Chinese Sculpture from the Fifth to Fourteenth pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Orchid Press

作者:Osvald Siren

出品人:

页数:1000

译者:

出版时间:2006-7-8

价格:USD 180.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781878529336

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 佛教美术
• 艺术史
• 喜仁龙
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中国古代雕塑艺术的辉煌：从早期佛教造像到宋元世俗艺术的变迁 本书旨在深入探讨中国雕塑艺术自魏晋南北朝时期（公元5世纪初）至元代（公元14世纪）长达九百余年的发展脉络、风格演变及其背后的社会文化意涵。我们聚焦于这一时期雕塑艺术所经历的深刻变革，它不仅是中国艺术史上的一个重要阶段，也是世界艺术宝库中独树一帜的瑰宝。 第一部：魏晋南北朝的开端与融合（公元5世纪—6世纪） 本部分将重点考察中国雕塑艺术在佛教文化全面输入和本土化过程中的初始形态。 第一章：佛教的东传与早期造像的“异域风貌” 魏晋南北朝时期，伴随佛教的广泛传播，雕塑艺术成为传教载体与信仰寄托的核心形式。我们首先分析印度犍陀罗艺术和笈多王朝艺术对早期中国雕塑的影响。这一阶段的造像，尤其是在石窟寺（如云冈石窟的早期阶段）中，呈现出明显的“胡风”特征：面相丰满或瘦削、高鼻深目、衣纹厚重且呈“曹衣水袋”状，雕刻技法上多采用浅浮雕和高浮雕相结合的方式。 重点研究地域差异：北魏孝文帝迁都洛阳前后，雕塑风格如何从云冈的雄浑转向龙门石窟的秀丽与内敛。在龙门宾阳洞的造像中，我们能清晰地看到“秀骨清像”的美学倾向，佛像的躯体趋向扁平化、衣纹线条化，这标志着中国本土审美意识的初步介入。 第二章：南北对峙下的地域风格分野 南北朝时期，由于政权和文化中心的割裂，雕塑艺术展现出鲜明的地域性。 北方石窟艺术的世俗化倾向： 北魏后期至东魏、北齐，造像趋于“秀骨清像”的极致，佛像的面容变得日益“人性化”，带有淡淡的微笑，衣褶的雕刻从早期的写实性转向高度程式化的线条组合。这一时期的造像，如河北响堂山石窟的力士像，已显现出雄健而略带夸张的世俗化特征，为后来的唐代艺术铺平了道路。 南方造像的精致与文人趣味： 南朝地区虽然石窟规模不及北方，但金铜造像和木雕、砖雕极为发达。南方造像受文人阶层审美影响，更注重神态的内敛和细节的打磨，体现出一种典雅、秀美的文人趣味。 第二部：隋唐盛世的成熟与巅峰（公元7世纪—10世纪初） 隋唐时期，中国的政治、经济和文化达到空前的高度，雕塑艺术也随之迎来鼎盛。这一时期的核心特征是“博大精深”、“气韵生动”，以及多元文化的深度融合。 第三章：隋代的过渡与气象的奠定 隋代（约581-618年）是承前启后的关键时期。经过南北朝近三百年的融合，雕塑家们开始摆脱早期对异域风格的模仿，转向创造具有强烈生命力和健康美感的本土风格。隋代造像面相趋圆润、躯体饱满，衣纹的厚重感减弱，开始出现S形曲线的初步运用。