The Theater of Tony Kushner (Studies in Modern Drama)

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出版者:Routledge
作者:James Fisher
出品人:
页数:288
译者:
出版时间:2002-07-26
价格:USD 29.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780415942713
丛书系列:
图书标签:
  • 文学理论
  • 戏剧
  • Tony Kushner
  • American Drama
  • Modern Drama
  • Theater Studies
  • LGBTQ+ Literature
  • Political Theater
  • AIDS Literature
  • Jewish American Literature
  • Drama Criticism
  • Angels in America
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具体描述

The Theater of Tony Kushner is a comprehensive portrait of the life and work of one of America's most important contemporary playwrights. Kushner established himself as a preeminant figure in American theatre with his towering two-play epic, Angels in America , in the early 1990's and continues to raise complicated and frightening questions about morality, politics and sexuality in his most recent play Homebody/Kabul , a prescient meditation on Afghanistan that debuted only a few months after September 11. In this sweeping chronicle of the Pulitzer prize-winning playwright, theatre scholar James Fisher examines these works alongside all of Kushner's full-length, one-act and adapted works to illuminate his progressive politics, his techniques and themes, and his place in American and international drama. This book is an essential introduction to Kushner's oeuvre for anyone with an interest in contemporary theatre, and a trove of scintillating insights and anecdotes for Kushner's many fans.

剧场与时代的回响:二十世纪下半叶美国戏剧的多元探索 作者:[此处可自行想象一位学者的名字,例如:艾伦·R·麦克布莱德] 出版社:[此处可自行想象一家严肃的学术出版社名称,例如:普林斯顿大学出版社] 页码:约 480 页 定价:[此处可自行想象一个学术书籍的价格] --- 内容简介: 本书深入剖析了二十世纪后半叶美国剧场发展轨迹中的关键转折点与核心议题,聚焦于在社会剧变、政治动荡以及文化身份重塑的背景下,美国戏剧如何从传统叙事模式中挣脱,转向更具实验性、更具批判性的表达疆域。我们所关注的,是一群勇于直面时代复杂性的剧作家群体,他们不再满足于对现实的简单模仿,而是致力于建构能够承载宏大历史叙事与个体存在焦虑的“新剧场”。 本书的结构围绕着三个核心的戏剧性转向展开:对历史与记忆的重访、对身份政治的解构与重塑,以及形式语言的激进实验。 第一部分:历史的阴影与舞台上的创伤记忆 二十世纪下半叶的美国剧场,无法回避越战的创伤、民权运动的余波以及冷战带来的普遍性焦虑。本部分首先考察了那些试图将“大历史”事件——从麦卡锡主义的恐慌到肯尼迪遇刺事件的迷思——转化为舞台可感经验的剧作实践。 我们仔细审视了 亚瑟·米勒(Arthur Miller) 晚期作品中对美国梦破灭的持续探问,尤其关注其如何通过对社会结构而非仅仅是家庭悲剧的关注,来拓宽悲剧的范畴。米勒后期的剧作显示出一种对历史责任的沉重反思,他不再局限于中产阶级的道德困境,而是将目光投向了更广阔的社会体制的病灶。 此外,本部分对 托尼·莫里森(Toni Morrison) 在戏剧领域所做出的贡献进行了详尽的分析。虽然她以小说闻名,但其剧本(如《鬼魂之歌》的早期排练版本)展示了非裔美国人叙事中对集体记忆和祖先之声的独特处理方式。她的作品挑战了主流历史叙事的单一性,坚持将奴隶制的幽灵与当代种族关系置于同一舞台空间进行共谋。这种对“被遗忘的历史”的戏剧化处理,是理解后现代美国剧场不可或缺的一环。我们探讨了在舞台上呈现创伤记忆的伦理困境,以及剧作家如何使用非线性叙事和多重声音来避免对痛苦的简单再现。 第二部分:身份的重构——性别、性向与地域政治 从六十年代末开始,剧场成为了身份政治激烈辩论的场所。本部分探讨了女性主义剧场、酷儿剧场以及多元文化主义的兴起,如何共同塑造了一个不再以白人男性为中心的戏剧景观。 我们深入分析了 玛莎·诺曼(Marsha Norman) 和 贝丝·亨特利(Beth Henley) 等剧作家的作品。她们的作品,如诺曼对女性忍耐极限的刻画,或亨特利对南方怪癖(Southern Gothic)的黑色幽默化,揭示了女性在日益流动的社会结构中对自我定义的持续斗争。这些剧作往往通过高度个人化的场景,映射出结构性的性别压迫。 更为激进的是酷儿剧场对“规范性”的挑战。本部分着重考察了 哈维·费尔斯泰因(Harvey Fierstein) 等人早期作品中对边缘群体生活和语言的肯定性展现,以及如何将同性恋社群的内部矛盾和外部压力搬上主流舞台。这些剧作家不仅在角色身份上进行探索,更在剧场形式上模仿了“异化”和“拼贴”的特性,以反映非主流经验的破碎性与丰富性。他们挑战了传统戏剧中关于“完整性”和“可理解性”的既有规范。 此外,地域身份的重要性也被凸显出来。来自不同族裔背景的剧作家(如对拉丁裔、亚裔美国人剧作的初步考察)开始挑战纽约百老汇中心主义的文化霸权,通过植根于特定地域文化和语言习惯的叙事,为美国戏剧注入了前所未有的地方色彩与政治张力。 第三部分:语言与空间:形式的激进实验 随着对传统现实主义美学的反思加深,许多剧作家开始探索新的戏剧语言,试图创造出能够反映复杂现实的“替代性形式”。本书将此视为对 20 世纪初表现主义和荒诞派的继承与颠覆。 我们分析了 山姆·谢帕德(Sam Shepard) 在他中晚期作品中对美国西部神话的解构。谢帕德的剧作语言充满了碎片化的意象、循环的对话和突然的暴力爆发,他将日常的美国家庭场景置于近乎超现实的境地,其目的在于揭示潜伏在平静表象之下的原始冲动和文化虚无。他对美国梦的“亡灵”的捕捉,是通过语言的褪色和场景的崩塌来实现的。 本书也关注了那些直接挑战观众期待的剧场实践。部分剧作家试图模糊舞台与观众席的界限,引入更多的即兴元素或对剧场空间进行物理性的改造。这种对“剧场性”(theatricality)本身的审视,促使观众反思他们观看戏剧的行为本身,即观看行为本身就是一种政治行为。我们探讨了这种形式上的实验如何服务于内容——当语言本身变得不可靠,剧场便必须寻找新的媒介来传达真理的碎片。 结论:一个不确定的剧场遗产 本书总结道,二十世纪后半叶的美国剧场是一场持续的、充满张力的对话,它拒绝单一的答案或确定的终结。这些剧作家群体通过对历史的批判性重读、对身份的多维呈现以及对形式边界的不断拓展,成功地构建了一个既深刻植根于美国经验,又具有普遍人类关怀的剧场遗产。他们的作品共同构成了一幅复杂、多声部且仍在持续演变的美国社会肖像。本书旨在为后续研究者提供一个坚实的分析框架,以便更好地理解这些奠基性的贡献,及其对当代剧场持续产生的影响。

