具体描述
解开空间与时间的密码，对话透纳奖得主传奇大师安东尼·葛姆雷，开启当代雕塑艺术创新之先河！
v 直面安东尼·葛姆雷的创作思路及艺术特点。
v 解读大师探究人体与空间关系的雕塑、装置和公共艺术品。
v 以雕塑为记忆和变革的载体，赋予了素材全新的形象活力。
安东尼·葛姆雷因其探究人体与空间关系的雕塑、装置和公共艺术品而广受好评。自1960年以来，安东尼·葛姆雷不断地探究人与自然以及宇宙之间的关系，从而批判性地分析自我的身体与他人的身体。由此，他的作品不断挖掘了雕塑内部的潜能。一直以来，葛姆雷不断尝试将艺术作为一个创造新事物的地方，以此发掘艺术的空间。而这个空间里会出现新的行为、思想和感觉。
对于喜欢安东尼·葛姆雷以及雕塑的人来说，《安东尼·葛姆雷谈雕塑》不仅是理想的指导读物，对于启发创作思路大有裨益，而且徜徉在优秀的雕塑作品中，也是一种愉悦身心的惬意之旅。
《安东尼·葛姆雷谈雕塑》源自安东尼·葛姆雷2009年到2014年的几次演讲和报道，其中包括他在俄罗斯圣彼得堡冬宫博物馆、考陶德艺术学院、萨默赛特宫等地方的演讲，还包括他在BBC3台的五集写作节目中的演讲等。书中既有安东尼·葛姆雷在各种场合的重要雕塑作品，也有其他几位颇具影响力的雕塑家的代表作品，且通过对这些作品的介绍，集中阐述了安东尼·葛姆雷的创作思路及艺术特点。
作者简介
安东尼·葛姆雷于1950年生于伦敦，是当代应该著名的雕塑艺术家。完成在剑桥大学三一学院的学业后，曾在印度行历三年，之后回到伦敦，先后进入金斯密斯学院的中心艺术学校和斯莱德美术学校深造。
葛姆雷的作品在英国和世界多地广泛展出，包括瑞士的伯尔尼保罗·克利中心（2014年）、巴西里约热内卢和圣保罗的巴西中央文化中心（2012年）、汉堡堤坝之门美术馆（2012年）、圣彼得堡冬宫博物馆（2011年）、奥地利布雷根茨美术馆（2010年）、伦敦海沃德美术馆（2007年）、瑞典马尔默博物馆（1993年）、丹麦汉姆莱巴克路易斯安娜现代艺术博物馆（1989年）。此外，他还参加了许多其他的大型展览，如：威尼斯双年展（1982年和1986年）和德国卡塞尔文献展（1987年）。永恒的公共艺术品包括英国盖茨黑德的《北方天使》、英国克罗斯比海滩的《别处》、西澳大利亚巴拉德湖的《走进澳大利亚》以及荷兰莱利斯塔德的《暴露》。
葛姆雷荣获1994年的英国透纳奖、1999年的南岸视觉艺术奖、2007年的伯恩哈德·海里格尔雕塑奖、2012年的大林奖以及2013年的日本皇室世界文化奖。1997年他成为英帝国勋章的军官，并于2014年获荣誉骑士。他还被聘为英国皇家建筑协会名誉研究员，是剑桥大学的荣誉博士，还是剑桥大学圣三一耶稣学院的研究员。此外，葛姆雷于2003年成为皇家艺术院会员，于2007年成为英国国家博物馆受托人。
葛姆雷曾作为BBC纪录片的主题素材，包括2014年在BBC4台播出的《艺术家一天的日常》和2000年播出的《展示选集》。他与BBC4台中世纪国王秘史栏目合作出品的节目包括《艺术的现状》（1987年）、《眼睛》（2002年）和《阿兹特克人》（2002年），并于2004年与休·布罗迪合作了电影纪录片《走进澳大利亚》（ABC和BBC5台）。葛姆雷于2012年发表了名为《内与外的雕刻空间》的TED演讲。
目录信息
读后感
只能做葛姆雷的“观众”让我怅然若失，看到纪录片中布展工人搬运的镜头，我更想去搬运、拖拽和捆绑这些雕塑。我不禁在播放室的黑暗中想象那种体感：风沙迷眼、烈日当头又或夜寒如水，材质就像早晚温差巨大的温带大陆，它不提供“恒温”的体验方式。对于已经习惯于被罩在温室...
