Performing Arts-The Economic Dilemma

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出版者:Ashgate Pub Co
作者:Baumol, Willam J./ Bowen, William G.
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:
价格:114.95
装帧:HRD
isbn号码:9780751201062
丛书系列:
图书标签:
  • 鲍莫尔
  • 音乐社会学
  • 表演艺术
  • 经济
  • 文化经济学
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具体描述

《表演艺术:经济困境》并非一本探讨具体剧目、音乐会或舞蹈演出的书籍。相反,它深入剖析了表演艺术领域长期以来所面临的深刻经济挑战。作者并非旨在提供某个特定演出季的评论,而是着眼于一个更宏观的视角,揭示了支撑这些充满活力的艺术形式的经济基石所遭遇的普遍性困境。 本书的核心在于对表演艺术产业经济模式的审视。它追溯了传统上对慈善捐赠、政府资助以及票房收入的依赖,并分析了这些收入来源在不断变化的社会和经济环境中所面临的压力。例如,我们看到,随着社会价值观的转变和公共资源的分配压力增大,政府资助往往难以维持甚至不断削减,这使得依靠此类资金运作的艺术机构面临严峻的生存考验。同样,尽管艺术机构不懈努力地拓展私人捐赠基础,但经济周期的波动、新富阶层的艺术品味以及对社会责任的多元化考量,都使得捐赠收入的稳定性成为一个难以保证的变量。 本书的一大亮点是对“科里根效应”(Baumol’s cost disease,又称表演艺术的成本疾病)的深入探讨。这一理论指出,在服务业,特别是劳动密集型的表演艺术领域,生产力难以像制造业那样随着技术进步而指数级提高。一场交响音乐会或一部话剧演出的时长、演员的数量、排练的强度等基本要素,在本质上并未因科技发展而发生颠覆性的改变。然而,人力成本却随着整体经济水平的提高而不断攀升。这意味着,即使艺术机构在管理和运营上再高效,其单位成本也必然呈现上升趋势。当艺术品的价值(通常是文化和情感上的)难以完全转化为市场价格时,这种成本上升的压力便直接转化为经济困境。作者细致地分析了这一经济学原理如何在实际的剧院、乐团和舞蹈团中显现,解释了为何即使最成功的艺术组织也可能在财务上举步维艰。 《表演艺术:经济困境》也关注了新兴的经济模式和应对策略。书中探讨了艺术机构如何尝试通过多元化收入来源来缓解压力,例如拓展教育项目、租赁场地、发展周边产品、甚至是尝试更具商业性的跨界合作。然而,作者也审慎地分析了这些策略的局限性。一方面,过度商业化可能会侵蚀艺术的纯粹性,甚至损害艺术机构的核心价值和品牌形象;另一方面,并非所有艺术形式都适合同样的商业模式,找到与艺术创作本身相契合且能带来可持续收入的方案,是一项艰巨的任务。 此外,本书还触及了技术变革对表演艺术经济的影响。虽然技术进步在内容传播和观众互动方面提供了新的机遇(例如在线直播、虚拟现实体验),但也可能带来新的挑战,如盗版、观众注意力分散以及对实体演出场所吸引力的潜在冲击。作者分析了这些技术因素如何进一步加剧了表演艺术的经济困境,以及艺术机构如何在这种不断变化的技术环境中寻找新的生存之道。 总而言之,《表演艺术:经济困境》是一本为所有关注表演艺术可持续发展的人士而作的深度分析。它并非一篇简单的评论文章,而是对一个复杂生态系统经济逻辑的系统性梳理。通过对历史、理论和实践的结合,本书旨在揭示表演艺术领域为何难以摆脱经济困境的根本原因,并引发关于如何构建更具韧性、更能实现其艺术价值的经济基础的思考。它鼓励读者超越对单一演出效果的评价,而是关注支撑这些艺术生命得以延续的宏观经济结构及其面临的挑战。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,精准地捕捉到了表演艺术界一个长期以来难以忽视的现实。我非常期待作者能够深入探讨“艺术创作与经济利益”之间的复杂关系,以及如何在两者之间找到一个可行的平衡点。我猜想,书中会详细分析不同类型的表演艺术团体,例如大型剧院、独立工作室、巡演团体等,在经济运作上的异同,以及它们各自面临的独特挑战。是大型剧院更容易获得政府补贴和企业赞助,还是小型工作室凭借其灵活性和创新性,在市场中找到了自己的生存空间?我希望书中能够提供一些关于“风险投资”在表演艺术领域的应用,以及是否有可能通过风险投资,来支持更具创新性和实验性的艺术项目,并帮助它们实现商业上的成功。同时,我也对书中可能涉及到的“数字经济时代”对表演艺术经济模式的影响产生了浓厚的兴趣。例如,在线直播、虚拟现实演出、以及数字内容分发等新的模式,是否能够为表演艺术带来新的经济增长点,并缓解传统的经济压力?我希望作者能够提供一些关于“数字转型”的案例研究,以及在这一过程中,表演艺术机构需要注意哪些问题,才能真正实现数字化赋能。这本书的标题,就像是一次对表演艺术经济生态的深度诊断,我渴望能在这本书中找到治愈其“经济困境”的良方。