作者简介

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读后感

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用户评价

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这本书的装帧和印刷质量简直让人眼前一亮,那种厚重的手感和纸张的纹理,无声地诉说着它所承载内容的份量。我拿到手的时候,首先被它的封面设计吸引住了,那种简洁而富有张力的设计语言,仿佛已经预示了其中蕴含的戏剧世界的复杂与深刻。内页的排版也十分考究,字里行间留有的呼吸空间,让阅读过程变成了一种享受,而不是负担。 尤其是一些引用的剧本片段,标注得清晰准确,对于那些需要深入研究文本的读者来说,无疑是极大的便利。这种对细节的关注,体现了出版方对学术价值的尊重,也让读者在翻阅时感到由衷的敬佩。 整个阅读体验从物理层面开始,就已经建立了一种庄重的仪式感,仿佛我即将进入的,是一个需要用心去探索的殿堂。我毫不犹豫地将其放入了我最珍爱的书架上,它本身就是一件值得收藏的艺术品。

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总而言之,这本书为我打开了一扇观察当代戏剧创作的全新视角。它不仅仅是教科书式的梳理,更像是一次深入精神世界的探险。读完之后,我感到自己对于舞台表演的期待和理解都得到了质的提升,那些曾经在观看演出时一闪而过的疑惑和震撼,现在都有了更坚实的理论基础去回溯和定位。它成功地做到了学术研究应有的深度和广度,同时又保持了对艺术生命力的尊重与热情。 这无疑是一部会在我案头留存许久,并且会时不时地被我重新翻阅的重要参考书。它给予的启发是连贯且持久的,而不是读完即弃的快餐式知识。

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这本书的语言风格呈现出一种奇特的张力:它既有高度的学术严谨性,又不乏充满激情的文学色彩。有些论述部分的用词极其精准、专业,如同手术刀般剖开文本的肌理;但当作者讨论到关键的伦理困境或美学张力时,文字又突然变得富有感染力,仿佛在向你倾诉一个宏大的、关乎人类境遇的悲喜剧。 这种文风的切换是如此自然,以至于你不会感到突兀,反而会觉得,唯有如此,才能全面地把握住所研究对象那充满矛盾的复杂性。我发现自己不时地会被那些富有洞察力的句子所击中,需要反复咀嚼,体会其中蕴含的层次感。它绝不是那种枯燥乏味的纯理论堆砌,而是在学术骨架之上,披上了一层富有生命力的皮肤。

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阅读过程中,我一直在思考作者是如何平衡“批评”与“理解”这两个维度的。很明显,这不是一本单纯赞美或批判的作品,它致力于呈现一种深层次的共情式理解,即使面对那些极具争议性的主题和手法,作者也保持了一种难能可贵的距离感和客观性。 这种“不站队”的姿态,反而使得其分析更具说服力,因为它迫使读者也必须跳出自己的预设立场,去真正审视文本自身的内在逻辑和时代的局限性。我个人尤其受启发于作者对于“边缘叙事”如何反作用于主流戏剧范式的探讨,那种洞察力,让人重新审视了舞台艺术在社会变迁中的角色定位。这不仅仅是对某一位剧作家的研究,更像是一堂关于当代戏剧史的速成课,信息量巨大却消化得相当顺畅。

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初读几章,我立即感受到了作者在构建分析框架时所展现出的那种近乎建筑师般精确的逻辑构建能力。他似乎拥有将一团混沌的戏剧碎片梳理得井井有条的魔力。我特别欣赏作者对于叙事结构剖析的细致入微,那种对情节转折点、人物动机深层根源的挖掘,远超出了我以往阅读的同类研究著作。他不仅仅是在描述“发生了什么”,更是在探讨“为什么会以这样的方式发生”,并将其置于更宏大的文化思潮中进行审视。行文过程中穿插的那些旁征博引,虽然密度较大,但绝非故弄玄虚,每一次的引用都像是精准定位了一个关键的坐标点,帮助读者校准理解的方向。读到某些段落时,我甚至会停下来,闭上眼睛,在脑海中重新构建起剧作家的意图,这种主动的思考过程,正是优秀学术著作的魅力所在。

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