Painting in Italy, 1500-1600 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Yale Univ Pr

作者:S. J. Freedberg

出品人:

页数:767

译者:

出版时间:May 1993

价格:$37.00

装帧:Pap

isbn号码:9780300055870

丛书系列:

图书标签:

• 意大利绘画
• 文艺复兴
• 16世纪
• 绘画史
• 艺术史
• 巴洛克
• 艺术
• 文化
• 欧洲艺术
• 绘画

雕塑与建筑：文艺复兴晚期与巴洛克前奏的意大利艺术图景 一、 引言：时代的转折与艺术的张力 本书旨在深入剖析十五世纪末至十六世纪末意大利艺术领域中，相对于绘画领域之外的两个核心支柱：雕塑与建筑。这段时期，恰逢文艺复兴的黄金时代渐趋成熟，并开始向矫饰主义（Mannerism）乃至巴洛克风格的初期萌芽过渡。我们聚焦于那些塑造了意大利城市面貌、定义了宗教与世俗空间美学，并赋予人物形体以新生命力的杰出成就。在绘画的光芒（如拉斐尔、米开朗基罗的晚期创作，以及威尼斯画派的兴盛）之外，雕塑家们如何处理古典传统的继承与创新？建筑师们如何在既定的文艺复兴理性框架下，引入情感、动感与戏剧性？本书将通过对重要作品、关键人物及其思想脉络的梳理，勾勒出这一时期意大利艺术结构复杂的全景图。 二、 雕塑的“大理石困境”：米开朗基罗的遗产与矫饰主义的姿态 十六世纪的意大利雕塑，其中心议题必然围绕着米开朗基罗（Michelangelo）所设定的难以逾越的高度。他的《大卫》、《摩西》以及圣彼得大教堂的《圣殇》奠定了对人体解剖学、情感张力和古典英雄主义的极致表达。然而，随后的雕塑家们面临着“如何在米开朗基罗之后进行创造”的挑战。 2.1 学院派的继承与解构 以贾科莫·德尔·杜卡（Giacomo del Duca）和巴托洛梅奥·阿曼纳蒂（Bartolomeo Ammannati）为代表的艺术家，试图在米开朗基罗的“巨大”（terribilità）与古典的“完美”之间寻找平衡。阿曼纳蒂的佛罗伦萨老桥（Ponte Vecchio）上的雕塑群，虽然仍保留着对力量感的强调，但其动态和叙事性已开始偏向更为迂回和装饰性的方向。 2.2 矫饰主义雕塑的勃兴：米开朗基罗的“扭曲” 矫饰主义对绘画的影响广为人知，但在雕塑中体现为对拉长比例、不稳定的重心和复杂的、多角度的观赏需求的追求。 詹波隆那（Giambologna）的突破： 詹波隆那被视为连接盛期文艺复兴与巴洛克风格的关键人物。他放弃了传统的前面构图，开创了“蛇形”（Figura Serpentinata）的雕塑范式。其代表作《劫持萨宾妇女》（Ratto delle Sabine）要求观者围绕作品行走，才能完全理解其螺旋上升的结构和人物之间紧张的互动。这种多视角的动态性，直接预示了贝尼尼（Bernini）在后世的成功。 装饰与小型青铜像的兴盛： 在美第奇家族和贵族宫廷的支持下，小型青铜雕塑（Bronzetti）成为流行的室内装饰品。这些作品往往模仿古代雕塑的姿态，但融入了矫饰主义的优雅与感性，如佛罗伦萨的佣兵凉廊内陈列的安东尼奥·卡拉迪诺（Antonio Caradino）等人的作品。它们服务于宫廷的精致品味，强调技巧的炫耀而非宏大的叙事。 