具体描述
In the modern period, sculpture has often been viewed as more limited, more literal, and also more primitive than the “leading” visual art: painting. But precisely because of its marginal status, Alex Potts points out in this stimulating and original book, sculpture has played a complex and intriguing role in modern ideas and fantasies surrounding visual art. Potts explores the special qualities of sculpture as a free-standing three-dimensional entity, and he considers the distinctive demands sculpture places on the viewer.
The book begins in the late eighteenth century, when a systematic formal distinction began to be made between painting and sculpture. Following changing attitudes toward sculpture through the nineteenth and twentieth centuries, Potts analyzes for the first time the radical transformation that has occurred not only in the nature of sculptural works but also in their display and reception. He focuses on a broad range of texts by major writers who have in some way been obsessed by sculpture and by such artist-theorists as Adolf Hildebrand and Donald Judd. The author also offers a detailed view of selected iconic works by key players in modern thinking about the sculptural. The impact of minimalism features prominently in this discussion, for it placed the phenomenology of viewing three-dimensional objects for the first time at the center of debate about modern visual art
作者简介
Alex Potts is professor and chair of history of art at the University of Reading, England. He is the author of Flesh and the Ideal: Winckelmann and the Origins of Art History, published by Yale University Press.
目录信息
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用户评价
要用三言两语概括这本书的精髓是困难的，因为它似乎在努力突破“概括”的限制。我欣赏作者在行文中表现出的那种近乎偏执的对细节的关注，例如对不同类型凿子在木材上留下的细微痕迹的描述，精准到仿佛能感觉到工具与材料间的物理抗争。这本书与其说是在介绍雕塑史，不如说是在探索人类如何通过塑造物质来定义自身存在。它挑战了许多关于“永恒性”的传统观念，指出所有的实体和形式都带有其脆弱性和暂时性。其中关于“未完成状态”的论述尤其发人深省，作者认为许多被视为未完成的作品，其实恰恰达到了其表达的最佳点，所有的后续添加都将是多余的累赘。这种对“完成”的重新定义，让我对艺术创作的终结时刻产生了全新的认识，这是一本真正能改变你感知世界的书籍，它将艺术提升到了关乎生存意义的层面。
评分坦白说，我最初是被这本书的引言吸引的，那种充满诗意的、近乎哲学思辨的开篇，预示着这不是一本传统意义上的艺术评论集。作者的笔触时而如冰冷的解剖刀，剖析着雕塑的结构力学；时而又像温暖的炉火，烘烤着创作者内心的挣扎与狂热。我注意到，本书对于非西方雕塑传统的处理也十分到位，没有采用那种将西方艺术置于绝对中心的傲慢视角。相反，它平等地探讨了从古老的非洲面具到当代装置艺术中“身体性”的表达，拓宽了我对“雕塑”这一媒介边界的认知。阅读过程中，我经常需要暂停下来，在脑海中构建那些文字描述的立体形态，这种“在想象中构建三维空间”的过程本身，就是一种主动的智力活动。这种高强度的脑力参与，让我感觉自己像是与作者并肩在工作室里进行着一次精神上的合作，而不是一个被动的接受者。
评分这本书给我的感觉，更像是一次漫长而精妙的对话，而不是单向的知识灌输。它不太关注宏大的历史叙事，反而将焦点聚焦于那些常常被忽略的“技术性突破”和“材料的哲学”。读到某一章节时，我停下来，反复琢磨了关于“负空间”的论述，作者将留白和缺失本身视为一种积极的建构力量，这种观点对我理解现代极简主义艺术产生了革命性的影响。文字的密度很高，但绝不枯燥，因为它充满了敏锐的洞察力，那些句子结构复杂却逻辑清晰，仿佛在进行一场精密的几何推导。其中有一段关于青铜铸造失误如何反而催生了新的美学可能性的分析，简直是天才之作，它揭示了艺术创作中“意外”的价值，将偶然性提升到了必然性的高度。读完这部分，我立刻想去博物馆重新审视那些我过去认为“完美无瑕”的作品，寻找其中潜藏的、被技术限制所创造出的“不完美之美”。这本书的阅读体验是深刻的，需要时间消化，但每一次回味，都会有新的理解浮现。
评分这本书的论证方式颇具挑战性，它大量引用了跨学科的理论支撑，从现象学到符号学都有所涉猎，这使得它的理论深度远超一般的美学读物。有几次，我不得不查阅附注中的相关术语解释，才能完全跟上作者的思路。但这种投入是值得的，因为一旦理解了那个关键的概念，先前看似零散的案例分析就会立刻串联起来，形成一个宏大而统一的理论体系。作者在探讨材料与记忆的关系时，展现了惊人的洞察力，他认为雕塑不仅仅是形式的再现，更是时间在物质上的凝固和重演。这种时间观的引入，让原本静态的艺术形式焕发出动态的生命力。这本书的阅读体验，更像是在攀登一座知识的阶梯，每一步都需要扎实的基础，但到达顶端时，视野的开阔感是无与伦比的。它迫使我重新思考，我们究竟是如何“观看”一件三维艺术品的，以及这种观看行为本身受制于何种文化预设。
评分这本书的封面设计着实抓人眼球，那种深沉的蓝与金色线条的碰撞，透着一股历史的厚重感。初翻开时，我以为会是一本关于古典艺术史的教科书，毕竟书名听起来就带着一种学院派的严谨。然而，一旦沉浸其中，那种预设的框架立刻就被打破了。作者的叙事方式极其流畅，仿佛带着你穿梭于不同时代的工作室，近距离观察那些雕塑家如何将一块冰冷的石头注入灵魂。尤其是在探讨文艺复兴时期作品的细节处理时，那种对光影、肌理的精准捕捉，让我几乎能闻到空气中弥漫的石灰和汗水的气味。他不仅仅在描述“是什么”，更深入地挖掘了“为什么”——为什么那个特定时代的艺术家选择了这种姿态，这种材料，以及这种叙事视角。书中穿插的那些罕见的早期手稿照片，更是提供了宝贵的佐证，让原本抽象的理论变得触手可及。我尤其欣赏作者在处理争议性艺术事件时的平衡感，没有简单地褒贬是非，而是将作品置于其诞生的社会文化背景中去审视，提供了一个多维度的解读空间，这远超出了我对一本艺术史专著的期待。
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