评分只能做葛姆雷的“观众”让我怅然若失，看到纪录片中布展工人搬运的镜头，我更想去搬运、拖拽和捆绑这些雕塑。我不禁在播放室的黑暗中想象那种体感：风沙迷眼、烈日当头又或夜寒如水，材质就像早晚温差巨大的温带大陆，它不提供“恒温”的体验方式。对于已经习惯于被罩在温室...
评分Gormley把空间运用到极致，却是一种低度的自我重复，探讨人的有限性。特别是人受制于地理决定论，不使人发无上菩提心。 开放的他可以用天和海，封闭的他可以像博伊斯那样造孤独的房子。 想想爱泼斯坦的《钻探人》，一种侵犯盖亚女神的异形，对人类现状的狂想式探索。他的精灵，...
评分Gormley把空间运用到极致，却是一种低度的自我重复，探讨人的有限性。特别是人受制于地理决定论，不使人发无上菩提心。 开放的他可以用天和海，封闭的他可以像博伊斯那样造孤独的房子。 想想爱泼斯坦的《钻探人》，一种侵犯盖亚女神的异形，对人类现状的狂想式探索。他的精灵，...
评分Gormley把空间运用到极致，却是一种低度的自我重复，探讨人的有限性。特别是人受制于地理决定论，不使人发无上菩提心。 开放的他可以用天和海，封闭的他可以像博伊斯那样造孤独的房子。 想想爱泼斯坦的《钻探人》，一种侵犯盖亚女神的异形，对人类现状的狂想式探索。他的精灵，...
用户评价
如果用音乐来比喻，这本书的文字节奏如同巴赫的赋格曲，结构严谨，但内里却充满了复杂的交织和回响。它不是那种一目了然的、直给的艺术评论，更像是一部关于“构建”与“消解”的辩证法手稿。作者似乎在不断地自我否定和超越，每一次看似成熟的观点，很快就会被他对新材料或新方法的探索所推翻。这种动态的思考过程，比任何静态的结论都更具生命力。我发现，书中对“身体的拓印”和“空间的回声”的描述，极大地拓宽了我对雕塑边界的想象。他似乎在试图打破雕塑作为“物体”的身份，将其提升为一种“事件”或“场所”。阅读过程中，我多次被提醒，雕塑的本质可能在于它如何“占据”并“重新定义”了它周围的环境，而不仅仅是它本身被塑造的形态。这是一种对媒介的深刻反思，它要求读者不仅用眼睛去看，更要用全身心去感知。对于希望从艺术理论进入实践层面的读者来说，这本书提供了极具挑战性的思维工具。
评分这本书最吸引我的地方在于其对“尺度”和“公共空间”的颠覆性思考。作者似乎对传统的纪念碑式雕塑抱有一种审慎的态度，他似乎在努力寻找一种新的“在场感”，一种不依赖于宏大叙事，而是植根于个体经验的连接。他对于如何让作品“呼吸”于特定环境的阐述，非常具有启发性。比如，他如何处理作品与地平线、与天空之间的微妙关系，那种对空气和体量之间负空间的精妙拿捏，是任何图片都无法完全传达的。更令人玩味的是，他似乎并不急于给作品一个明确的“意义”。相反，他将解读的权力大量地交还给了观看者，鼓励我们带着自己的记忆和身体去填充作品中留下的空白。这种开放性，使得每一次阅读，或者说每一次“观看”的想象，都会产生新的侧面。我尤其欣赏其中关于“脆弱性”的论述，在普遍追求永恒和坚固的雕塑领域，探讨材料的易逝和形态的暂时性，无疑是一种大胆的姿态，也反映了作者对当代处境的深刻洞察。
评分这本书的文字本身就像一块粗粝的石头，未经雕琢，却蕴含着一种原始的力量感。初读之下，可能会觉得叙述略显跳跃，仿佛作者的心绪随着创作的灵感在不同的时间和空间中穿梭。他没有用那种学院派的、循规蹈矩的语言去分析艺术史，而是更像一个工匠在讲述自己与材料、与空间、与“存在”本身的对话。那些关于身体形态的探讨，不仅仅是关于外在的描摹，更深入到了一种哲学层面的追问：我们如何在这个世界中占据位置？雕塑的重量感和空间感，被他用极具画面感的词汇重新定义。比如他描述如何感知一块青铜的“记忆”，或者一块粘土如何“记住”了施加在它身上的每一次压力。这种对物质性的强调，让人仿佛能透过文字闻到工作室里泥土和金属的气味。我尤其欣赏他谈及光线处理的部分，那种对阴影的精准捕捉和利用，简直是把雕塑从三维空间的概念拉入到更复杂的四维感知中去思考，让人对“看不见的部分”产生了浓厚的兴趣。这本书无疑是为那些渴望理解艺术创作深层驱动力的人准备的，它不是一本教科书，而是一次深入艺术家精神内核的探险。
