具体描述
作者简介
H.W.詹森（H.W.Janson，1913—1982），美国著名艺术史家，艺术史学的传奇人物，曾任纽约大学艺术系教授、系主任。詹森出生于圣彼得堡，后随家人迁往德国汉堡，就读汉堡大学期间师从艺术史大师欧文·潘诺夫斯基。后接受潘诺夫斯基的意见移民美国，于1942年获哈佛大学艺术史博士学位。曾任美国艺术院校协会主席，《艺术通报》编辑，他还是美国文艺复兴学会的创办人之一并曾任主席。詹森主要致力于文艺复兴艺术和19世纪雕塑的研究，主要的学术著作有《多纳太罗的雕塑》和《19世纪雕塑》等，晚年主要关注东西艺术对话。1962年撰写出版了艺术通史著作《詹森艺术史》，大受欢迎，很快成为艺术史教育的标准教材。
A.F.詹森（A.F.Janson），美国北卡罗来纳威明顿大学艺术史教授，博物馆策展人，H.W.詹森的儿子。从他父亲于1982年去世到2004年，由他负责修订《詹森艺术史》。
J.E.戴维斯（Penelope J.E.Davies)，美国得克萨斯大学奥斯丁分校助理教授。她主攻希腊罗马艺术与建筑，同时也是一位考古学家。她的著作《死亡与皇帝：从奥古斯都到马可·奥勒利乌斯时代的罗马帝国墓葬》曾获瓦萨里奖。
沃尔特·B·丹尼（Walter B.Denny），美国马萨诸塞大学阿姆赫斯特分校艺术史教授，史密斯学院艺术博物馆伊斯兰艺术的策展顾问。他的著作包括有关奥斯曼土耳其地毯、织物和瓷器的书籍，以及有关细密画和建筑的论文。
弗利玛·福克斯·霍弗里希特（Frima Fox Hofrichter），美国布拉特学院艺术与设计史系教授、系主任。她的著作《朱迪思·莱斯特，荷兰黄金时代的一位艺术家》曾获美国艺术院校协会的米勒德·迈斯出版基金奖。
约瑟夫·雅各布斯（Joseph Jacobs），现居纽约市的独立学者，批评家及艺术史家，主要关注现代艺术。佛罗里达州萨拉索塔市约翰和马布尔·林林艺术博物馆策展人，俄克拉荷马城艺术博物馆董事，新泽西州纽瓦克博物馆美国艺术策展人。
安·M·罗伯茨（Ann M.Roberts），美国森林湖学院艺术教授，新版《詹森艺术史》的主要作者。专攻文艺复兴的艺术史家，她发表了众多有关北方和意大利文艺复兴的散文、论文和评论。她的研究主要关注文艺复兴时期的女性。
大卫·L·西蒙（David L.Simon），美国科尔比学院耶特艺术教授，2005年获学院的巴塞特教学奖。出版的著作包括大都会艺术博物馆及其分馆修道院艺术博物馆收藏的西班牙和法国南部罗马式雕塑目录。
目录信息
读后感
-导论 艺术是人的意义通过一种视觉符号获得了显现和延伸的那部分，有时候是审美，有时候仅仅具有于意义未必局限于审美。。也就是艺术是扩大化的，美的（为美而美的工艺品和传承下来工具类）和给人触动的东西。 -希腊 艺术是人观察世界的媒介（写实），是人们理解的再投射，观察...
评分这是中国学界和读书界迫切需要的一本书。它是一部份量适中、质量可靠的西方艺术史，值得拥有在手。 译后记 朱青生 译毕，兹将诸事附记于此。 第一件事，译书经历 1983年，人民美术出版社打算出版《詹森艺术史》台湾曾堉先生译本。陈允鹤先生托我将台湾版文字校勘一遍。核对原...
评分把这本一千多页的大部头摊开在窗前，早晨起来翻几页，总有新的收获。 作为西方艺术史最权威的一本巨著，在罗列各时期的艺术风格和作品之前，先介绍社会政治背景和哲学思潮的变化，这是史学家的严谨态度。艺术是哲学的体现，相比于几千年不变的中国水墨画，西方绘画倒是...
评分一直到29章都是非常好的艺术通史著作。 无论对于艺术入门的自学者还是较为专业的人士用来参考都很有价值。 下面只讲问题： 和以前的艺术史相比较，隐约有一条政治正确的线索：即重视女性艺术家、重视非白人艺术家，重视少数民族艺术家。 从28章开始渐渐开始出现一些问题，第一...
评分目前市面上流行的多种艺术史书籍，除了贡布里希的名著《艺术的故事》，实际上都是美国大学的艺术史导论教材。《艺术的故事》是一本适于入门的好书，我却更青睐那些教材。说起来，导论教材的阅读门槛其实与面向大众的普及读本相当，更具学术性又兼顾可读性，且在系统性和严谨性...
