具体描述
Howard Hodgkin is now being acknowledged as one of the great painters of modern times and one of the most inventive and original colourists of the 20th century. His paintings exist at the margin between representation and abstraction, bright mosaics shot through with hints and suggestions and glimmerings of recognisable form. They are intelligent objects, constantly in dialogue with the art of the past, but they wear their learning lightly. The cryptic intensity of Hodgkin's art stems from the artist's self-confessed desire to be true to his feelings, to embody his passions and fears, his aspirations and his anxieties, in the medium of oil paint. The humanity of his art is both touching and profound. Andrew Graham-Dixon's study of Hodgkin's work is written in a free and discursive spirit. It investigates Hodgkin's rich and complex art through its guiding themes and elucidates the passions and preoccupations that lie behind the paintings. Avoiding the chronological plod of many monographs, the book focuses on the essence of Hodgkin's paintings as the author explores their themes and strategies in great detail. He examines Hodgkin's complex use of scale and colour, the nature of his pictorial language, the frequent eroticism of his art and the notions of time and of experience that it embodies - and finds a tension in the work between exuberance and melancholy. Graham-Dixon argues that Hodgkin is a classic modern painter, but in an old-fashioned sense; an artist who meets Baudelaire's call for "a painter of modern life". Hodgkin stands confirmed by this richly illustrated study as one of the most remarkable painters of human experience, an artist whose achievement is to have created equivalents, in painting, for the texture of memory itself. Andrew Graham-Dixon has been the art critic of "The Independent" since the newspaper was launched in 1986. He was voted BP Arts Journalist of the Year in 1988 and received the Hawthornden Prize for Art Criticism in 1992.
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用户评价
这本书的真正价值，在于它提供了一个极具启发性的“错位”视角。它并未试图将主题人物“神化”或“固定”在某个单一的流派标签之下，而是像一个高明的解剖师，拆解了不同时期、不同影响源之间微妙的张力与妥协。作者在评论中不断地抛出反问，挑战读者对既定美学的固有认知。例如，在探讨某个创作转折点时，作者并没有直接给出肯定的结论，而是呈现了两种截然相反的批评声音，然后将判断的权力完全交给了读者。这种“不给标准答案”的勇气，是这本书最让我敬佩的地方。它教会我的，不是“应该如何看待”这位艺术家，而是“应该如何提问”。阅读完这本书，我感到我的艺术词汇库并没有增加多少新的术语，但我对“观看”本身的理解却发生了质的飞跃。它成功地将一个既定的艺术主题，转化为了一场关于感知、判断与自我对话的深刻哲学思辨，极大地拓宽了我对艺术史研究范式的想象空间。
评分这本书带来的感官体验，远不止于视觉和触觉，它在声音的想象层面也做到了极致的引导。虽然它是一本无声的书籍，但通过对光影和质感的细腻描绘，作者成功地“暗示”了某种听觉环境。比如，在描述某些特定时期作品中大面积的平面化处理时，文字的节奏变得极其缓慢、平稳，读者几乎能“听见”画布上颜料干燥时发出的那种沉寂感。相反，在涉及激烈创作冲动的篇章，文字则变得短促、断裂，充满了呼吸的急促感，仿佛能捕捉到画笔快速扫过媒介时的沙沙声。这种对其他感官的调动，极大地丰富了阅读的维度。它不再是单纯地用眼睛去看图像，而是调动了全身心的感知系统去“体验”作品背后的能量流动。我发现自己读完一章后，往往需要停下来，调整一下自己的内心频率，因为那种被文字激发出的“内在噪音”太过强烈。这种对阅读过程的全面性要求，是很多艺术书籍望尘莫及的。
评分这本书的叙事逻辑，坦白说，初读时颇有些令人困惑，它并非那种线性叙事或清晰的编年史。它更像是一场精心编排的梦境，章节之间的跳跃充满了暗示和回响。作者似乎刻意避免了对艺术家创作历程进行教科书式的梳理，转而采用了一种更接近于心流（Stream of Consciousness）的结构。我发现自己必须放下“寻找答案”的执念，转而享受这种游走的体验。比如，一个讨论早期色彩理论的章节，其后的配图可能毫无预兆地跳跃到了晚期作品的局部特写，但当你细看这两部分内容时，会发现一种微妙的、内在的色彩关系被悄然建立起来。这种非线性的安排，反而迫使读者主动去构建联系，去填补那些留白处的意义。它挑战了我们习惯的阅读习惯，要求读者以更直观、更感受性的方式去接近主题。对我而言，这是一种智力上的愉悦，因为它将“阅读”重新定义为一种主动的“发现”过程，而不是被动的“接收”过程。每次重读，我都会发现自己因为前一次阅读积累下的认知碎片，而在新的路径上看到了截然不同的风景。
评分与其他同类主题的艺术书籍相比，这本书在引文和文献的选取上，展现出一种令人耳目一新的锐度。很多被引用的评论或艺术家的私信片段，并非是那些被翻烂了的、人尽皆知的金句。编辑团队显然投入了巨大的精力去挖掘那些埋藏在档案深处的、更具棱角和争议性的文本。这些文字，往往带着一种原始的、未经修饰的力量，它们直接撞击读者的认知边界。特别是那些跨越了不同时期、来自不同文化背景的艺术家的相互印证，构建了一个复杂而微妙的对话场域。阅读这些引文时，我能清晰地感受到一种学术的严谨性与文学性的完美融合。它们不是简单的注释或旁白，而是与主体内容相互缠绕、彼此撕扯的独立存在。这种选材的“任性”和“精准”令人印象深刻，它拒绝提供一个和稀泥的、面面俱到的概述，而是勇敢地展示了艺术家创作过程中那些充满挣扎、自我怀疑和突破的真实瞬间。这使得全书的基调既有学者的深度，又不失文学作品的张力。
评分这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从触感细腻的封面纸张到内页墨色的呈现，无不透露着一种精心打磨的匠心。每一次翻阅，都像是在触摸艺术史的肌理。我尤其欣赏它在排版上的大胆与克制——大胆之处在于那些跨页的大幅图像几乎要溢出书页的边界，将阅读体验推向极致的沉浸感；而克制则体现在文字部分的留白，那些深思熟虑的章节标题和引文，如同画作之间的呼吸空间，让观者有足够的喘息和消化时间。装帧的细节处理，比如烫金工艺在特定元素上的运用，并非是为了炫耀，而是精准地烘托了内容的核心情绪。阅读的过程，与其说是吸收信息，不如说是一种仪式感的重现，仿佛每一次翻页，都是在重新揭开一幅等待被解读的画布。这绝不是那种匆匆忙忙印制的快餐读物，它需要时间，需要一个安静的下午，需要一杯热饮相伴，才能真正体会到设计者想要传达的那份对媒介本身的尊重与热爱。这本实体书本身，已经超越了“载体”的范畴，它成为了展示艺术家精神世界的一个重要组成部分，其重量和质感，都是对其中所承载思想的有力背书。
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