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,直接点出了表演艺术领域一个核心的矛盾。我非常好奇,作者将如何从更宏观的视角来审视“经济困境”对整个表演艺术生态系统的影响。它是否会涉及到国家层面的文化政策,例如政府对艺术机构的财政补贴、税收减免,以及在教育体系中推广艺术教育等方面的举措?我希望书中能够提供一些关于“文化产业政策”的分析,了解不同国家和地区在支持表演艺术发展方面的成功经验和失败教训。例如,一些国家是否通过扶持新兴艺术形式,或者鼓励艺术与科技的融合,来应对经济挑战,并促进表演艺术的创新发展?同时,我也对书中可能出现的关于“艺术市场的细分”的讨论抱有浓厚的兴趣。不同的表演艺术形式,例如音乐会、戏剧、舞蹈、歌剧等,在经济运作上是否存在显著的差异?它们各自面临着哪些独特的经济困境,又采取了哪些不同的应对策略?我希望作者能够提供一些具体的案例分析,例如某个小型剧团如何在经济危机中生存下来,或者某个大型歌剧院如何通过创新的营销策略吸引更多观众。这本书的标题,就像是一张邀请函,邀请我深入理解表演艺术领域复杂的经济运作逻辑,并从中汲取智慧,为未来的艺术发展提供参考。

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在我看来,《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,并非仅仅是描述了一个经济上的窘境,它更像是对整个表演艺术生态系统的一次深刻反思。我特别感兴趣的是,作者将如何阐述“困境”与“创新”之间的辩证关系。艺术的生命力往往来自于对既有模式的突破和挑战,而经济的压力,有时反而会成为激发艺术家们寻找新出路的催化剂。我猜想,书中会探讨一些非传统的经济模式,例如众筹、付费订阅、会员制、以及与科技公司的合作等,这些新兴的经济手段在支持表演艺术发展方面扮演着怎样的角色?是否能够为艺术家们提供更多元的收入来源,摆脱对传统赞助和补贴的过度依赖?同时,我也非常想知道,书中是否会触及到“人才流失”这一问题,当经济回报与付出不成正比时,许多有天赋的表演艺术家是否会选择转向其他行业,从而导致表演艺术领域人才的枯竭?如果真是如此,那么这本书的讨论将具有更加重要的现实意义。我希望作者能够提供一些切实可行的人才培养和激励机制的建议,帮助表演艺术领域吸引和留住优秀的艺术家。此外,我还对书中可能出现的关于“文化消费升级”的论述感到好奇。随着社会经济的发展,人们的文化需求也在不断变化,表演艺术如何才能跟上这种变化,吸引新的观众群体,并提供更具吸引力的艺术体验?这本书的标题,就像是一面棱镜,折射出表演艺术领域的多重面向,我渴望通过阅读这本书,能够更清晰地看到这些面向背后的复杂运作逻辑。

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,本身就透露出一种深刻的思考。我非常好奇,作者将如何从“经济困境”这一角度,来剖析表演艺术在社会中的角色和价值。它是否仅仅是一种娱乐消费,还是具有更深远的社会意义和文化价值?而这种价值,又如何在经济层面得到体现和认可?我希望书中能够提供一些关于“艺术的社会投资回报”的研究,例如,表演艺术的繁荣对当地经济、社区发展、以及城市形象的积极影响。是否可以通过量化的数据来证明,对表演艺术的投入,最终会带来经济和社会效益的双重增长?同时,我也对书中可能出现的关于“艺术家权益保障”的讨论抱有极大的期待。在经济不景气的情况下,艺术家往往是最容易受到冲击的群体。他们是否能够获得合理的报酬,是否有健全的劳动保障和职业发展规划?如果艺术家的生存状况无法得到保障,那么表演艺术的未来又从何谈起?我希望作者能够提供一些关于“艺术家权益保护机制”的建议,例如,行业协会的作用、法律法规的完善、以及社会舆论的引导等。这本书的标题,就像是一次学术的探险,邀请我深入挖掘表演艺术领域经济困境背后的深层原因,并寻求可行的解决方案。