用户评价
我对这本书在处理不同艺术媒介（雕塑、绘画、建筑、装饰艺术）之间的平衡性非常满意。很多同类书籍往往会过度聚焦于油画，导致其他重要的艺术门类被边缘化。但在这里，建筑史的部分拥有与其重要性相匹配的篇幅和深度，尤其是在对罗马万神殿和早期教堂平面布局的分析上，作者采用了非常清晰的剖面图和空间叙事手法，让人即便是通过文字和平面图想象，也能感受到那种宏伟的尺度感和结构逻辑。同时，对工艺美术的关注，例如对中世纪手抄本插图的细致描述，也体现了编纂者广阔的视野和对“艺术”定义包容性的坚持。这种多维度的展现，有效地防止了读者陷入单一艺术形式的偏见。如果说要给一个最贴切的比喻，这本书就像是一部精心策划的交响乐章，每个声部（媒介和时期）都有其高光时刻，相互交织，共同构建了一幅完整而宏伟的西方艺术全景图，让人读完之后，收获的不仅仅是知识的填充，更是一种对人类创造力持续演进的深深敬畏。
评分这本书的行文风格，老实说，带着一种非常鲜明的“学院派”气息，那种严谨、审慎，甚至有些不苟言笑的笔调，对于某些追求轻松阅读体验的读者来说，可能会构成一定的门槛。我得承认，初次接触时，其中大量的专业术语和理论框架的引用，让我不得不频繁地停下来查阅注释，仿佛进入了一场高强度的学术研讨会。但正是这种不妥协的专业性，保证了内容的可靠度和深度。它拒绝提供廉价的解读，而是要求读者付出思考的努力。最让我欣赏的是，作者在讨论理论流派时，例如从形式主义转向接受美学时，并没有采取简单的“取代”关系，而是巧妙地展示了它们之间的继承与批判，让读者理解艺术史评论本身就是一场持续的对话。这种对理论辩证关系的把握，是许多只关注作品本身的导览书所不具备的。如果你只是想找一本快速浏览、了解“这是什么画”的书，这本书可能过于“厚重”了；但如果你渴望深入理解“为什么会这样画”背后的知识体系，那么这本书无疑是极佳的训练场。
评分我尝试用一种更注重学术脉络梳理的眼光来审视这本书的叙事结构，它展现出一种令人印象深刻的宏大视野，但又能在关键转折点上进行精准的微观分析。作者似乎非常注重“语境”的构建，不仅仅是将艺术作品孤立地陈列出来，而是深入挖掘了每一件作品诞生的社会、政治、宗教乃至经济背景。这种处理方式极大地帮助我理解了为什么在某个特定的历史节点，艺术风格会发生如此剧烈的转向。例如，书中对拜占庭艺术向哥特式艺术过渡时，对城市市民阶层兴起所带来的赞助人变化分析得极为透彻，使得那些抽象的风格变化变得有血有肉，可以被实际生活所解释。然而，在处理一些跨文化影响，比如早期中国艺术对欧洲洛可可风格的间接渗透时，我觉得论述稍显保守和概括，期待能有更具争议性或更深入的比较研究来支撑其论点。尽管如此，它作为一本综合性的艺术史入门读物，其逻辑的连贯性和论证的严谨性，是毋庸置疑的，它成功地为读者搭建了一个清晰的、可追踪的西方艺术发展时间轴。
评分这本书的插图和印刷质量简直是艺术品级别的享受，每一个细节都处理得无可挑剔，色彩的还原度高得惊人，仿佛直接站在那些文艺复兴时期的杰作前。我尤其欣赏它在图像选择上的独到眼光，不仅仅是那些耳熟能详的大师之作，还穿插了许多鲜为人知但同样具有开创性意义的作品。翻阅这本书的过程，与其说是在阅读文字，不如说是在进行一场视觉的朝圣之旅。装帧设计本身就透露出一种对艺术的敬畏感，厚重而典雅，随便放在客厅的书架上，都能瞬间提升整个空间的文化气息。我发现，即便是对某一特定时期艺术史略有了解的人，也会被书中某些高质量的局部放大图所震撼，那些肉眼难以察觉的笔触和材质纹理，在这里被清晰地展现出来，极大地丰富了我们对“原作”的感知。如果说有什么遗憾，那就是它实在太重了，不方便携带，但反过来看，这种“沉重感”或许也是对其中知识分子的分量的一种隐喻吧。总而言之，对于追求极致视觉体验的艺术爱好者来说，这本书的物理存在本身就是一种收藏级的体验，远超出了教科书的范畴。
评分对于初学者而言，这本书的价值在于它提供了一个非常可靠的“脚手架”，帮助我们构建起对西方艺术史的基本认知框架，这一点必须给予高度肯定。它从史前时代稳步推进，直至近现代的多元爆发，结构清晰，脉络分明，就像一位耐心且博学的向导，带着你穿梭于数千年的艺术长廊之中。书中对中世纪晚期雕塑的描述尤其精彩，它没有陷入宗教寓言的窠臼，而是着重分析了哥特式建筑对人体比例和动态表现的解放，这种将技术进步与艺术表达相结合的分析视角，非常具有启发性。而且，它非常注重艺术史的“功能性”层面，比如详细介绍了祭坛画、壁龛画以及世俗肖像画在当时社会中的实际用途和观看方式，使得艺术品不再是博物馆里的孤立对象，而是活生生的历史载体。我个人建议，在使用这本书学习时，最好能同步辅以一些数字资源，以便快速对比书中提及的那些难以描述的细节，但就其纸面文字的引导性而言，它已经完成了搭建坚实基础的任务。
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