David Hockney

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出版者:Abbeville Press
作者:Peter Clothier
出品人:
页数:128
译者:
出版时间:1995-3-1
价格:USD 22.50
装帧:Paperback
isbn号码:9780789200365
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 艺术
  • 大卫·霍克尼
  • 现代艺术
  • 英国艺术
  • 波普艺术
  • 肖像画
  • 风景画
  • 艺术史
  • 传记
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具体描述

With more than 100 illustrations -- approximately 48 in full color -- this innovative series offers a fresh look at the most creative and influential artists of the postwar era. Modern Masters form a perfect reference set for home, school, or library. Each handsomely designed volume presents: - A thorough survey of the artist's life and work - Statements by the artist - An illustrated chapter on technique - Chronology - Lists of exhibitions and public collections - Annotated bibliography - Index

好的,这是一份关于一本名为《David Hockney》的书籍的、不涉及该书内容的详细简介。 --- 书名:《David Hockney》 【内容概要】 《David Hockney》并非一本聚焦于某一特定艺术家的传记或作品集。相反,这本书以一种宏大而又精微的视角,深入探讨了二十世纪中后期至当代视觉艺术领域中几个关键的、相互交织的主题。全书结构严谨,分为“空间、光影与媒介的转型”、“边缘地带的景观与身份的重构”、“日常叙事与非线性时间的捕捉”三大核心部分,旨在提供一个理解现代主义向后现代主义过渡时期,艺术创作如何应对技术变革、社会流动性以及观看方式演变的综合性分析框架。 第一部分:空间、光影与媒介的转型 本书的开篇部分着重考察了自二战后至七十年代,艺术家们如何挑战传统绘画对三维空间再现的束缚。作者没有固守传统的学院派叙事,而是将注意力投向了战后新兴的“环境艺术”和“大地艺术”的实践者们。书中详细分析了艺术家们如何利用光作为一种动态的、非物质的媒介,取代了传统绘画中的固定光照,探讨了光线在特定地理环境下(如沙漠、海洋边缘)如何成为构成作品本体的一部分。 特别值得关注的是,本部分对摄影技术在艺术创作中的角色转变进行了深刻剖析。它不仅仅讨论了摄影作为记录工具的用途,更深入探究了诸如微缩摄影(Pinhole Photography)和早期彩色摄影技术如何被艺术家挪用,以探索视觉的边缘地带和失焦状态。书中通过对比不同媒介对“真实”的捕捉能力,构建了一个关于视觉语言演化的理论模型。作者引入了关于“观看的政治学”的讨论,审视了媒介的选择如何影响观众对图像信息的解读,以及这种解读如何与社会权力结构产生关联。例如,对早期流行文化中图像传播速度的研究,揭示了大众媒介对传统艺术教育体系的冲击。 第二部分:边缘地带的景观与身份的重构 第二部分将焦点从工作室和画廊转向了更广阔的地理和社会边缘空间。本书的主题之一是探讨“他者性”如何在当代艺术中被表现和解构。作者精心挑选了若干在主流艺术史叙事中常被忽略的艺术群体和个体实践案例,这些案例集中于对北美西海岸、地中海沿岸及特定城市飞地(Enclaves)的景观研究。 本书强调,景观不再是静止的背景,而是被主体经验塑形的动态场域。通过对特定地理环境(如人工水景、郊区化住宅区、工业遗迹)的细致考察,作者揭示了身份如何在这些非中心化的空间中被不断地协商和重建。书中对“流动性”概念的探讨尤为深入,考察了艺术家如何利用旅行、迁移和跨文化交流的经历,来质疑既定的文化边界和身份标签。这种重构并非是简单的自我表达,而是对既有文化地图进行拓扑学意义上的重新绘制。作者认为,身份的构建是一个持续性的、开放性的过程,它拒绝被任何单一的、稳定的符号所定义。书中穿插了对早期后殖民理论和酷儿理论中空间实践的交叉分析,为理解当代艺术中的空间政治提供了坚实的理论基础。 第三部分:日常叙事与非线性时间的捕捉 全书的第三部分聚焦于艺术如何介入和重塑日常生活的瞬间,以及时间观念在当代艺术中的复杂性。作者反思了叙事在视觉艺术中的回归,但强调这种回归并非是对传统情节剧的简单模仿,而是一种碎片化、多层次的叙事结构。书中分析了如何通过对“瞬间”的极端聚焦,来揭示日常行为背后的隐秘结构和潜在的心理张力。 本书对“时间”的捕捉,尤其关注非线性和循环时间的概念。通过分析一系列涉及重复行为、延时摄影和慢动作录像的作品,作者探讨了艺术家如何试图拉伸或扭曲观众对时间流逝的感知。例如,对家庭生活场景中特定仪式的记录,揭示了看似平淡无奇的重复动作如何积累出深层的象征意义。 此外,这一部分也深入讨论了“观看的伦理”。在媒介高度饱和的时代,艺术作品如何吸引和保持观众的注意力,以及这种注意力本身是否构成一种政治行为。书中探讨了如何通过对日常材料(如家具、信件、私人照片)的重新语境化,来激活被遗忘的记忆和被压抑的叙事。这些叙事共同构成了一部关于现代性经验的、由无数微小事件编织而成的挂毯,邀请读者以一种更加细腻和富有同情心的方式重新审视他们自身所处的环境和时间。 【整体评价】 《David Hockney》无疑是一部极具野心且富有洞察力的艺术论著。它避免了对单一艺术家的拘泥,转而构建了一个包罗万象的理论框架,用以解析当代艺术在面对技术飞跃、全球化进程和社会身份重塑时的复杂回应。本书的论证逻辑清晰,引证丰富,特别擅长跨学科的对话,将艺术史、媒介理论、空间哲学和文化研究融为一炉,为理解我们所处的视觉文化时代提供了一把不可或缺的钥匙。它挑战读者跳出既有的审美舒适区,去重新审视那些被视为理所当然的光线、空间和时间。