评分这本书的语言风格，与一般艺术家的自述有明显的区别，它少了一份对艺术史的炫耀性引用，多了一份对手工技艺的近乎虔诚的描述。作者对工具的依赖和尊重，使得文本散发出一种踏实的泥土气息。他详细描述了如何通过特定的切割角度来“诱导”材料的裂纹，或者如何利用重力来“协助”结构的稳定——这些细节的呈现，让“雕塑”这个词从高冷的艺术殿堂走入了车间，变得可以触摸、可以理解。这种对“如何做”的深入剖析，远超出了单纯的美学探讨范畴，它关乎技艺的传承与革新。同时，作者在处理“时间维度”时展现出的耐心和远见也令人赞叹。他似乎总是在考虑作品在百年之后可能呈现的状态，这使得他所有的创作决策都带上了一种历史的厚重感。阅读这本书，就像被邀请进入一个永无止境的工作坊，在那里，每一个不确定的弯折和每一次犹豫的凿击，都被视为通往某种更深层真理的必经之路。这是一部关于耐心、关于物质、关于如何让无形之物获得重量的迷人记录。
评分读完这本“大部头”，我的第一个直观感受是，作者的思绪太过庞大，以至于装帧精美的纸张都显得有些力不从心。他似乎更关注的不是最终作品的美学效果，而是那个“过程中的挣扎与和解”。大量的篇幅被用来描述他与材料之间漫长而复杂的关系——那种反复的打磨、放弃、重塑，就像一场没有硝烟的战争。他似乎并不在乎读者是否能完全理解他所指涉的那些模糊的、近乎神秘主义的体验，他只是忠实地记录下来。这使得阅读体验颇具挑战性，有时我需要停下来，反复咀嚼一句话，试图去捕捉他试图传达的那种“身体知觉”如何转化为艺术语言的微妙环节。然而，正是这种近乎偏执的坦诚，构成了这本书最宝贵的价值。他没有粉饰雕塑创作的艰辛，也没有提供任何现成的答案。读到他描述创作一个巨大结构时所必须面对的体力极限和心理孤独感，我甚至产生了一种强烈的冲动，想要去触摸那些冰冷的石头和沉重的钢材，去体会那种与物质硬碰硬的真实感。对于那些习惯于流畅叙事的人来说，这本书的阅读门槛可能会稍微高一些，但回报是丰厚的——你将获得一种近乎“参与式”的理解。
评分中意的雕塑家之一
评分最好的雕塑论，没有之一。图拍也好。Gormley把空间运用到极致，开放的他可以用天和海，封闭的他可以像博伊斯那样造孤独的房子。
评分中意的雕塑家之一
评分前段时间安东尼·葛姆雷在上海的“在静止中移动”的展没去，非常遗憾，看了这本聊作慰藉，在书里另外提及的作品中还喜欢康斯坦丁·布朗库西的《无尽之柱》、理查德·塞拉的《关于时间》。
评分Gormley大概是最懂建筑的雕塑艺术家了，他对“拓展领域”的空间批判直击柯布西耶“现代主义建筑师们相信人类有能力控制不确定因素”，将光辉城市放入无限延展的宇宙时，它的场域将只是密闭沙坑中的黑暗。他还用错综复杂的框架结构做成2014年的《矩阵》来物化并破坏规则性视觉。与他激进的后期不同，他早期的雕塑大多反思人的躯体与所在空间的关系，他觉得佛教的“圆寂”就是一种与环境融为一体的理想境界，各个元素在场内凝聚成一个处于核心位置的人体空间(1971年的《学会观察》可能就是他的转折点)，铅制材料和水平线是他作品的两个基本：一是突破了描绘物体表面的限制，二是凸显了将文化意象融于实际物质的力量。他用其研究一种能动作用：即一个有生命、想法和感知能力的身体对其他身体的作用，这种能动作用让空间的位置发生了改变。
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