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出版者:Quite Specific Media Group Ltd

作者:David M. Conte

出品人:

页数:612

译者:

出版时间:2007-3-12

价格:USD 43.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780896762565

丛书系列:

图书标签:

• 艺术管理
• 戏剧管理
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• 艺术管理
• 文化产业
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• 剧院管理
• 表演艺术
• 戏剧艺术

跨越藩篱：当代艺术实践中的空间、身体与权力关系 本书聚焦于当代艺术在特定物理空间与社会语境下，如何通过身体的在场性与权力的相互作用，重塑观者经验与艺术叙事。 第一部分：具身性与空间政治 本书的首部深入探讨了“空间”在后媒介时代艺术实践中的核心地位。传统的剧场空间、美术馆展厅乃至城市广场，不再仅仅是作品的被动承载者，而是主动参与到意义生产的复杂系统之中。我们着重分析了物质性如何在数字化的浪潮中重新获得发言权。 1. 场域的解构与重构：非传统空间的介入 本章细致考察了艺术家如何利用“非艺术空间”（如废弃工厂、私人住宅、网络界面）来挑战既有的观看规范与权力结构。我们审视了特定的案例，探讨艺术家如何通过对环境的介入与激活，使作品与场地产生一种不可分割的共生关系。这不仅仅是关于“在什么地方展出”，更是关于“这个地方如何定义了作品的内涵”。例如，对特定历史遗迹的声景装置，如何利用该空间的残响与记忆来批判当下的社会状态。 2. 身体的在场：劳作、仪式与存在证明 身体作为艺术创作中最直接的媒介，其“在场性”被置于放大镜之下。本书辨析了当代艺术中身体实践的多个维度：从上世纪末绩效艺术的极限挑战，到如今更倾向于社会参与和修复性（Restorative）实践。我们关注身体如何成为抵抗、记忆编码和身份构建的载体。特别是关于“持续性表演”（Endurance Performance）的研究，分析了艺术家通过长时间的身体消耗与仪式性重复，如何试图打破日常时间感，迫使观众面对存在的本质性困境。 3. 触觉的回归与感官政治 在视觉霸权的当代，本书重新审视了触觉、嗅觉和听觉在艺术体验中的重要性。我们探讨了艺术家如何设计多感官的互动环境，挑战习惯于疏离观看的现代人。从参与式雕塑的纹理到特定的气味档案的重现，感官的激活如何绕过理性的过滤，直达情感与潜意识层面，从而引发更深刻的伦理反思。 第二部分：权力、叙事与档案的重写 本书的后半部分转向了艺术实践如何与宏大的叙事结构、权力机制发生作用，尤其关注那些被主流历史排除的声音和记录。 4. 机构批判的演变：博物馆作为意识形态的场域 我们深入分析了当代“机构批判”艺术的发展脉络，探讨艺术家如何从早期对博物馆形式的颠覆，转向对收藏、策展逻辑及资金来源的深层质疑。重点案例包括对殖民时期藏品来源的追溯性审查，以及艺术家如何利用“影子档案”来补充或对抗官方历史叙事。这里的权力分析不再仅仅指向艺术的赞助者，更指向知识的生产机制本身。 5. 档案的脆弱性与修补 档案——无论是物理的还是数字的——是权力的物质体现。本章探讨了艺术家如何处理那些残缺的、被压抑的或被销毁的记录。我们分析了“材料性修复”（Material Repair）的艺术实践，即通过重建、重演或虚构的证据，来填补历史的空白。这是一种对“真相”的后结构主义解构，强调历史叙事是一种持续的、需要维护的建构过程。 6. 观众的重定义：从被动接受到伦理责任 本书的终极关怀在于观众的角色。当代艺术实践越来越要求观者承担起更多的能动性和伦理责任。我们分析了那些需要观众主动介入、做出选择或承担后果的艺术项目。这种参与不再是简单的交互式设计，而是对观者在社会场域中的身份定位和道德立场的拷问。例如，需要观众签署特定协议或分享个人故事的作品，如何模糊了艺术与社会行动的界限。 结论：在断裂中寻求联结 本书最终论证，当代艺术实践的价值并非在于提供统一的答案或完美的体验，而在于其对界限的持续性挑战：空间与非空间、身体与技术、历史与当下、艺术家与观众之间的界限。通过对具身性、空间政治和档案重写的细致剖析，本书旨在提供一个分析框架，帮助读者理解在日益碎片化和高度物质化的世界中，艺术如何持续地、有意识地介入我们对现实的感知和理解。它是一本关于如何在不确定的结构中，通过具体的行动去重新定义存在的论著。 本书特色： 聚焦于后媒介时代，对物质性和空间性的重新重视。 大量采用跨学科视角，融合了现象学、社会学和后殖民理论的分析工具。 案例研究侧重于近二十年间具有高度实践性和争议性的全球性艺术项目。 语言严谨，论证深入，避免空泛的概念堆砌，强调艺术实践的操作性。