三、 建筑的理性与情感的扩张：从布拉曼特到帕拉第奥 十六世纪的意大利建筑史，是一部关于古典语汇的再诠释史，它从布拉曼特在罗马开创的对纯粹几何形式的探索，逐步走向对空间叙事性和地方特色的强调。 3.1 盛期文艺复兴的理性高峰：布拉曼特与圣彼得大教堂的奠基 多纳托·布拉曼特（Donato Bramante）为盛期文艺复兴建筑设定了基调——对古典比例的精确应用、对称性以及对圆形（象征完美）的偏爱。他的《坦比哀多》（Tempietto）是文艺复兴早期对纯粹几何体最完美的实践。虽然布拉曼特未能完成圣彼得大教堂，但其最初的集中式规划（基于十字形和穹顶）构成了罗马建筑思维的基石。 3.2 宫廷建筑的典范与矫饰主义的介入 在罗马和佛罗伦萨，贵族家庭和教廷对私人宫殿的需求激增。建筑师们开始在严格的古典秩序中注入更具个性化的元素。 朱利奥·罗马诺（Giulio Romano）的“反常”： 作为拉斐尔的学生，朱利奥·罗马诺在曼图亚的台宫（Palazzo del Tè）中展现了惊人的建筑想象力。他故意打破古典的和谐与比例，如刻意处理崩塌感的墙体和夸张的尺度，创造出一种令人不安的、充满戏剧性的空间体验，这是矫饰主义建筑对既定规则的首次大胆挑战。 3.3 帕拉第奥的永恒遗产：古典的秩序与地域的融合 安德烈亚·帕拉第奥（Andrea Palladio）是十六世纪后半叶最重要的人物，他的影响力超越了地理限制，塑造了后世数百年的建筑风格（帕拉第奥主义）。 威尼托地区的革新： 帕拉第奥深入研究维特鲁威和罗马遗迹，但其最伟大的成就体现在将古典神庙立面（如山墙和壁柱）应用于私人住宅——即乡村别墅（Ville Venete）。 维拉·罗通达（Villa Rotonda）的精妙： 这座未完成的作品被公认为是完美的典范。它基于一个中央穹顶和等距十字形平面，四面完全对称，完美融合了古典的几何纯粹性与对自然景观的全面观照。它的理性布局体现了文艺复兴对宇宙秩序的信仰。 宗教建筑的改良： 在威尼斯，他为山乔治·马焦雷教堂（San Giorgio Maggiore）和伊尔·雷登托雷教堂（Il Redentore）设计的立面，巧妙地解决了在现有中殿结构上嫁接古典神庙式立面的难题，展示了解决复杂空间问题的天才性。他的设计保持了古典的庄重，但其清晰的逻辑和对光线的运用，为即将到来的巴洛克光影戏剧奠定了基础。 四、 装饰艺术与工艺的精细化：宫廷生活的美学 在雕塑和建筑的宏大叙事之外，十六世纪的工艺美术达到了前所未有的精致程度，反映了宫廷对奢华和技艺展示的强烈需求。 金银器与珐琅工艺： 欧洲各国君主对来自佛罗伦萨和罗马的工匠订制服务趋之若鹜。这些作品往往结合了雕塑的造型能力与金属加工的精细度，主题常取材于神话或历史寓言，服务于外交馈赠和宫廷宴会的展示。 马约利卡陶器的巅峰： 意大利的伊斯特利亚和卡斯泰利等地的马约利卡陶器，在这一时期达到了技术和艺术的最高水平。陶器上绘满了复杂的历史场景或神话题材，色彩浓郁，细节丰富，是承载矫饰主义风格的流行载体。 五、 结论：通往巴洛克时代的视觉准备 十五世纪末至十六世纪末的意大利雕塑与建筑，是一个充满张力与探索的时期。雕塑家们在米开朗基罗的阴影下，通过“蛇形”结构和对动态的强调，为巴洛克风格中对情感和运动的追求铺平了道路。建筑师们则在坚守古典语汇的框架内，通过帕拉第奥的理性秩序和朱利奥·罗马诺的故意错位，完成了对古典规则的精炼、吸收与潜在的突破。这些成就共同构成了一个向十七世纪巴洛克盛期过渡的、极其丰富和复杂的视觉文化生态系统。

