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出版者:Thames & Hudson

作者:Alastair Duncan

出品人:

页数:192 pages

译者:

出版时间:June 1992

价格:$ 36.10

装帧:paperback

isbn号码:9780500276600

丛书系列:

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怀旧与革新交织的时代回响：二十世纪初期的室内设计风潮 本册图书深入探讨了二十世纪初至三十年代风靡全球的一种极具辨识度的设计美学——装饰艺术风格（Art Deco）。不同于以往任何一种设计流派，装饰艺术风格不仅仅是一种视觉上的符号表达，它更深刻地折射出工业化浪潮、技术进步、以及社会结构剧变下，人们对于未来生活方式的集体想象与渴望。本书旨在为读者提供一个全面而细致的视角，解析这一风格的兴起、发展、核心特征，及其在不同设计门类中的具体体现，完全规避了对“Art Deco Furniture”这一特定主题的直接描述。 第一部分：时代背景与哲学根基——从新艺术运动到机械时代的审美转向 装饰艺术风格的诞生并非偶然，它是对前一个时代设计思潮的有力反拨与继承的复杂产物。我们首先将回顾“新艺术运动”（Art Nouveau）的有机线条、自然主义倾向，并分析为何这种风格在迅速工业化的背景下显得愈发不合时宜。 1. 工业革命的余晖与反思： 20世纪初期，大规模生产技术和新材料（如钢材、玻璃、混凝土）的普及，深刻地改变了物质世界的构成。设计师们开始思考，如何将现代工业的力量融入到美学表达中，摒弃手工艺的浪漫主义，迎接批量制造的效率与精确。 2. 对“未来”的集体憧憬： 第一次世界大战后，全球社会进入了一个寻求秩序、速度和现代化的阶段。这股思潮催生了对“未来主义”的推崇，强调几何的纯粹性、对称的平衡感，以及对速度、运动的赞美。装饰艺术风格正是这种社会心理的物质载体。 3. 跨文化的大熔炉： 本部分将详细考察装饰艺术风格的灵感来源，它并非单一文化的产物。从古埃及图坦卡蒙陵墓的发现带来的异域情调，到巴伐利亚工艺联盟（Deutscher Werkbund）对功能主义的初步探索，再到东欧的立体主义（Cubism）对形式的解构，这些元素被熔炼一炉，形成了装饰艺术风格兼收并蓄的独特气质。我们着重分析了其对古典几何元素（如阶梯状、人字形）的运用，以及对非西方（如玛雅、阿兹特克）图案的抽象化提取。 第二部分：风格的核心语汇——形式、材料与装饰母题 本章将聚焦于装饰艺术风格最显著的视觉特征，阐释其如何通过特定的形式语言来表达其现代性主张。 1. 几何学的胜利： 装饰艺术风格的核心在于对纯粹几何形态的推崇。本书将详尽描绘其标志性的“太阳光芒”（Sunburst）、“层叠”（Ziggurat，层级金字塔状）以及“流畅的速度线”（Speed Lines）。我们剖析了这些形态如何被应用于建筑的立面、公共空间的地面设计以及各种日常用品的轮廓塑造中，以此营造出一种结构化的、动态的秩序感。 2. 奢华与科技的对话： 装饰艺术对材料的选择是其风格的灵魂之一。与新艺术运动偏爱的木材和玻璃不同，装饰艺术青睐那些能够体现时代进步的材料。