来任何形式的视觉冲击时，都能保持清醒头脑的能力。这是一本值得被放置在任何知识分子书架上的，具有持久价值的文本。
评分翻开这本书的瞬间，我就被那种扑面而来的、近乎于新闻调查般的严肃性所吸引。它不像是一般的艺术史梳理，更像是一份深挖已久的行业内幕报告，只不过它的主题是关于“视觉冲击力”的机制。作者似乎对艺术史上的每一个重大转折点都保持着一种怀疑者的视角，他没有简单地歌颂创新，而是深入剖析了“惊悚”和“震撼”是如何被系统性地构建和量化的。我印象最深的是对特定艺术家的个案研究，那些分析精确到了他们使用材料的化学成分，以及这些材料如何影响观众的生理反应。这种跨学科的融合，让原本枯燥的理论变得鲜活起来，读起来既有学术的严谨，又不失故事的跌宕起伏。特别是书中关于“公共展示中的伦理困境”那几章，作者以一种近乎法庭辩论的口吻，列举了大量案例，探讨了艺术的表达自由与社会容忍度之间的微妙平衡。这本书的排版和配图选择也十分考究，每一张图的选取都像是精心设计过的伏笔，与文字内容形成了强烈的张力，让读者在视觉和智力上都得到了充分的刺激。这是一本需要反复咀嚼、值得珍藏的深度读物。
评分老实说，这本书的阅读过程，与其说是享受，不如说是一种智力上的“搏斗”。它的行文风格是极其奔放且跳跃的，仿佛作者的思绪在不同的时空和媒介之间自由穿梭，上一秒还在探讨文艺复兴时期的光影处理，下一秒就跳跃到了数字媒体时代的像素失真问题。这种看似松散实则紧密连接的叙事结构，极大地考验了读者的专注力。但一旦你跟上了作者的节奏，你会发现，他正在编织一张宏大的理论网络，将所有看似不相关的“出格”艺术现象串联起来。我尤其佩服作者对于“观看的权力”这一概念的阐释，他指出，我们对艺术的反应，很大程度上是被预设好的，而那些真正具有颠覆性的作品，恰恰在于它们打破了这种既定的“观看脚本”。这本书的论证过程充满了个人的主观色彩，但这并不妨碍其深刻性，反而增添了一种真实的、不容置疑的激情。对于那些习惯了平铺直叙的艺术评论的读者来说，这本书无疑是一次颠覆性的体验，它像一把尖锐的手术刀，剖开了我们对艺术的集体幻觉。
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