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这部关于16世纪意大利绘画的巨著，坦率地说，给我带来了巨大的惊喜和挑战。我原本以为这会是一本枯燥的、纯粹的学术性梳理，充斥着晦涩难懂的术语和对次要艺术家的详尽考证。然而，作者的叙事手法却极其引人入胜。他并未将1500到1600年视为一个僵硬的时间段，而是将其描绘成一场视觉与精神的激烈碰撞。尤其是在论述威尼斯画派向罗马和佛罗伦萨的风格渗透时，那种细致入微的笔触——比如提香晚期作品中那种近乎“模糊”的色彩运用如何影响了科雷吉奥的某些光影处理——简直令人拍案叫绝。我记得有一个章节专门分析了“风格的焦虑”，探讨了在拉斐尔和米开朗基罗那般巨人的阴影下，年轻一代画家如何努力寻求突破，最终催生了矫饰主义（Mannerism）那种高度风格化、近乎扭曲的美学。这本书的插图质量非常高，许多关键作品的细节放大图清晰地展示了颜料层的堆叠和笔触的力度，这对于一个想要深入理解绘画技法的人来说，是无价之宝。它不仅仅是一本艺术史书籍，更像是一部关于创造性挣扎与时代精神的编年史。

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这本书的学术价值无可置疑，但真正让我感到惊艳的是它对“赞助人”这一角色的深刻剖析。我们常常把艺术家的成就归功于他们个人的天才，但这本书却毫不留情地揭示了权力和金钱如何像无形的雕刻刀一样，塑造了作品的最终面貌。通过大量的信件和档案资料，作者构建了一幅精细的权力网络图。比如，一位枢机主教对“道德纯洁性”的坚持如何直接导致了某幅壁画中裸体被重新覆盖，或者一位公爵对家族荣耀的渴望如何迫使画家将历史人物的肖像“理想化”到几乎失真的地步。这种对幕后操作的揭示，极大地拓宽了我对“艺术史”的理解边界，它不再仅仅是关于“美”的学问，更是关于政治、宗教和财富的博弈。特别是书中对十六世纪中叶教皇宫廷中派系斗争如何影响艺术品流向的描述，让我对那个时代的复杂性有了更深一层的认识，读起来颇有“宫廷秘史”的紧张感。

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这本书的叙事节奏掌控得极好，读起来毫不拖沓，像是在跟随一位经验丰富的导游穿越历史迷宫。我最欣赏它对“光线”这个主题的反复强调和深入挖掘。在处理早期威尼斯画派时，光线是作为一种物理实体存在的，用来塑造物体的体积和材质的厚重感；然而，随着时间的推移，特别是在泰纳罗的画作中，光线逐渐演变成了一种纯粹的情绪载体，一种表现精神状态的媒介。作者对这种转变的描述，充满了诗意而又不失科学的精准。举个例子，书中对卡拉瓦乔兴起前夜的罗马画坛的描述——那种对戏剧性瞬间的痴迷，对强光和绝对阴影的偏爱——被描绘成对矫饰主义那种过度精致的、缺乏生命力的趋势的一种强力反弹。这种将技术变革与文化心理变化紧密联系起来的写法，让历史不再是冰冷的人名和日期，而是鲜活的、充满张力的故事。我几乎可以“看到”那些画家的笔触是如何被他们所处的时代氛围所塑造的。

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老实讲，我购买这本书的时候是冲着“16世纪”这个跨度去的，我更偏爱盛期文艺复兴的高潮部分。但阅读过程中，我发现作者在开篇对15世纪末佛罗伦萨画派遗产的梳理，其深度完全超出了我的预期。他没有简单地重复波提切利或菲利皮诺·利皮的套路，而是用一种近乎社会学的视角，解析了美第奇家族赞助体系的瓦解如何间接解放了艺术家的个体表达。书中对“理想美”概念在不同城邦间的差异进行了精彩的对比分析。例如，罗马强调宏大叙事和古典的完美比例，而帕尔马则似乎更倾向于一种私密化的、富有感官诱惑力的宗教情感表达。这种跨地域的比较，使得整个16世纪的艺术图景不再是单线性的发展，而是多中心、多声部的交响乐。我特别欣赏作者对那些“二流”城市（如曼图亚或费拉拉）艺术发展的关注，这些地方往往保留了更古老的传统，为理解主流变革提供了重要的参照系。这本书的论证逻辑非常严谨，每一步推导都有明确的文献支撑，读起来非常踏实，充满了学者的诚恳。

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这本书的文字风格非常独特，它不像典型的学术著作那样板着面孔，反而有一种老派的、充满激情的辩论腔调。作者似乎在试图说服读者，而不是仅仅告知读者。这种“说服”的力度，尤其体现在他对“矫饰主义（Mannerism）”的重新评价上。主流观点往往将这一时期视为盛期文艺复兴衰落后的过渡期，充满了不安和技巧的炫耀，缺乏前者的和谐与平衡。然而，本书坚定地为矫饰主义辩护，认为那是一种主动的选择，是对古典理想的批判性继承和超越。作者用犀利的语言指出，那些看起来“不自然”的拉长比例和复杂的构图，恰恰是那个时代对人类精神困境和不确定性最诚实的视觉表达。他甚至将帕尔米贾尼诺的某些作品解读为对当时宗教改革带来的信仰危机的一种视觉化的隐喻。阅读这本书，就像是参与了一场跨越数百年的、充满智慧的艺术争论，让人欲罢不能，并且迫使你重新审视那些你曾认为已经定论的艺术流派。

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