Rethinking Art History pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Yale University Press

作者:Donald Preziosi

出品人:

页数:285

译者:

出版时间:1991-1-23

价格:USD 27.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780300049831

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
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艺术史的批判性重构：跨越传统范式的探索 一部挑战既有叙事的深度学术论著 《艺术史的批判性重构》并非对既有艺术史知识的简单梳理或修补，而是一次深入骨髓的、对艺术史作为学科的本体论、方法论及其政治文化建构的彻底反思与重塑。本书的核心目标在于揭示艺术史学科在漫长发展过程中所内嵌的权力结构、文化偏见和认识论的局限性，并在此基础上，构建一套更具包容性、动态性和批判性的研究范式。 本书首先从“何为艺术史？”这一根本性问题入手，对“艺术”（Art）和“历史”（History）这两个核心概念进行细致的解构。作者认为，我们习以为常的“艺术史”叙事，很大程度上是18世纪以来欧洲中心主义和启蒙运动理性构建的产物，它往往将艺术视为一种纯粹的、自主的美学实践，从而系统性地排除了非西方、边缘化群体以及日常实践中的创造性活动。 第一部分：范式的裂隙——对传统核心叙事的解构 本部分聚焦于对艺术史“正典”（Canon）的猛烈冲击。作者系统考察了从文艺复兴到现代主义运动的经典叙事是如何被建构起来的。 1. 欧洲中心论的透镜与“伟大艺术家”的神话： 本章深入剖析了温克尔曼、沃尔夫林等奠基性理论家如何将希腊罗马的古典美学设定为普适的审美标准，以及这种标准如何成为殖民扩张的文化武器。书中详尽分析了“天才论”如何服务于精英阶层的文化霸权，以及如何通过博物馆收藏和学术出版，将特定群体的创作固化为“世界艺术”的唯一模板。重点探讨了在被殖民地和后殖民语境下，艺术史知识的传播如何造成了文化上的失语和身份的断裂。 2. 时间的线性与进步的错觉： 作者挑战了艺术史叙事中根深蒂固的线性进步观——从原始到古典，再到现代。通过比较不同文明的时间观念（如循环时间、多重时间性），本书论证了这种线性史观如何掩盖了艺术实践的复杂性和断裂性。例如，对中世纪或非西方前现代艺术的评价，常常被置于“发展不全”的落后地位，而忽略了其内部的复杂性与社会功能。 3. 媒介与物质性的再认识： 本部分批评了长期以来艺术史对“精英媒介”（油画、雕塑）的过度关注，而忽视了纺织品、陶瓷、工艺品、民间艺术和数字媒介的本体论地位。作者主张将艺术史拓展为一个更广阔的“视觉文化研究”场域，强调物质性、技艺（craft）与社会实践的不可分割性。 第二部分：方法论的转向——跨学科的渗透与张力 《艺术史的批判性重构》致力于提供一套新的分析工具，鼓励艺术史研究走出狭隘的风格分析和图像学窠臼。 4. 权力、知识与凝视： 借鉴福柯、萨义德和哈贝马斯的理论框架，本章深入分析了艺术史实践中的权力运作。它探讨了“看”的行为（the Gaze）是如何被文化规范所塑造的，以及机构（博物馆、学院、赞助人）如何在不知不觉中成为意识形态的生产者。重点分析了女性主义艺术史对“谁被看见”和“如何被观看”的颠覆性贡献，并进一步将其扩展至种族、阶级和性取向的交叉分析。 5. 参与式艺术史：行动与主体性： 本章提出了一种“行动主义”的研究路径。作者主张艺术史不应仅仅是过去的被动记录，而应成为对当下社会政治状况进行批判性干预的工具。这包括对档案的重新发掘、对被遗忘的合作者（如工匠、助手）的重新命名，以及对非传统文献（如口述历史、物质残留物）的严肃解读。目标是将研究主体从高高在上的学者，转化为与历史实践互动的参与者。 6. 情感的回归与非理性维度： 面对过度理性化的现代史学，本部分重新引入了情感、感知、身体经验和非理性元素在艺术创作与接受中的作用。通过对忧郁、狂喜、恐惧等体验的研究，作者探索了图像如何超越符号层面，直接触及个体的生存状态，从而挑战了纯粹的符号学和结构主义分析的局限。 第三部分：未来的疆域——全球性与地方性的和解 本书的收尾部分着眼于艺术史学科的未来形态，倡导一种“多中心”的全球视野。 7. “世界艺术”的重新定义： 作者批判了将“全球化”简单等同于“西方对全球的同质化影响”的观点。取而代之的是，本书倡导探索不同地域艺术实践之间的真实、复杂的“接触点”（contact zones）和“翻译过程”。重点关注了艺术史如何处理跨文化交流中的权力不对等、挪用与抵抗，以及在当代艺术中涌现的“在地性”美学如何抵抗全球资本的渗透。 8. 档案的解放与开放性研究： 最后的章节探讨了数字人文主义对艺术史学科的冲击与机遇。它讨论了如何利用大数据、数字可视化和开放获取（Open Access）的理念，来解构传统精英档案的封闭性。然而，作者也保持警惕，指出技术本身并不能自动带来解放，关键在于使用技术进行何种类型的提问，以及如何确保新的数字工具不重蹈历史研究中信息霸权的覆辙。 结论：走向一种流动的、非本质化的艺术史 《艺术史的批判性重构》最终描绘了一个动态的、不断自我修正的学科图景。它呼吁研究者放下对单一真理的追求，拥抱复杂性、矛盾性和多重声音，从而使艺术史真正成为理解人类创造力及其在不同社会文化情境中扮演角色的有力工具。本书是对所有致力于超越学科边界、追求更具伦理责任感的历史书写者的重要参考。