我们考察西安莲花埲、洛阳龙门奉先寺的局部细节，以理解其如何为唐代“盛唐气象”打下基础。 第四章：唐代雕塑的辉煌：“写实”与“理想”的统一 唐代雕塑，特别是石窟和寺庙中的大型雕像，是中国古代艺术的巅峰。 初唐的奠基与法度的确立： 承袭隋制，初唐雕塑气势磅礴，开始注重人体解剖结构的准确性。如卢舍那大佛的早期形象，已显现出雍容大度的气度。 盛唐的极致美学： 盛唐时期（约700-755年），雕塑达到了前所未有的成熟。佛像、菩萨像面容丰腴、目光慈祥，体态健硕，衣纹自然下垂，被称为“褒衣博带”。例如，龙门奉先寺的主像，已完全摆脱了早期佛教雕塑的拘谨，展现出一种强大而自信的人类理想形象。彩塑和干漆夹纻造像的兴起，使得雕塑的写实性、色彩表现力达到极致。 中晚唐的内省与变化： 安史之乱后，雕塑风格略有转变。菩萨像的面容开始变得清瘦、更具女性的柔美，神态也趋于内敛和感伤，显示出对个体情感的关注。晚唐时期的雕塑，在技法上依然精湛，但在气势上已不如盛唐那样昂扬。 第三部：五代十国至宋元的转型（公元10世纪—14世纪） 唐末战乱后，雕塑艺术进入了一个深刻转型期，从供奉性的宗教艺术向世俗化、更具文人趣味和写实精神的方向发展。 第五章：五代十国的地域性复兴与探索 五代十国时期，南北政权更迭，雕塑艺术在局部地区获得了相对独立的进一步发展。南方（如吴越地区）的金铜造像工艺精湛，受宫廷审美影响，造型趋向小巧、精致。北方（如后蜀、辽、金）的石雕和木雕则保留了部分唐代的遗风，但更强调细节的雕琢和人物性格的刻画。 第六章：宋代雕塑的世俗化与“文人化” 宋代（960-1279年）是中国文化审美发生巨变的时期。随着理学的兴起和市民阶层的壮大，雕塑艺术的宗教性减弱，世俗性、写实性增强。 世俗题材的增加： 佛像面相变得更具亲和力，更贴近日常生活中的人物。同时，罗汉像和供养人的雕刻数量大增，罗汉的形象从早期严肃的僧侣形象，转变为个性鲜明、富于人性、带有世俗生活气息的“老僧”形象。 “写实”技巧的突破： 宋代雕塑家（如刘涓、王潮音）对人体解剖结构的研究更为深入，尤其在描绘老年、病态或特定情绪的体态上，达到了前所未有的高度。干漆夹纻工艺成熟，使得造像轻便、易于搬运和保存，为后来的南方雕塑发展奠定了技术基础。 第七章：元代雕塑：民族融合与工艺的集大成 元代（1271-1368年）的雕塑艺术是多元文化交融的产物。藏传佛教在元朝宫廷的推崇，使得尼泊尔（帕拉风格）的雕塑艺术对汉地产生了巨大影响。 藏传佛教艺术的强势介入： 元代宫廷造像多采用泥塑、木雕或铜鎏金工艺，风格趋于“金刚化”和“密宗化”。造像体态健硕、装饰繁复、动态感强，服饰和头饰的雕刻带有明显的异域特征，与宋代内敛的风格形成鲜明对比。 汉地匠人的应对与融合： 传统汉地雕塑工匠一方面继续精进宋代的写实技法，另一方面积极吸收异域元素，在保持自身美学体系的同时，丰富了雕塑的表现力。这一时期的雕塑，标志着中国古代雕塑艺术对宗教题材的最后一次大规模、全方位的系统性诠释，并为明清的世俗艺术发展预留了转折的契机。 本书通过对各个历史阶段雕塑材料、地域特色、技术进步和审美取向的细致梳理，力求展现中国雕塑艺术在五代至十四世纪间，如何从外来宗教的载体，逐渐演变为深刻反映时代精神和社会人文关怀的综合性艺术门类。

