具体描述
中国传统雕塑工艺历史悠久，博大精深。本书内容分为玉雕工艺、石雕工艺、牙雕工艺、木刻工艺、传统雕塑工艺、彩石雕刻工艺、陶瓷雕塑工艺、彩塑工艺、传统刻镂工艺、琉璃雕刻工艺、砚刻工艺等，可谓是集历代雕塑工艺之大观，令人如行山阴道上，目不暇接，美不胜收。
任何语言之于这本书都是危险的。维特根斯坦说，对于不可说的东西，我们必须保持沉默。面对这本书，需要的感受，只须把心安放原处，就像一朵花儿属于大地。花儿之于大地，是无须声音的，以谦卑的心开放，有微妙的清香，只一缕，就沟通了与大地的关联。
所有的陶塑都是沉默的，一如大地上生命的本原。这沉默里有欢欣、雀跃，有电闪雷鸣。混沌初开，一缕阳光照耀沉静的陶，经过灵性的双手的触摸，成型，具有了生命，那手的 温度残留在丝绸般的质感上。
诗歌。雕塑。绘画。都出自纳托的手，由心及手，灵感泉水一样喷涌，那是上帝的光芒，是神的启示，带着神性的力量，简洁，一下子就把心捕获。能轻易捕获心灵的都是简单的质朴吗？
纳托的作品闪耀着手术刀般犀利的光芒，剥去了生活强加给我们的伪装。把生命还原为空白，赤裸裸。书中大量的空白映衬着塑像，那空白是诗歌和雕像的来处和去处。
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读后感
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用户评价
这本书最让我感到惊艳的地方，在于它对“缺席”的探讨。我们通常关注的是雕塑存在的部分——那些被塑造出来的形体，但作者却花了极大的篇幅来讨论“虚空”的力量。在介绍某些极简主义或空间装置艺术时，书中提出的观点是：雕塑不仅仅是物质的堆砌，它更是对周围空间的重新定义和邀请。那些被去除的部分、那些留白的区域、乃至雕塑与地面之间形成的微妙边界感，才是真正决定作品精神性的关键。我回忆起自己参观一些现代艺术展的经历，过去总是在那里寻找“意义”，但读完这一章节后，我意识到，也许意义并不在于作品本身，而在于观者如何被作品所限定的“空间场域”所牵引。这种对负空间的深入挖掘，极大地拓宽了我对“三维艺术”的理解边界，它不再仅仅是关于“物”，而是关于“物与非物”的辩证关系。这种哲学层面的思辨，让这本书超越了单纯的艺术理论范畴，具备了更深远的人文价值。
评分说实话，我是一个对细节极其挑剔的读者，尤其是在涉及到工艺流程的描述时，如果只是泛泛而谈，我很快就会失去兴趣。然而，《雕塑》在这方面的处理堪称教科书级别——当然，是那种最顶尖的、为少数人撰写的“内行秘笈”。它没有回避雕塑制作中那些令人头疼的工程学难题。比如，在讨论大型铸铜工艺时，作者详细分析了浇筑过程中温度梯度控制的难度，以及如何通过精确计算来避免内部出现气孔或应力开裂，甚至连蜡模的收缩率计算都有涉及。对于我这种虽然不是专业人士，但对“如何将宏伟蓝图变为现实”抱有强烈好奇心的人来说，这些硬核的细节简直是盛宴。它揭示了那些矗立千年的宏伟作品背后，是无数次失败的尝试、对物理定律的尊重与抗争。这种对“知其所以然”的追求，使得这本书的厚重感不再仅仅来自于页数，而是源自于对人类创造力边界的持续探索和挑战。
评分我通常阅读艺术书籍时，习惯于寻找那些能引发强烈情绪共鸣的作品案例，往往对那些被过度解读的经典敬而远之。这本书的厉害之处在于，它成功地将那些“高高在上”的艺术品拉下了神坛，用一种极其日常、甚至略带戏谑的口吻来重新审视它们与我们现代生活的关联。举个例子，书中分析某位文艺复兴大师的作品时，并没有沉溺于其神圣的主题，而是着重探讨了当时雕塑家如何解决材料运输、工匠管理以及委托方（往往是教会或贵族）的预算控制问题，将其置于一个极其世俗和充满烟火气的商业运作环境中。这种“去魅化”的处理方式，反而让我感到无比亲切和真实。它告诉我们，伟大的艺术从来都不是凭空产生的，而是诞生于特定时代、特定资源限制和特定人际博弈之下的产物。读完后，我再看那些博物馆里的展品时，脑海中浮现的不再是冰冷的名词解释，而是一个个鲜活的、为生计和梦想而奔走的匠人形象。这本书是严肃的，但阅读过程却充满了发现和乐趣。
评分我对艺术史的涉猎一直比较浅薄，更偏爱那些直击人心的瞬间，而不是枯燥的年代划分。因此，初翻《雕塑》时，我还有些担心自己无法跟上作者那种严谨的学术步伐。但很快，这种担忧就烟消云散了。这本书的叙事结构非常巧妙，它并没有采取传统的时间轴推进方式，而是选择了以“光影”为核心线索来串联起不同文明的创作实践。作者通过对不同环境下光线如何被雕塑表面捕捉、反射和消解的细致描摹，将古希腊的理想主义、中世纪的宗教象征以及文艺复兴的人文主义，都巧妙地编织在光影的变幻之中。例如，书中对一尊特定时期青铜塑像在午后斜阳下的“呼吸感”的描述，简直是神来之笔，那不仅仅是视觉上的描述，更像是一种听觉和触觉的叠加体验。它成功地将抽象的艺术概念具象化了，让我开始重新审视那些耳熟能详的作品，仿佛第一次透过一层陈旧的蒙尘布，看到了它们最初被创作出来时的那种震撼人心的力量。这本书的阅读体验是流动的，是感性的，它让你在知识的海洋里也能感受到艺术的脉搏。
评分这本《雕塑》的书，我拿到手里的时候，首先被它厚重的质感所吸引，纸张的触感非常细腻，装帧设计也透着一股沉稳的历史感，让人联想到那些历经沧桑的艺术瑰宝。然而，真正让我沉浸其中的，是它对材料本身的探讨。我原以为这会是一本侧重于西方古典主义雕塑的宏大叙事，但出乎意料的是，作者将大量的篇幅用来解析木材、石材、金属乃至现代复合材料在被赋予“形体”之前，它们自身所蕴含的物质属性和潜能。书中详细描述了不同石材的晶体结构如何影响光线的折射，以及特定木材在干燥过程中产生的内在张力，这些技术性的剖析，远超出了普通艺术鉴赏的范畴，更像是一部关于物质哲学的导览手册。阅读过程中，我仿佛能亲手触摸到那些原材料的冰冷或温热，感受到雕塑家是如何与这些“沉默的伙伴”进行漫长而艰苦的对话，最终将无序的物质转化为具有精神指向的实体。它不是教你如何“看”雕塑，而是让你学会如何“理解”雕塑的诞生过程，这种由内而外的视角转换，对我理解所有造型艺术都有着颠覆性的启示。
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