本书将深入探讨稀有异木（如斑马木、鸟眼枫木）的精湛镶嵌工艺，镀铬金属和不锈钢带来的冷峻光泽，以及电木（Bakelite）这类早期塑料的崭露头角。此外，漆器（Lacquer）被重新演绎，以其高饱和度的色彩和极致的光滑表面，成为表达奢华感的重要媒介。 3. 图案的象征意义： 装饰艺术的图案具有强烈的符号性和装饰性，它们往往是自然界元素（如飞翔的鸽子、羚羊、扇形羽毛）的高度程式化和几何化处理。本节将辨析这些图案在不同设计语境下的象征意义——速度、财富、健康与现代生活。 第三部分：风格的广阔疆域——从建筑到平面设计的渗透 装饰艺术风格的影响力是全方位的，它渗透进了现代生活的每一个层面。本书将分别考察其在关键设计领域的具体表现。 1. 纪念性建筑的宣言： 我们将重点分析装饰艺术风格在城市天际线上的体现，尤其聚焦于纽约的克莱斯勒大厦（Chrysler Building）和洛克菲勒中心等标志性建筑。这些建筑如何运用垂直线条、阶梯式退台和金属尖顶，来表达企业的力量与民族的雄心。我们将探讨建筑外立面装饰、入口大厅的宏大叙事，以及这些公共空间如何通过设计引导公众的情绪。 2. 室内空间的戏剧性： 虽然不直接讨论家具，但本书会详细描述装饰艺术风格室内设计的整体氛围。这包括对壁炉、照明设备（如灯罩和落地灯的磨砂玻璃与几何造型）、镜子（强调边缘的阶梯切割）以及墙面处理（如丝绸墙布、镜面镶嵌）的分析。室内设计旨在创造一种既私密又充满戏剧张力的社交环境。 3. 交通工具的流线美学： 装饰艺术风格在交通工具上的应用是理解其“速度崇拜”的绝佳途径。本书将分析豪华邮轮、火车卧铺车厢以及早期飞机的内饰设计。这些设计如何通过流线型的木质镶板、统一的色彩方案和高度集成的功能布局，将旅行体验提升为一种精英化的、充满魅力的体验。 4. 平面设计与印刷媒体： 在广告、海报和书籍装帧领域，装饰艺术风格同样留下了深刻的印记。我们将研究设计师如何运用粗犷的黑色轮廓、醒目的色彩对比以及高度结构化的排版，来捕捉现代都市的活力。这些印刷品不仅是信息的载体，更是那个时代时尚与消费主义的缩影。 第四部分：风格的演变与最终的谢幕 装饰艺术风格并非一成不变，它在不同地域和不同的创作手中展现出多样性，并最终在历史洪流中完成了自身的使命。 1. 区域性的变奏： 本章将对比法国巴黎的“高雅精致”风格（强调精湛工艺与异国情调）与美国“摩天大楼风格”（强调垂直感与规模感）。同时，也将探讨斯堪的纳维亚地区如何将装饰艺术的几何感与本地的简洁传统相结合。 2. 功能主义的挑战： 到了三十年代后期，以包豪斯为代表的国际主义风格开始兴起，强调“形式服从功能”的理念，对装饰艺术中过度强调装饰性的倾向提出了质疑。本书将分析装饰艺术风格如何尝试自我调适，例如，一些设计师开始简化色彩，削弱繁复的镶嵌，朝着更简洁的“流线型现代主义”（Streamline Moderne）过渡。 3. 遗产与回响： 尽管在二战前后逐渐淡出主流视野，装饰艺术风格并未消失。我们将探讨它如何影响了战后时期的商业设计，以及在当代复古浪潮中，其独特的魅力如何被重新发掘和致敬。 通过以上四个部分的深入剖析，本书力求为读者构建一个关于二十世纪早期设计史的宏大图景，展现出装饰艺术风格作为现代性初次大规模美学实践的复杂性、光辉与历史意义。