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从研究范畴的广度来看，这本书的视野非常开阔，它成功地将中国本土的雕塑艺术放置于更广阔的全球艺术史背景中进行审视。我注意到，书中穿插了一些对同期印度、东南亚，乃至拜占庭艺术风格的对比性分析，这种跨文化比较的视角，有力地论证了艺术交流的普遍性规律。它清晰地展示了“中国化”的过程并非是一个封闭的单向吸收，而是一个复杂的主动筛选、消化和再创造的动态过程。书中对于“地方性”的探讨也极其到位，不仅关注了长安、洛阳等权力中心，还对偏远石窟和寺庙的造像进行了深入挖掘，揭示了不同地区在资源、信仰和工匠群体差异下所形成的独特美学风格。这种对“中心与边缘”关系的细腻处理，使得全书的论述不再是线性的、单一的，而是立体而多元的，为理解中国雕塑艺术的复杂性提供了一个极其坚实且富有洞察力的框架。

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内容编排的逻辑性简直是教科书级别的范本，它没有采用那种平铺直叙、按时间顺序简单罗列的陈旧模式，而是巧妙地以“地域风格的演变与互动”为主线索进行结构布局。比如，在探讨早期佛教造像的“犍陀罗影响”时，作者并没有孤立地描述中国境内的变化，而是通过对比同期中亚和南亚的造像风格，精准定位了文化传播的路径和本土化的节点。这种宏观视野的构建，极大地拓宽了读者的认知边界。更精彩的是，书中对某一特定时期（比如北魏云冈石窟的早期风格）的分析，不是简单地描述“形制如何”，而是深入剖析了“社会动荡如何体现在雕塑语言的粗犷与力量感上”，将艺术史与社会史、政治史无缝衔接起来。阅读过程中，我发现自己不再是被动地接收信息，而是在跟随作者的引导，进行一场跨越地域与时空的深度对话，不断发现新的联系点和解释的维度，这种阅读的智力满足感是极高的。

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作者的叙事风格呈现出一种罕见的、既充满学者的严谨性又不失文学性的优雅。它摆脱了纯粹学术论著的枯燥和晦涩，用词考究，句式错落有致，阅读起来有一种沉浸式的体验。举个例子，当描述某尊唐代石刻佛像的神态转变时，作者会使用类似“其微笑收敛了北魏的虔诚，转而流露出一种洞悉世事的雍容与淡然”，这种拟人化的描述，使得冰冷的石头仿佛有了生命和情感的波澜。更难得的是，作者在引用古代文献和碑刻文字时，处理得非常自然流畅，引文不是简单地堆砌，而是作为论证链条中不可或缺的一环，与现代分析紧密结合。这种将历史“活化”的能力，极大地提升了阅读的愉悦度，让人在学习专业知识的同时，也能享受到文字本身的魅力。这使得即使是对雕塑研究背景不深厚的读者，也能被其流畅的文笔所吸引，持续翻阅下去。

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这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮，封面选用了那种略带磨砂质感的深色纸张，触感温润，中央那幅高浮雕的佛像局部特写，线条的细腻和光影的过渡处理得极其考究，让人仿佛能感受到千年石膏的冰冷与坚韧。打开内页，纸张的磅数和白度都达到了极高的水准，印刷的墨色浓郁，即便是对细节要求苛刻的雕塑线条，也能展现出清晰锐利的边缘和丰富的层次感。尤其值得称赞的是对拓本和手绘图的收录，许多细节图的放大比例恰到好处，弥补了直接观看原作时难以捕捉到的微小纹理和凿痕。我曾翻阅过不少关于古代艺术史的图册，但像这样在实体制作工艺上如此下本的，实属罕见。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品本身。装帧的牢固度也让人放心，厚重的版式和精良的装订技术，确保即便是经常翻阅，扉页和插图也不会松动或脱落。这对于研究者和爱好者来说，意味着它能经受住时间的考验，成为案头常备的参考书。

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书中对雕塑材料和技法层面的探讨，达到了令人叹服的专业深度。作者显然投入了大量精力进行了一手资料的考证和实验考古学的理解。对于陶俑、木雕、石刻等不同材质的特性及其对艺术表达的制约与促进作用，分析得入木三分。比如，当谈到宋代以后木雕的兴盛，书中不仅介绍了木材的选择、榫卯结构的精妙，还详细解释了漆饰和彩绘层下，木质本身的纹理如何被“隐藏”或“凸显”以服务于整体的宗教叙事。对于泥塑部分，更是提供了关于范土配方、烘烤温度对成品耐久性的影响等细节，这些是普通艺术史著作中鲜少触及的硬核知识。我特别欣赏作者在描述技艺时，所采用的精确且富有画面感的词汇，它们仿佛带着泥土和凿子特有的气息，让人仿佛亲临工匠的作坊。这使得这本书对于那些对工艺美术、材料科学感兴趣的读者而言，具有极强的吸引力和参考价值。

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