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这本书最让我震撼的地方，在于它对“数字转型与未来剧院形态”的预见性探讨。在疫情加速了所有行业数字化进程的今天，传统剧院如何拥抱技术而非被技术淘汰，是一个核心问题。作者并没有简单地推荐几款流行的票务软件，而是深入分析了虚拟现实（VR）内容制作的成本效益分析、流媒体版权的复杂性，以及如何利用大数据来预测特定剧目在不同城市受众的接受度。这些内容具有极强的时效性和前瞻性。我之前总觉得技术和艺术之间存在一道难以逾越的鸿沟，是两个互不干涉的领域。但这本书成功地将两者编织在了一起，展示了技术如何成为释放艺术表现力的全新载体。它的语言风格非常具有“学者+实践者”的混合特质，既有深厚的理论根基支撑，又有实地操作中积累的“野路子”智慧。读完后，我感到自己不仅掌握了一套管理方法论，更重要的是，获得了一种看待未来艺术生态的全新视角。这是一本值得反复研读、常读常新的“行业圣经”。

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这本书简直是为那些对舞台艺术充满热情，却又常常对幕后运作感到困惑的人量身打造的！我一直以为戏剧的魔力只存在于灯光亮起、演员登台的那一瞬间，但读了这本书，我才发现，一场成功的演出背后，需要多少精密的计算、多少不为人知的协调工作。它不是那种枯燥的理论手册，更像是一份详尽的“幕后探秘地图”。作者用一种近乎讲故事的口吻，带我们走进了剧院的心脏地带。从剧目选择的商业考量，到预算的精打细算，再到技术团队的日常挑战，每一个环节都被剖析得淋漓尽致。我特别欣赏书中关于“观众体验设计”的那一章，它不再仅仅关注票务和座位安排，而是深入探讨了如何通过灯光、音效、甚至剧场气味的微妙变化，来引导和深化观众的情感共鸣。阅读过程中，我忍不住会联想到最近看过的几部大制作，那些曾经让我疑惑不解的衔接问题，现在都有了清晰的逻辑支撑。这本书极大地拓宽了我对“剧场”这个概念的理解，它不再是一个简单的表演空间，而是一个复杂的、多维度的生态系统。对于任何有志于从事创意产业，或者仅仅是对艺术生产流程感到好奇的读者来说，这本书绝对是打开新视界的一把金钥匙。它展示了艺术的严谨性，以及这种严谨性如何服务于最终的感性呈现。

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如果说市面上很多关于管理学的书籍都像是在提供一份冷冰冰的食谱，那么这本书无疑是在描述一桌精心烹制的盛宴的诞生过程，充满了人情味和细节的考究。我特别留意了关于“社区参与和影响力评估”的部分。在当代，剧院不仅仅是演出场所，更是城市文化客厅。这本书详细阐述了如何设计面向不同年龄层和不同社会背景的观众的推广策略，以及如何量化这些社区外展活动的实际文化价值，而不是仅仅停留在观众人数的统计上。作者非常推崇“非线性叙事”在管理沟通中的应用——即在向不同利益相关者（如政府、赞助商、艺术家）汇报工作时，必须根据受众的关注点调整信息结构，这真是太高明了！我曾经在一次汇报中因为信息呈现不当而错失良机，如果当时能有这本书的指导，结果可能会大不相同。这本书的文字风格带着一种老派的、注重逻辑推演的严谨，但绝不晦涩，它用清晰的图表和案例分析，将复杂的管理流程“可视化”了，让人读起来清晰明了，毫不拖泥带水。

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这本书的结构设计非常巧妙，它不是按时间顺序推进，而是按职能模块划分，这使得我可以根据自己的兴趣点进行深度阅读。我最着迷的是关于“人才梯队建设”的那几章。在艺术领域，人才的流动性很大，如何留住核心技术骨干，如何培养下一代导演和舞台监督，一直是困扰业界的难题。这本书提出了一个非常前瞻性的“学徒制升级计划”，将传统的学徒模式与现代的企业导师制度相结合，确保了知识和技能的有效传递。更令人耳目一新的是，它探讨了“跨文化合作”的管理挑战，针对国际巡演中可能遇到的法律、税务和文化适应性问题，提供了详尽的合规清单。这显示了作者深厚的国际视野，远超出了本土剧场的局限。我发现，即使是关于日常的“设备维护与折旧管理”，作者也写得引人入胜，他将复杂的资产管理与剧场的长期可持续发展紧密联系起来，让原本冰冷的数字也充满了对未来的期许。这本书就像一位经验丰富的老朋友，既能提供坚实的后盾，又能激发你对未来创新的思考。

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坦白讲，我抱着相当高的期待拿起这本厚厚的册子，毕竟“管理”二字在任何领域都意味着繁琐和规则。然而，这本书带来的却是意想不到的“诗意管理学”。它巧妙地平衡了艺术的理想主义与商业的现实主义。我尤其喜欢作者对“危机处理”部分的论述，那种冷静、系统化的应对策略，简直可以移植到任何高压力的项目中去。它没有回避行业内的痛点，比如资金链的紧张、创作者与投资方之间的张力，而是直面问题，并提供了切实可行的解决方案框架。比如，书中提到的一种“滚动式风险评估模型”，它不是在项目开始前做一次性评估，而是在排练、宣传、试演的每个关键节点进行微调，确保资源永远用在刀刃上。这比我过去接触的任何项目管理方法都要灵活和贴合实际。阅读过程中，我多次停下来，对比自己之前参与的一些小型艺术活动，深感在前期规划和中期执行中的结构性缺失。这本书的语言风格非常成熟，它不是对新手的口头鼓励，而是对资深从业者的深刻洞察，充满了经验的沉淀感。它教会我的不仅是“如何管理”，更是“如何为艺术的生命力保驾护航”。

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