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出版者:Univ of Illinois Pr

作者:Friends of Community Public Art

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2006-12

价格:$ 28.19

装帧:Pap

isbn号码:9780252074417

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 艺术
• 雕塑艺术
• 艺术史
• 视觉艺术
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• 艺术品
• 摄影

雕塑之形：材料、技艺与观念的演变 图书简介 《雕塑之形：材料、技艺与观念的演变》并非一本聚焦于特定艺术家或流派的图鉴，而是一部旨在深入剖析雕塑艺术本体论的学术性著作。本书将雕塑视为一种跨越文化与时空的物质性实践，重点探讨其在不同历史阶段所采用的材料基础、技术手段的革新，以及这些变化如何反作用于艺术家的创作理念和作品所承载的文化意义。 第一部分：物质的起源与原始的摹仿 本书开篇追溯至史前时代，探讨人类最早的造型冲动如何体现在石器与骨骼的打磨之中。这一部分将“雕塑”的范畴拓展至最基础的“物质转化”层面，分析早期人类如何通过削切、打磨和堆叠来再现或象征自然界中的生命形态。我们详细考察了旧石器时代的动物形象（如拉斯科洞穴的浮雕）和新石器时代的陶塑，重点阐释了工具的局限性如何塑造了早期的审美形式——往往是程式化的、符号化的，而非追求自然主义的精确。 在古文明阶段，本书深入分析了埃及、美索不达米亚和爱琴海文明中雕塑的“功用性”与“永恒性”。埃及雕塑的严格比例、正面律以及对“卡”（Ka，灵魂的生命力）的物质化表达，被视为一种服务于宗教与王权的稳定化技术。我们考察了如何通过坚硬的石材（如闪长岩、花岗岩）的雕琢，实现对时间流逝的抵抗。同时，米诺斯文明的陶塑和青铜铸造则展现了早期对于动态捕捉和叙事性的探索，尽管其技术成熟度与后续的希腊文明尚有差距。 第二部分：古典的平衡与媒介的革命 本书的第二部分将焦点集中于古希腊和罗马时期，这一阶段被视为西方雕塑技艺和观念的奠基期。我们不再仅仅将这一时期的作品视为“美的典范”，而是将其视为一次材料科学与人体解剖学理解的深刻融合。 我们详细剖析了从早期的人体僵硬造型（如库洛斯/科雷）向古典时期的“对立平衡”（Contrapposto）的转变过程。这种平衡不仅仅是视觉上的，更是哲学上的人性化体现——将神性与凡人的动态感结合。技术层面，本书对大理石的精细加工技术进行了深入的分析，特别是如何利用不同硬度的工具组合，模拟出皮肤、布料和毛发的质感。 紧接着，我们探讨了青铜铸造技术（特别是失蜡法）在希腊化时期的飞跃。青铜材料的轻盈性、韧性以及在细节表现上的优势，使得雕塑从传统的依附于建筑的体块，解放出来，成为可以独立存在的、动态的、甚至具有戏剧性的艺术品。罗马雕塑在这一基础上，侧重于肖像的写实主义（Verism）和历史叙事的记录，这标志着雕塑作为“历史文献”角色的确立。 第三部分：中世纪的转化与精神的物质化 进入中世纪，本书指出雕塑的语境发生了根本性的转移——从公共广场和神庙转向了教堂的内部装饰和建筑的附属结构。这一转变导致了雕塑功能性的剧变：它不再是独立的美学对象，而是“教化”的媒介。 我们详尽分析了罗马式雕塑（Romanesque）的浮雕，其特点是强烈的平面化、符号化的表达，以及对空间透视的漠视。材料的选择上，木雕的重要性显著提升，这与中世纪偏爱内在精神表达而非外在肉体模仿的倾向相符。在哥特式时期，随着建筑技术的进步（如飞扶壁的出现），墙体的“解放”使得雕塑获得了更独立的空间。我们对比了中世纪晚期法国和德语区雕塑中，从僵硬的造型逐渐向更具情感张力的、表现圣母哀伤或圣徒苦难的“造型语言”演变，这一过程预示着文艺复兴对人体表现力的重新关注。 