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出版者:Dia Art Foundation

作者:Lynne Cooke

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:1998-02-02

价格:USD 27.50

装帧:Paperback

isbn号码:9780944521359

丛书系列:

图书标签:

• art
• Design
• 雕塑
• 装置艺术
• 大地艺术
• 极简主义
• 抽象艺术
• 现代艺术
• 绘画
• 美国艺术
• 理查德·塞拉
• 艺术史

雕塑的重量与空间：对物质、体积与感知极限的探寻 图书名称： 《物质的低语：论当代雕塑的非线性叙事》 图书简介： 本书深入剖析了自二十世纪中叶至今，雕塑艺术在材料选择、空间介入以及观众体验维度上所经历的深刻变革。它聚焦于那些挑战传统美学框架，将物质性、重量感和场域特定性提升至核心地位的艺术实践。与其说这是一部对艺术史的编年梳理，不如说它是一场对“物”与“在场”之间复杂关系的哲学思辨。 第一部分：重力的解放与物质的在场 当代雕塑的叙事起点，往往不在于再现或象征，而在于物质本身的“存在性宣言”。本书首先探讨了艺术家如何通过对材料的极端处理，迫使观众重新审视我们对重量、密度和体积的固有认知。 我们研究了如铅、钢铁、混凝土等传统上被视为“笨重”或“工业化”的材料，如何在艺术家手中获得了出人意料的内在张力。这不仅仅是关于材料的物理属性，更是关于材料所蕴含的历史、社会和劳动记忆。例如，厚重的钢板在空间中被精确地平衡或悬置，这种“被压抑的动态”制造了一种强烈的视觉悖论——物体似乎处于静止，却暗示着即将发生的形变或坍塌。观众在接近作品时，所感受到的不仅仅是作品的物理尺寸，还有一种由其内在质量所产生的心理压力。 特别关注了“场域特定性”（Site-Specificity）的兴起。雕塑不再是可被移动的、孤立的物体，它们成为了环境的结构性延伸。艺术家开始与建筑的结构、地面的纹理、甚至光线的变化进行“对话”，使得作品的意义生成于其与特定环境的不可分割的关联之中。在这些实践中，空间本身成为了雕塑的一部分，界限变得模糊，观众开始在穿越作品的过程中体验时间与空间的不同切面。 第二部分：体积的界限与负空间的权力 本书的第二部分将焦点转移到雕塑的“负空间”——即被作品实体所界定、围合或指向的空间。当代雕塑越来越倾向于使用几何形体或极简主义结构，其核心目的并非填充空间，而是定义空间。 我们详细分析了艺术家如何利用直角、平面和精确的尺度，创造出清晰的视觉边界。这些边界并非墙壁或障碍，而是引导观众视线和身体移动的“路径标记”。通过精确的切割和对齐，雕塑迫使观众重新评估自身在环境中的位置和比例。例如，一个简单的L形结构，其两臂所夹持的空气，其价值和存在感，往往超越了构成它的金属本身。 负空间的处理，使得雕塑的“不可见性”成为一种强大的叙事工具。观众的想象力被激发去填补实体之间的鸿沟，去感受那些“不存在”的部分是如何支撑起整个作品的结构意图。这种对空隙的强调，是对传统雕塑强调实体丰满的反叛与超越。它揭示了结构的力量不在于其固有的物质，而在于它如何组织和塑形周围的环境能量。 第三部分：观众的参与：从观看者到体验者 当代雕塑的叙事不再是单向的，它要求观众从被动的“观看者”转变为积极的“体验者”和“参与者”。这种转变是理解当代物质艺术的关键。 我们探讨了雕塑如何利用尺度来操纵人类的感知体验。当作品的尺寸远超人体尺度时，观众会产生一种被“吞没”或“压制”的感觉，从而体验到一种宏大叙事的敬畏感；而当作品的尺度非常接近或低于人眼水平时，则鼓励了一种更私密、更需要俯身细察的亲密关系。 关键在于动态的感知。许多作品只有在观众围绕它们行走、从不同角度观察时，其真正的形式和结构才会逐渐显露。这种“分段式揭示”的过程，将时间性纳入了雕塑的体验。观众的移动轨迹，变成了作品意义的临时性编织。光影的移动、视角的切换，都成为了作品不可或缺的临时组成部分。 结语：物质性的回归与经验的拓扑学 《物质的低语》最终论证了，当代雕塑的深刻之处在于它拒绝了表面的装饰和叙事，转而回归到最本源的问题：物质如何被组织，以及这种组织如何影响人类对时间和空间的感知拓扑结构。它不是关于“它看起来像什么”，而是关于“它感觉如何”以及“它使空间成为什么”。本书旨在为读者提供一套理论工具，去深入解读这些沉默的、但极具力量的物质结构，理解它们如何在当代语境下，重新定义了艺术与现实的交汇点。