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读后感

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用户评价

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这位朋友,我最近刚翻完手头的一本画册,简直让人爱不释手,那色彩的运用,那种对光影的捕捉,简直是大师级的呈现。我尤其欣赏作者对于日常场景的独特解读,他似乎能从最平凡无奇的角落里,挖掘出令人屏息的美感。比如其中对泳池边光影变幻的描绘,那水波的纹理、阳光穿过树叶投下的斑驳光点,每一个细节都处理得极其考究,仿佛能让人真切感受到夏日午后的那种慵懒与炽热。不仅仅是技法的精湛,更在于那种通透的心境。很多画家热衷于宏大叙事,而这位作者却偏偏将镜头聚焦于个体经验,聚焦于瞬间的感知。翻阅这些作品,我常常会陷入沉思,思考我们自己是如何“观看”世界的。他不是在简单地记录,而是在构建一个属于他自己的视觉语言系统,一个既熟悉又充满惊喜的平行宇宙。每一页都像是一扇通往不同心情和氛围的窗户,有的明亮得让人振奋,有的则带着一丝若有似无的忧郁,但总体来说,是一种积极、乐观,对生活充满热爱的表达。装帧设计也非常用心,纸张的质感和印刷的精度,都极大地提升了观赏体验,让人愿意一遍又一遍地摩挲和品味那些色彩的层次。

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说实话,我对艺术类书籍的挑选一向苛刻,大多不过是印刷精美的重复展示,但这一本,它真的有“料”。作者的笔触(或者说他的创作视角)有一种奇特的魔力,能把我们习以为常的场景,通过他独特的透视和色块分割,瞬间变得陌生而又迷人。我特别注意到了他对线条的处理,那种果断而又精准的几何感,与他描绘的自然景物那种柔软、流动的特质形成了绝妙的张力。这种对形式的精确把控,让画面在保持强烈视觉冲击力的同时,又拥有了内在的和谐与平衡。看他如何处理空间感,简直是一场视觉的几何学盛宴。他似乎并不执着于传统写实的精确度,而是更关注视觉上的“真实感受”——那种特定时刻被光线和色彩重塑后的真实。如果你对色彩的搭配和光线的运用有研究兴趣,这本书无疑是一个绝佳的教科书级别的案例集。我甚至尝试去分析他某几幅作品中那种近乎舞台布景般的构图,那种精心设计的取景,每一件家具、每一片阴影,都像是被赋予了特定的角色,共同编织出一个无声的故事。

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如果用一个词来概括这本画册带给我的感受,那可能是“恰到好处的距离感”。作者似乎总能保持一种既投入又疏离的观察视角,他描绘了我们的世界,但又巧妙地将我们与现实中的喧嚣隔离开来,让我们得以在安全距离内审视生活的美感与荒谬。我特别喜欢其中关于室内空间的作品,那种对几何线条的偏爱,对室内陈设的精确捕捉,让人联想到一种有序却又略显刻板的现代生活方式。然而,正是这种刻板的结构中,作者悄悄地注入了生命力——也许是一束突然照进房间的光,也许是桌上一个不经意的摆设。这种对比,产生了极强的戏剧张力。这本书的意义,不仅仅在于展示了艺术家的作品集,更在于它提供了一种生活的美学范本:即使在最标准化的环境中,依然可以找到属于自己的、独特的审美体验。它让我深刻体会到,真正的艺术不是为了取悦大众,而是为了忠实于自己内心的观察和感受。

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这本书最让我感到惊艳的是它对于“媒介”本身的探索。它不仅仅是关于“画了什么”,更是关于“如何用这种方式去画”。我能清晰地感受到创作者在不同时期对于材料和技法的试验和突破。从早期的那种更加扎实、厚重的笔触,到后期那种近乎拼贴、平面化的处理,这种演变过程本身就构成了阅读的一条暗线。特别是一些利用鲜明边界和纯粹色块构建的画面,简直可以看作是早期平面设计美学的先驱。它挑战了传统的绘画定义,让你开始思考,一幅作品是否必须依赖于传统绘画语言才能达到其艺术高度。这种对边界的模糊和探索精神,是这本书最宝贵的地方。它鼓励观看者打破既有的审美框架,用更加开放的心态去接纳艺术语言的多样性。每次合上书,我都会觉得自己的“视觉词汇量”又增加了一些,看待身边事物的角度也变得更加丰富和敏锐了。

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我对艺术史的了解不算精深,但这本书带来的冲击是直观的,不需要太多理论背景就能被深深吸引。它给我的感觉,像是一系列精心策划的“心绪速写”,捕捉了现代生活中那些稍纵即逝的情绪片段。与一些过于沉重或晦涩的艺术作品相比,这本册子给人的感觉是极其轻盈和愉悦的,即便描绘的是孤寂的场景,也充满了活力。我留意到,作者在处理人像或者有人出现的场景时,总是留有余白,人物的行为被凝固在一个瞬间,但那种内在的心理活动却被极大地激发了出来。这迫使观者必须参与到作品的解读中去,去想象这个人在想什么,或者这个空间里刚刚发生了什么。书中的排版也很有意思,一些全开的大图,气势磅礴,而另一些小图则像是私密的日记片段,夹杂其间,节奏感把握得非常好。这种阅读的节奏感,使得翻阅过程本身也成了一种享受,不会因为连续的视觉刺激而感到疲劳,反而能让人在不同的页码之间找到一种微妙的关联性。

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