第四部分：文艺复兴的复兴与技艺的回归 文艺复兴时期被视为雕塑史上的一个关键转折点，本书将其定位为对古典技艺的系统性回归与哲学上的革新。重点考察了多纳泰罗（Donatello）在材料使用上的大胆尝试，如他以青铜创作的《大卫》，如何重新引入了对人体裸露与复杂心理状态的探索。 阿尔伯蒂和达芬奇的理论探讨为雕塑的“三维空间论”奠定了基础。布鲁内莱斯基的竞赛作品和米开朗基罗的《大卫》不仅是技术上的巅峰，更是对“潜能”与“形式解放”观念的阐释。米开朗基罗对于大理石的痴迷——他认为雕塑是将“被困在石头中的形体释放出来”——深刻影响了后世对材料与创作关系的理解。本书详细对比了湿泥塑（用于模型）和最终的石材或青铜成品之间的“转化过程”，强调了这一时期对技术精度和材料特性的精微控制。 第五部分：巴洛克到新古典的动态与理性 巴洛克时期的雕塑以贝尔尼尼（Bernini）为代表，其核心在于“动态的瞬间性”和“戏剧性的情感爆发”。本书分析了贝尔尼尼如何利用大理石模拟出织物飘动、头发飞扬、皮肤湿润的极致效果，这要求铸造与雕刻技术达到前所未有的细腻程度。我们探讨了光线（外部环境）如何被视为雕塑作品不可分割的一部分，巴洛克雕塑不再是封闭的形体，而是积极地与观者空间进行互动。 紧随其后的是对新古典主义的审视。温克尔曼和卡诺瓦（Canova）的回归是对巴洛克“过度表现”的反动。这一部分强调了对“崇高”与“理想化”的追求，以及对古希腊青铜作品的“追溯”（即用大理石模仿青铜的质感）。技术上，新古典主义对大理石的抛光达到了顶峰，追求一种近乎“完美无瑕”的、冰冷的理性光洁度。 第六部分：现代性的挑战与材料的解放 本书的后半部分聚焦于现代雕塑的剧烈变革，这与工业革命和两次世界大战带来的社会结构冲击息息相关。 十九世纪末期，罗丹（Rodin）的作品标志着雕塑从“完成度”的束缚中挣脱。我们分析了罗丹如何故意保留工具的痕迹（如凿痕），以此表达内在精神的挣扎，而不是追求表面光滑的完美。 进入二十世纪，材料的“解放”成为核心议题。立体主义和未来主义开始瓦解雕塑的传统“块状”概念。立体主义者对拼贴和组合的运用，以及未来主义对速度和动态的追求，直接影响了对传统材料（如青铜、大理石）的弃用。 本书随后详细梳理了从抽象表现主义到极简主义的演变： 1. 集合与构造（Assemblage and Construction）： 分析了立体派和俄国建构主义者如何使用现成品（Found Objects）和工业材料（如铁丝、木板），挑战了雕塑“必须是雕刻或铸造”的传统观念。 2. 空间即雕塑： 考察了纳姆·朱尼思（Nam June Paik）的动态雕塑和亚历山大·考尔德（Alexander Calder）的可动雕塑（Mobiles），强调了“时间”和“运动”如何被纳入雕塑的物质构成。 3. 极简主义的纯粹性： 重点分析了唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）如何使用工业材料（如钢铁、铝、砖块），并以“特定的物体”（Specific Objects）的形式，消除艺术家主观的“表达”，让材料的物理属性和作品与场域的关系成为作品的本质。 第七部分：后现代的界限消融 最后一章探讨了当代雕塑的多元化趋势，此时“雕塑”的概念已极大地拓宽，几乎与装置艺术（Installation Art）和行为艺术（Performance Art）重叠。本书关注艺术家如何利用新媒体、光线和虚拟现实来挑战物质的永恒性。 我们分析了当代艺术家如何重新挖掘传统材料的潜力（如安塞尔姆·基弗的铅和灰烬），以及如何利用非传统材料（如塑料、橡胶、有机物）来讨论消费文化、环境问题和身份政治。核心论点是：当代雕塑不再仅仅是“制作一个物体”，而是对“物质性”、“空间性”和“观看行为”的复杂提问。 总结 《雕塑之形》通过对材料物理性质的精确分析和对技术变革的深入梳理，揭示了雕塑艺术是如何在物质的约束中寻求解放，并在每一次技艺的突破中实现观念的飞跃。它是一部关于物质如何被驯服、被塑造，并最终承载人类永恒的造型欲望的编年史。