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这部作品的开篇就展现出一种令人振奋的学术野心，它似乎在试图为我们所熟知的美术史构建一个全新的、颠覆性的框架。作者没有满足于对既定大师的歌颂与追溯，而是大胆地将视角转向了那些长期被主流叙事所忽略的边缘地带——那些非西方的艺术实践、手工艺的复兴，乃至当代技术对“艺术”定义的渗透。我尤其欣赏作者在探讨“观看”这一行为时所采用的现象学路径，它迫使读者重新审视，我们是如何被训练去欣赏一件物品的，以及这种“训练”本身的历史局限性。书中引用的跨学科案例丰富得惊人，从符号学到后殖民理论，再到神经美学，每一个章节都像是一场智力的冒险，充满了令人拍案叫绝的论证连接。它挑战了那种将艺术史视为线性进步的线性思维，代之以一种复杂、多维度的网络结构，充满了张力和未解决的矛盾，这正是我所期待的一本“重新思考”的书应该具备的特质。这本书的阅读过程，与其说是在学习知识，不如说是在进行一场深刻的、关于我们自身文化预设的“去魅”之旅。

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坦白讲，这本书的阅读体验是极其苛刻的，但也是极度有益的。它仿佛一本精心编织的知识迷宫，需要读者具备扎实的理论基础才能从中找到出口。作者在深入分析某一特定历史时期或地域的艺术现象时，绝不满足于表面的风格描述，而是深入挖掘其背后的权力结构、经济基础以及意识形态运作。这种穿透力令人印象深刻，尤其是在讨论文艺复兴时期赞助人制度如何塑造了“伟大艺术家”形象的那几章，作者的批判锋芒毕露，毫不留情地揭示了美学判断背后冰冷的社会现实。然而，这种对理论深度的不妥协也带来了一定的阅读障碍，某些段落的句子结构异常复杂，充满了嵌套从句和高度专业化的术语，让人不得不停下来查阅上下文或返回前文再读一遍。尽管如此，一旦跨越了这些认知的门槛，读者获得的洞见是革命性的，它让你对自己过去对艺术史的理解产生一种近乎“背叛”的快感，一种挣脱了陈腐教条的解放感。

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我必须承认，这本书的叙事节奏变化极大，时而如冷静的学术论文，时而又像一位激情四射的策展人，在面对一面布满争议作品的墙壁时所发出的呐喊。尤其是在探讨现代主义遗产时，作者展现出一种近乎悲悯的情怀，他似乎为那些在宏大历史叙事中被牺牲掉的、具有实验精神的个体艺术家感到惋惜。这种情感上的投入是少见的，它让冰冷的历史分析多了一层人文的温度。更妙的是，作者似乎非常擅长利用“留白”进行表达；他不会把所有的结论都强行喂给读者，而是留下关键性的问题，鼓励读者在读完章节后，仍能继续在自己的脑海中进行辩论。这种开放式的收尾，保证了这本书的生命力，它不是一个终点，而是一个新的起点，激励我们带着新的工具箱，去审视我们身边的每一件艺术品和每一段艺术史文献。

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这本书最让我感到耳目一新的是它对“媒介”本身的反思。它没有将媒介视为内容（如绘画或雕塑）的被动载体，而是将其提升到了主体性的层面进行探讨。作者似乎在暗示，媒介的物理特性和技术限制，本身就构成了历史叙事的一部分。例如，在分析摄影术的早期发展时，作者没有过多纠缠于影像的真实性辩论，而是聚焦于冲印材料的化学反应如何影响了社会对“永恒”的认知。这种对物质性的执着，使得全书弥漫着一种近乎触觉的质感。它超越了传统的视觉文化研究范畴，将艺术史拉回到物理世界，拉回到工匠的双手、颜料的来源以及画廊空间的建筑结构之中。阅读下来，感觉自己不仅仅是在看历史，更像是在触摸和感知历史遗留下的那些不易察觉的“物质幽灵”，这对于长期沉浸在纯粹概念分析中的我来说，无疑是一次清新的空气。

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本书的结构设计本身就是对传统线性史学的隐形批判。它没有采用传统的年代学或地域划分，而是围绕着一系列高度抽象但又互相牵动的“概念节点”进行组织，例如“模仿的焦虑”、“观看的缺席”、“价值的转移”等等。这种非线性的组织方式，初看之下令人感到有些无所适从，如同进入了一座没有明确指示牌的博物馆，需要依靠自己的直觉和对上下文的理解来建立联系。然而，一旦适应了这种思维模式，你会发现作者的高明之处——他成功地展示了艺术史的各个领域是如何在时间的长河中相互渗透、相互影响的，打破了学科间的壁垒。书中对全球化背景下艺术品流动的分析尤为犀利，它不再将文化中心视为固定的发射源，而是将其视为一个不断被边缘需求所重塑的动态场域。总而言之，这是一部要求读者投入全部心智，并愿意接受挑战的学术巨著，它提供的收获，远远超出了仅仅学习“艺术史”本身的概念范畴。

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不推荐给才开始进入艺术史的朋友们。

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