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的书名,让我立刻联想到许多关于艺术与商业如何共存的争论。在我看来,表演艺术的“经济困境”并非仅仅是资金短缺的问题,它更深层次地反映了艺术创作的内在逻辑与市场运行机制之间的不协调。我非常期待作者能够详细阐述“艺术的社会属性”与“市场的经济属性”之间如何产生冲突,以及这种冲突如何体现在表演艺术的各个环节。例如,在创作过程中,艺术家是否会为了迎合市场而牺牲艺术的独特性和前瞻性?在传播过程中,媒体的报道和推广方式是否会过度强调商业价值,而忽略艺术本身的深度和内涵?在消费过程中,观众的期待是否会受到市场营销的影响,从而偏离了对艺术本质的追求?我希望书中能够提供一些关于“可持续发展模式”的探索,例如如何通过创新的商业模式,实现艺术的价值创造和传播,同时又能保证艺术的独立性和生命力。我特别关注书中是否会讨论“非营利组织”在表演艺术领域的作用,以及它们如何克服经济上的挑战,并为社会带来独特的文化价值。同时,我也想知道,书中是否会涉及到“国际合作”与“文化交流”对表演艺术经济发展的影响,例如,国际演出、艺术节、以及跨国界的艺术项目,在经济上扮演着怎样的角色?这本书的标题,就像是一盏聚光灯,照亮了表演艺术领域中那些不为人知的经济难题,我渴望能在这本书中找到解决这些难题的智慧。

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,让我立刻想到许多关于艺术的“价值”与“价格”的讨论。我非常期待作者能够深入探讨,在市场经济的语境下,表演艺术的“非营利性”特质是如何与商业逻辑产生碰撞的。是否意味着,一切为了追求经济效益而进行的艺术创作,都可能偏离其艺术的初衷?或者,是否存在一种“第三条道路”,能够让艺术在经济上实现自给自足,同时又不失其艺术的纯粹性和独立性?我希望书中能够提供一些关于“收益多元化”的策略,例如,除了传统的票务收入和政府补贴外,艺术家和艺术机构还可以通过哪些途径获得经济支持?例如,衍生品开发、教育项目、咨询服务、或者与企业进行跨界合作等。同时,我也对书中可能涉及到的“观众教育”的议题产生了兴趣。在信息爆炸的时代,如何培养观众对表演艺术的欣赏能力和文化品位,让他们理解并认可艺术的价值,从而愿意为之付出经济上的支持?这是否也是缓解“经济困境”的一个重要环节?我希望作者能够提供一些关于“艺术普及”的成功案例,以及在推广表演艺术方面,有哪些创新的方法和有效的途径。这本书的标题,就像是一面镜子,映照出表演艺术领域中那些不为人知的经济挑战,我渴望能在这本书中找到破局之道。

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,直击了表演艺术领域一个长期存在的、却又难以回避的现实。我深信,这本书不仅仅是在探讨经济上的收支问题,更是在审视艺术价值与商业逻辑之间那微妙的界限。我非常期待作者能够深入分析“艺术的商品化”这一现象,它究竟是如何影响艺术创作的独立性和原创性的?当艺术品被纳入市场进行交易时,其内在的价值是否会被稀释,或者被重新定义?我希望书中能够提供一些关于“定价策略”的案例研究,以及不同的定价策略对艺术品市场和艺术家自身声誉所带来的影响。例如,是坚持“艺术无价”,还是拥抱“市场定价”?又或者,是否存在一种“平衡点”?同时,我也对书中可能涉及到的“公共财政支持”的必要性和局限性产生了浓厚的兴趣。政府在支持表演艺术发展中应该扮演怎样的角色?是应该直接投资艺术团体,还是通过税收优惠、艺术基金等间接方式?过度依赖政府补贴是否会带来“福利依赖症”,而政府的干预又是否会限制艺术的自由发展?这些都是值得深入探讨的问题。我特别希望,作者能够提供一些关于“评估艺术价值”的量化指标,以及这些指标如何与经济收益相结合,从而形成一个更全面的艺术发展评估体系。这本书的标题,就像是一张邀请函,邀请我进入一个充满挑战和思考的领域,我期待着在这里获得更深入的认知。