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从纯粹的审美角度来看，这本书为我提供了一次极佳的冥想机会。在如今这个信息爆炸、碎片化的时代，能够长时间沉浸在如此纯粹、如此克制的视觉语言中，是一种难得的心灵净化。每一幅作品都散发着一种强大的、不容置疑的“存在感”，它们占据空间，却不喧宾夺主，而是引导你重新审视自己与周围环境的关系。我特别欣赏那些展示了作品在不同天气条件下的照片，例如被雨水打湿后更显深沉的黑色，或是被初雪覆盖时那种近乎抽象的纯净。这种对自然力量的敬畏，通过坚硬的工业材料得以表达，构成了令人震撼的对话。这本书的价值在于，它提供了一个窗口，让我们得以窥见一位大师如何将最简单的几何元素，通过对材料的极致理解，升华为对时间和空间本质的深刻探讨。它值得被反复翻阅，因为每一次重访，都会带来新的结构发现和感官震撼。

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我必须说，这本书的装帧和印刷质量达到了一个惊人的水准。坦白讲，我对很多当代雕塑的出版物都感到失望，因为它们往往无法传达原作的尺度感和材料的肌理。但这一本处理得非常到位，尤其是对那些巨型作品的俯拍和特写镜头，几乎能让人嗅到铁锈和风化的味道。我记得有一组照片是关于他早期在沙滩上进行的那些转瞬即逝的装置，那些记录虽然模糊，却充满了动感和一种接近行为艺术的原始力量，与后期那些稳定、永恒的钢结构形成了有趣的对比。这本书的排版设计非常克制，留白恰到好处，让作品本身成为绝对的主角，没有多余的装饰性干扰。阅读过程中，我感觉自己像是在一个巨大的、空旷的画廊中漫步，目光被引导着从一个极简的几何体转向另一个，体会着极简主义在三维空间中如何爆发出无限的复杂性。它不仅仅是一本艺术书，更像是一部关于“在场性”和“物质性”的深度研究文献，对于任何从事建筑或空间设计的人来说，都是极具参考价值的范本。

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老实说，我一开始对这本书抱持着一丝怀疑，因为 Serra 的作品风格似乎过于单一，担心整本书读下来会陷入重复和沉闷。然而，这本书巧妙地通过不同时期、不同地理位置的作品穿插，构建了一种微妙的叙事节奏。最让我着迷的是关于那些“倾斜平面”（Tilted Planes）和“螺旋体”（Toruses）的部分。这些作品挑战了我们对平衡和稳定的根深蒂固的认知，你看着那些厚重的钢板以一个几近不稳的角度斜插进地面，内心会本能地升起一股紧张感，但同时又被那种大胆的结构逻辑所折服。这本书没有过多地用学术腔调去解释，而是通过大量的视觉证据，让你自己去“感受”这种结构上的不安与和谐的共存。它成功地将一种纯粹的、基于物理定律的艺术形式，转化成了一种可以被反复品味的哲学思考——关于界限、关于边缘、关于一个封闭形体如何定义其外部空间。每次合上书，都会有一种意犹未尽的感觉，好像刚才的阅读经历本身就是一次微型的空间体验。

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这本书的随笔部分（如果包含的话）写得极其精炼，几乎是用诗意的语言来描述对物质的痴迷。我喜欢它没有试图去过度阐释作品的“意义”，而是聚焦于创作过程中的那些技术挑战和材料的脾气。比如， Serra 如何与钢铁厂的工人合作，如何说服那些巨大的机器去完成精确到毫米的切割和弯曲，这些幕后的故事，为那些看似冷峻的最终形态增添了一层充满人性的温度。读到他描述如何观察光线穿过一块巨大的曲面时所产生的阴影的流动性，我才真正理解为什么他的作品会被称为是“在空间中雕刻空气”。这不是那种一目了然的雕塑，它依赖于观众的移动、天气的变化以及时间的流逝才能完全显现。这本书有效地捕捉到了这种“动态的永恒性”，它让读者在静止的页面上，也能够体验到作品随着观察者视点变化而产生的微妙形变，这本身就是一种了不起的成就。

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这本画册简直是视觉的盛宴，那种对材料本质的探求和空间关系的颠覆，让人在翻阅时不得不放慢速度，去体会每一张照片背后蕴含的巨大重量感和宁静感。我尤其喜欢那些关于钢铁在不同光线下呈现的微妙色泽变化的捕捉，那种粗粝的金属表面，在特定角度下反射出如同丝绸般的光泽，形成了一种强烈的悖论美感。翻看这些作品，我仿佛能听到金属的低鸣，感受到它们如何以一种近乎物理性的力量去定义和切割周围的空间。它不是那种快餐式的艺术读物，每一页都需要你投入时间去“阅读”那巨大的体量和极简的形态。作者（或者说策展人）对于 Serra 作品中“场所特定性”（site-specificity）的把握极为精准，即使只是通过印刷品，你也能隐约感受到作品与周遭环境的对话——那些如同被随意放置却又精确计算过的巨大弯曲板材，它们不是孤立的雕塑，而是对环境重力、光线流向以及人体尺度的深刻回应。这种对物质和空间之间复杂张力的迷恋，使得整本书读起来既沉重又充满启发性，让人开始重新审视我们日常生活中那些被忽略的角落和结构。

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