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这本关于装饰艺术风格家具的书籍，简直是一场视觉盛宴。我原本对这个时期的设计了解不多，但光是翻阅那些精美的图片，就已经让我沉醉其中。书中的排版设计非常讲究，每一页的布局都像是一件精心打磨的艺术品。那些流线型的线条、大胆的几何图案，以及对奢华材料的运用，都让人感受到那个时代特有的精致与张扬。作者似乎对每一个细节都进行了深入的考究，从黄铜镶嵌到精细的木材纹理，无不体现出一种对工艺的极致追求。我特别喜欢其中关于不同国家和地区对装饰艺术风格演绎的章节，这让我看到了这种风格的全球化影响，以及它如何与当地的文化传统巧妙地融合。阅读的过程中，我仿佛能听到那个爵士乐的时代背景音，感受到巴黎的优雅和纽约的活力。这本书不仅仅是一本图册，更像是一部关于时代精神和美学演变的深度考察报告，对于任何热爱设计、历史或者仅仅是被美的事物所吸引的人来说，都是一份不可多得的宝藏。我甚至开始考虑，是否该在自己的家居中也引入一些这种风格的元素，哪怕只是一件小小的配饰，也能瞬间提升空间的格调。

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这本书在视觉呈现上达到了一个极高的水准，它几乎就是一本“如何欣赏装饰艺术家具”的实战指南。我特别留意到书中对于光线在不同材质上反射效果的捕捉，这在许多同类书籍中常常被忽略。那些抛光的金属、镜面、以及深色漆面，在摄影师的镜头下展现出惊人的立体感和深度。更值得称赞的是，它不仅仅罗列了成品家具，还穿插了许多早期设计草图和工厂制作过程的照片，这极大地满足了我对“幕后故事”的好奇心。通过这些对比，我清晰地看到了手工技艺如何在批量生产的压力下努力保持其艺术纯粹性。整本书的设计风格本身就充满了装饰艺术那种对称、秩序与精致的韵味，从封面到内页的页码设计，都体现了一种对美学完整性的执着。阅读此书，就像是得到了一张通往那个辉煌年代工艺巅峰的通行证，让人心生敬畏，并对人类创造力的广度有了更深的理解。

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这本书的装帧本身就让人爱不释手。厚实的纸张，精良的印刷，每一次翻页都带着一种仪式感。我以前也收藏过几本关于现代主义家具的书，但大多专注于功能主义的简洁，而这本书则完全是另一种体验——它颂扬了装饰与工艺的复杂性。书中对一些标志性设计师的作品分析得非常透彻，我尤其欣赏它对细节的捕捉，比如如何通过特定类型的木皮拼接（如桃花心木、斑马木）来营造奢华的视觉错觉。它没有回避那个时代家具设计中的一些争议性话题，比如过度装饰与实用性之间的平衡，这使得内容更加立体和真实。读完全书，我感觉自己仿佛接受了一次高级定制课程，学会了如何用更挑剔的眼光去审视家具的结构、比例和装饰母题。对于那些追求高品质生活体验的读者来说，这本书提供的知识和美感体验是无价的，它让你知道，一件家具如何能超越其实用价值，成为一个时代的宣言。

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我不是科班出身的设计师，只是一个对家居美学有强烈好奇心的普通爱好者。我原本以为会读得很吃力，因为涉及历史和工艺的词汇可能会很多，但出乎意料的是，这本书的可读性非常高。作者巧妙地将复杂的历史背景融入到家具的描述中，使得每一次案例的呈现都像是讲述一个精彩的故事。比如，讲述某个纽约大都会的宴会厅的家具时，那种浮华与禁酒令时期的地下活动交织的氛围感，立刻就通过文字和图片跃然纸上。这本书的叙事节奏把握得很好，不会让人感到沉闷。它成功地将一个看似遥远、精英化的艺术流派拉近到了普通读者的生活层面，让我开始重新审视自己家中那些看似普通的物件，思考它们背后的设计理念和时代烙印。我非常推荐给那些希望提升自己审美素养，但又不想被晦涩理论劝退的读者，它是一座连接艺术与日常生活的优雅桥梁。

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坦白说，我抱持着一种审慎的态度拿起这本书，因为市面上关于特定艺术风格的书籍往往流于表面，充斥着大量重复的、缺乏深度的内容。然而，这本书的专业性令人印象深刻。它的叙事结构非常清晰，从装饰艺术的起源，追溯到对新艺术运动的回应与反叛，再到其在不同媒介——建筑、室内设计、平面设计——中的全面渗透。作者的论述逻辑性极强，引用的历史文献和案例分析都非常扎实，绝非空泛的赞美之词。特别是关于材料科学在那个时期如何推动家具设计创新那一部分，我学到了很多关于当时新材料（如铬合金、赛璐珞）如何被融入传统硬木结构中的知识。这本书的文字风格是严谨而富有洞察力的，它不只是展示“美”，更重要的是解释了“为什么美”——探讨了工业革命的背景、社会阶层对奢华消费的需求，以及对未来主义的向往如何共同塑造了这种独特的视觉语言。对于想要深入研究设计史的学生或专业人士来说，这本书无疑是值得收藏的参考书目，它提供了远超预期的学术价值。

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