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读了《Performing Arts-The Economic Dilemma》的序言,我脑海中便勾勒出了一个庞大而复杂的图景。书名所揭示的“经济困境”并非单一维度的问题,而是涵盖了从创作源头到传播媒介,再到观众消费的整个产业链条。我尤其关注作者如何处理艺术的“公共性”与“市场化”之间的张力。在现代社会,表演艺术往往被视为一种公共文化产品,具有提升社会文明、促进文化交流的价值,但同时,它的生产和消费又必须依赖于一定的经济支持。那么,如何在保证艺术的创新性和前沿性不受市场过度影响的前提下,实现其可持续发展?这是个棘手的难题。我猜想,书中会详细探讨不同类型的表演艺术,例如古典音乐、戏剧、舞蹈,在经济运作模式上的差异。是交响乐团更依赖捐赠,而小剧场戏剧则更倚重票房和政府补贴?抑或是网络流媒体的兴起,又给表演艺术带来了哪些新的经济机遇和挑战?我非常期待作者能够深入分析那些成功的案例,究竟是哪些因素使得某些表演艺术团体能够在经济的泥沼中找到生存之道,甚至实现繁荣。同时,我也想知道,书中是否会涉及到政府在支持表演艺术发展中的角色,例如税收优惠、艺术基金的设立、以及对非营利组织的扶持政策等。毕竟,表演艺术不仅仅是艺术家的事业,也是社会文化的重要组成部分,政府的介入似乎是不可或缺的一环。我对书中可能出现的对“赞助”模式的探讨也充满了兴趣,无论是企业赞助还是个人捐赠,它们是如何影响艺术创作的决策,又如何平衡艺术家的独立性和赞助方的诉求?这本书的标题,仿佛是对所有热爱表演艺术的人们发出的一个灵魂拷问,而我,也准备好接受这场思想的洗礼,去理解这场“经济困境”背后错综复杂的现实。

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《Performing Arts-The Economic Dilemma》这本书的标题,让我立刻联想到当下许多令人扼腕的文化现象。我们看到许多才华横溢的艺术家,怀揣着满腔热情投入到表演艺术的创作中,但现实的经济压力却常常让他们望而却步,甚至被迫放弃他们的艺术理想。这本书,我觉得很可能就是对这种普遍存在的困境进行的一次系统性梳理和深入剖析。我期待作者能够从历史的角度,追溯表演艺术在不同经济发展阶段所面临的挑战,例如工业革命时期,手工艺术的衰落与批量生产的兴起,对表演艺术的生产方式和传播渠道产生了怎样的影响?又例如,信息技术革命,尤其是互联网和数字媒体的普及,又如何重塑了表演艺术的经济格局?我希望书中能够提供一些具体的经济模型和分析工具,帮助读者理解表演艺术的价值创造过程,以及其独特的经济属性。例如,表演艺术的“一次性”消费特征,以及其“不可储存性”,这些都与传统的制造业产品有着本质的区别,也构成了其经济运作的特殊性。我非常好奇,书中是否会深入探讨“票价”这一敏感话题,它究竟应该如何定价,才能在保证艺术家的收入、剧院的运营成本以及观众的承受能力之间取得平衡?是应该推崇“高票价、高投入、高品质”的模式,还是应该以“普惠性”为目标,让更多人能够接触到艺术?同时,我也对书中可能出现的关于“知识产权”和“版权保护”的讨论抱有极大的期待,在数字时代,表演艺术的无形资产如何得到有效的保护,避免被盗版和滥用?这本书的标题,就像是一声战鼓,敲击着我对于这个领域深入探索的决心,我希望能够在这本书中找到解答这些困惑的线索。

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这本《Performing Arts-The Economic Dilemma》的书名本身就充满了引人入胜的张力,仿佛直接点出了一个艺术领域长期以来难以言说的核心困境。我常常在观看精彩的演出,或是沉醉于艺术家的创造过程中,都会不自觉地思考,如此令人心神荡漾、触及灵魂的艺术,在现实的经济逻辑下,究竟是繁荣昌盛,还是步履维艰?这本书的书名,就像一个预告片,让我对接下来的内容充满了期待,渴望深入了解那些隐藏在幕布之后、在票价背后、在赞助商的权衡之中,以及在艺术家个人经济考量下的复杂交织。我想,它不仅仅是在探讨一个“经济困境”那么简单,更是在挖掘艺术创作与市场生存之间那条微妙且充满挑战的边界线。我非常好奇作者将如何剖析这种“困境”,是将其归结于艺术本身的非营利属性,还是更深层次的市场结构问题?是会提供切实可行的解决方案,还是仅仅揭示问题的严重性?我猜测,书中一定会有大量的案例分析,从世界各地不同规模的表演艺术团体,到独立艺术家,甚至是大型剧院的运营模式,都可能被囊括其中。而“经济困境”这个词,也可能不仅仅指向盈利与亏损,更包含着艺术价值如何转化为经济价值,以及这种转化过程是否会影响艺术本身的纯粹性。我迫不及待想知道,作者会从哪些角度来审视这个问题,是偏向宏观经济学理论,还是微观的个体决策?是会引用历史数据,还是结合当代的市场趋势?无论如何,这本书的标题已经成功地在我心中种下了一颗好奇的种子,我期待它能给我带来深刻的启示。

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