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这本书最让人赞叹的一点，在于它成功地将雕塑从传统的“造型艺术”范畴中解放了出来，赋予了它更强的社会学和心理学意义。作者深入探讨了公共空间中的纪念碑和纪念物的角色转换——它们如何从单纯的记忆载体，逐渐演变为引发社会争议和身份认同讨论的焦点。书中对“被移除的雕塑”这一现象的分析尤其犀利，它不再将移除行为视为对历史的破坏，而是视为当代社会与过去进行的一场无法避免的“空间对话”。作者并没有给出简单的对错判断，而是展示了这种“断裂”是如何重塑我们对英雄、对历史叙事的集体认知。这种对艺术与社会权力结构交织关系的探讨，让这本书的厚度远远超出了艺术评论的范畴，它更像是一部关于集体记忆与身份政治的精妙文本。我读完后，感觉不仅仅是对雕塑艺术有了新的认识，更是对我们如何看待历史和空间关系产生了一种更复杂、更审慎的态度。

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我得坦诚地说，这本书的结构非常反直觉，初读之下可能会让人感到些许困惑，因为它完全没有遵循我们通常期待的“按时代顺序”或“按流派划分”的编排方式。它更像是一位饱经沧桑的工匠，在他自己的创作间隙里，随性地翻捡着他收集的关于形态与空间的故事。其中有一部分专门探讨了“缺失的维度”——那些仅仅存在于创作者构思中，但最终因技术或材料限制而未能实现的形体。作者通过想象力，将这些“未完成”的作品赋予了它们应有的生命和意义，探讨了“不完美”本身作为一种美学范畴的价值。这种对未竟之作的致敬，让我深思：我们是否过于迷恋那些摆在眼前光鲜亮丽的成品，而忽略了创作过程中那些被遗弃的、充满潜力的“草稿”？这本书的视角极为独特，它迫使读者从一个全新的角度去审视艺术的诞生过程，它探讨的不是“雕塑是什么”，而是“雕塑的边界在哪里”。这种批判性的、探索性的论述方式，着实令人耳目一新，也为我后续的艺术鉴赏提供了更为广阔的思维框架。

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这本书简直是打开了我对艺术理解的新世界大门！我一直以为雕塑这种东西，要么是博物馆里那些高高在上、冷冰冰的古典美人，要么就是现代艺术展上那些让人摸不着头脑的怪异组合。但这本书完全颠覆了我的刻板印象。它没有直接去罗列某位雕塑家的生平或者某件作品的年代考证，而是采取了一种极其巧妙的叙事方式——从“材料的哲学”入手。作者用非常细腻且富有诗意的笔触，描绘了木头、石头、金属乃至粘土在被赋予人类意志后所产生的内在挣扎与最终的和谐。比如，书中对青铜铸造过程中那种热烈、近乎炼金术般的转化过程的描述，简直是栩栩如生，我仿佛能闻到那股灼热的硫磺气味。更让我震撼的是，作者并不回避雕塑作品的“时间性”问题。一件作品诞生后，它如何与光影共舞，如何被灰尘和风雨侵蚀，甚至如何在未来被误读或遗忘，这些都被纳入了对“完整作品”的探讨范畴。读完后，我去看那些久远的雕塑时，不再只是关注它们“是什么”，而是开始思考它们“如何存在”以及“还将存在多久”。这本书的阅读体验是沉浸式的，它更像是一本关于物质与精神对话的散文集，而不是一本传统的艺术史教材。

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阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是一次精神上的“减速慢行”。在如今这个信息爆炸、节奏飞快的时代，我们对事物的理解往往停留在表层的标签上。这本书却像一股强劲的逆流，将我带回到那种需要耐心、需要细致观察的领域。作者在讨论不同文化背景下的雕塑传统时，没有采取那种居高临下的比较视角，而是努力去理解每种材料和每种仪式背后所蕴含的生存智慧。例如，他对东方传统中“留白”概念在立体造型中的体现的阐述，简洁而深刻，让人茅塞顿开。他将雕塑家比作是“与自然签订契约的谈判者”，这个比喻极其精妙，一下子点明了艺术创作中人与材料、人与环境之间的微妙博弈。这本书的排版和用纸也看得出是用心良苦，每一次翻页，那种纸张的触感和油墨的清香，都在提醒着读者，你正在接触的是一种需要时间沉淀的艺术形式。它真正做到了让读者“慢下来”，去感受形式背后的重量与温度。

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如果说市面上大多数艺术评论都过于学术化，充满了晦涩难懂的术语和故作高深的理论，那么这本书简直是一股清流，它的文字有一种直击人心的力量，充满了生活化的观察和真诚的体验。我最喜欢它探讨“动态中的雕塑”这一章节。我们习惯于将雕塑视为静止的，但作者通过对肢体语言、面部表情的深入剖析，阐明了即便是最坚硬的材料，也能捕捉到生命最微小、最瞬间的运动轨迹。比如，对一件表现奔跑姿态的作品的分析，作者没有用什么“比例失调美学”之类的术语，而是用“那份即将离地的挣扎感”、“脚掌与地面分离前的最后一次承诺”这种极具画面感的语言来描述，让我瞬间理解了那位创作者想要定格的那个“零点几秒”。这种描述方式，使得即便是对雕塑完全不了解的门外汉，也能立刻被其魅力所吸引。整本书的节奏把握得非常好，时而如涓涓细流般温柔，时而又如同铁锤敲击般有力，节奏的张弛之间，恰到好处地引导着读者的情绪波动，让人欲罢不能。

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