具体描述
"Editing is the creative force of filmic reality." So Dmytryk, director of the American classic "The Caine Mutiny" begins this little book, which he hopes will aid film directors and editors in perfecting their art. It is informative for general audiences as well, demonstrating how deeply the experience of any film relies on the creativity and versatility of its editor.
Product Description
On Film Editing explains, in simple terms, the principles of film editing, using examples and anecdotes. Written in an informal "how-to-do-it" style, renowned director Edward Dmytyrk shares his expertise and experience in film editing in an anecdotal and philosophical way.
In On Film Editing, Dmytryk contends that many technicians and professionals on the film crew-- from the cameraman and his assistants to the producer and director-- must understand film editing to produce a truly polished work. In this book he explains in layman's terms the principles of film editing, using examples and anecdotes from almost five decades in the film industry.
A perfect introduction to film editing.
Written in easy to understand language
Supported by examples from famous films and the author's vast experience.
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
这本书最让我赞叹的一点，在于它对“剪辑师的职业道德与审美判断”的探讨，这部分内容远远超越了纯粹的技术范畴。作者深入探讨了在面对导演意图、制片方压力和观众预期这三者之间的复杂角力时，一个优秀的剪辑师如何坚守自己的艺术良知，如何在妥协与坚持中找到那个“最好的版本”。他用了很多篇幅来讨论“删除的艺术”，即哪些精彩的镜头——即使技术上完美无瑕——也必须为了整体叙事的清晰或情绪的连贯而被忍痛割爱。这种对“取舍”的深刻理解，体现了作者极高的行业成熟度。阅读这些论述时，我仿佛能感受到历史长河中那些默默无闻却至关重要的剪辑大师们的灵魂在与我对话，那种对电影本体的忠诚感令人动容。书中的案例选择也极为高明，它引用了大量非主流但极具启发性的片段来佐证观点，避免了过度依赖那些被过度解读的好莱坞大片，让整个评价体系更具批判性和原创性。
评分坦白说，这本书的后半部分在讨论“声音”与“画面”的互动时，对我产生了近乎颠覆性的影响。在很多教科书中，剪辑通常被视为纯粹的视觉艺术，但本书却坚定地将声音设计提升到了与画面同等重要的地位，甚至在某些瞬间，强调声音才是主导情绪的关键变量。作者对“同期声的欺骗性”和“非同期声音的心理暗示作用”的论述，简直是教科书级别的精彩。他笔下的声音不再是背景噪音的叠加，而是一种主动参与叙事的元素，能够无声地改变观众对所见画面的解读。比如，他分析了一段在寂静中突然爆发的音乐如何瞬间将一个平淡的场景提升到史诗级别，这种对“留白”和“填满”的辩证思考，让我对后期声音处理有了全新的敬畏。这本书的结构设计也非常巧妙，它不像是按部就班的教学手册，更像是一位资深剪辑师在午夜对自己学徒进行口传心授，充满了经验的沉淀和对行业潜规则的洞察，读起来感觉非常私密和有价值。
评分这部关于电影剪辑的书籍，我是在一个深夜偶然发现的，当时我正沉浸在对蒙太奇理论的探索之中，希望能找到一些更具操作性的指导。首先映入眼帘的，是它那极具年代感的封面设计，仿佛带着一股老胶片的味道，让我立刻联想到了那些黄金时代的经典作品。书的开篇并没有直接切入技术细节，而是用一种近乎哲学思辨的笔触，探讨了“时间”在电影叙事中的本质。作者似乎非常强调剪辑师在重塑时间流向中所扮演的“魔法师”角色，而非仅仅是技术工人。我尤其欣赏他对不同历史时期剪辑风格流变的梳理，比如从苏联学派的冲击性剪辑到好莱坞经典叙事剪辑的演变，那种历史的厚重感让人在阅读时能感受到一股强大的学术力量。他对于镜头语言的分析极其细腻，不是简单地告诉我们“在哪里剪”，而是深入剖析了“为什么要在这里剪”，这种深层逻辑的探讨，极大地拓展了我对剪辑潜能的想象空间，让我对每一次转场都有了更深层次的敬畏。整本书的行文节奏缓慢而有力，像是一部精心打磨的长镜头，需要读者沉下心来细细品味其中蕴含的智慧，绝非市面上那些浮于表面的速成指南所能比拟。
评分当我翻开这本书的中间部分时，我发现它在探讨“情绪”与“节奏”的关系上，展现出了一种近乎音乐性的理解。作者似乎是一位深谙古典乐理的行家，他将蒙太奇的节奏比喻为交响乐的变奏，用清晰的术语描绘了如何通过片段的长度、画面的密度和声画对位来引导观众的情绪起伏。我记得有一个章节专门分析了特定类型片——比如心理惊悚片和浪漫喜剧片——在节奏处理上的微妙差异，这对我个人创作中遇到的瓶颈提供了全新的视角。他没有提供任何现成的“模板”，而是提供了一套分析和自我校准的工具箱。阅读过程中，我经常停下来，将书中的理论与我最近观看的几部独立电影进行对照分析，效果惊人。每一次作者提出一个剪辑原则，他都会辅以一个非常具体的、看似微不足道的镜头组合作为范例，但正是这些微小的组合，揭示了宏大的叙事效果是如何被层层累积起来的。这本书的文字风格非常清晰、精准，逻辑链条严密得像一台瑞士制造的精密仪器，读起来让人感到踏实，仿佛真的被牵引着走入了剪辑室的核心机密之中。
评分这本书的语言风格充满了严谨的学术气息，但又夹杂着一种罕见的、对电影艺术近乎狂热的爱意。它没有提供任何“如何使用软件A进行转场”的傻瓜式教程，这反而让它脱颖而出，成为一部真正意义上的“理论基石”。作者在论述中大量引用了哲学和心理学的概念，构建了一个宏大而自洽的剪辑理论体系，让我认识到，剪辑不仅仅是“把片段拼起来”，而是一种深层次的认知活动，一种对人类感知机制的精准操控。我特别喜欢作者在总结时所使用的那些充满力量感的排比句式，它们像是一种号召，鼓励读者走出舒适区，去挑战那些看似固定的叙事范式。总而言之，这本书更像是一座灯塔，照亮了电影艺术的深海，而不是一艘渡船，帮你快速抵达对岸。它要求读者投入时间、思想和情感，但所给予的回报，是能够彻底重塑你对“电影剪辑”这个词的全部理解，让每一次观看电影的体验都变得更加丰富和有深度。
评分最近因上课需要在读这本书。以前一直觉得剪辑么，凭天赋，凭灵感，凭经验就好了，但是才看了一半就意识到电影剪辑是一门早就已经被科学化了的技术。有很多基本功要学。一两祯画面的区别也会造成巨大的不。所有的细微处理必须有精确的理由。以前真是太无知太随意了，忘记了电影本身是个工业体系。
评分最近因上课需要在读这本书。以前一直觉得剪辑么，凭天赋，凭灵感，凭经验就好了，但是才看了一半就意识到电影剪辑是一门早就已经被科学化了的技术。有很多基本功要学。一两祯画面的区别也会造成巨大的不。所有的细微处理必须有精确的理由。以前真是太无知太随意了，忘记了电影本身是个工业体系。
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评分最近因上课需要在读这本书。以前一直觉得剪辑么，凭天赋，凭灵感，凭经验就好了，但是才看了一半就意识到电影剪辑是一门早就已经被科学化了的技术。有很多基本功要学。一两祯画面的区别也会造成巨大的不。所有的细微处理必须有精确的理由。以前真是太无知太随意了，忘记了电影本身是个工业体系。
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