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出版者:Columbia Univ Pr

作者:Ho, Edward (EDT)/ Cham, Estella (EDT)/ Chan, Ming-chi (EDT)/ Kwan, Kenneth (EDT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:150

装帧:Pap

isbn号码:9789629962142

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
• 当代音乐
• 音乐理论
• 音乐分析
• 20世纪音乐
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• 现代音乐
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• 音乐文化

音乐的脉络：一部探寻现代声音景观的著作 副标题：从古典主义的余晖到数字时代的声景重塑 作者： [此处可填入一个富有学术气息的虚构作者名，例如：伊莱亚斯·范德堡 (Elias Vandenberg)] 出版社： [此处可填入一个虚构的学术出版社名，例如：格拉夫顿学术出版社 (Grafton Academic Press)] --- 导言：在断裂与连续之间 本书并非对“当代音乐”进行一个涵盖性的编年史或风格分类手册。相反，它是一次深入的、批判性的考察，旨在解析自二十世纪中叶以来，音乐艺术如何在剧烈的社会、技术和哲学变革的熔炉中，重塑其本体论、美学观念以及听众的接收方式。 我们试图挑战一种将“当代音乐”简单等同于“二十世纪后半叶至今的学术前卫创作”的狭隘定义。本书的视野更为广阔，它将现代性的核心焦虑——异化、碎片化、技术的介入——投射到整个西方音乐传统以及全球化背景下的声音实践中。我们关注的焦点在于“理解”本身：理解音乐如何从一种结构化的、有意义的表达到一种体验性的、常常是去中心化的感知过程。 本书将主要围绕三个核心议题展开：现代性的声学遗产、技术与本体论的耦合，以及聆听行为的重构。 --- 第一部分：现代性的声学遗产与批判的视角 第一章：从序列主义的纯粹性到后世的反思 本章追溯了二战后，以达姆施塔特夏季课程为中心的序列主义（Serialism）运动的高峰及其内在的矛盾。我们分析了梅西安（Messiaen）和布列兹（Boulez）如何试图通过对所有音乐元素的严密控制，来抵抗战争带来的非理性暴力和传统审美体系的崩溃。然而，这种对绝对控制的追求，也内含了通往极端客观化和听觉疏离的风险。 重点探讨的是序列主义对“意义”的去中心化尝试。我们考察了斯托克豪森（Stockhausen）早期作品中对时间和音色的绝对化处理，以及皮埃尔·布利奥（Pierre Boulez）的《无主之物》（Structures）如何将作曲家的意图推向一个难以被日常听觉经验触及的领域。 接下来的内容将转向对这种严格理性主义的反动：对非结构化和偶发性的拥抱。我们深入分析了约翰·凯奇（John Cage）的“机遇”哲学——《4'33"》并非简单的静默，而是一种对“声音”（Sound）与“音乐”（Music）边界的哲学性叩问。本章批判性地评估了这些激进立场如何将作曲家的主体性推向边缘，并迫使听众面对声音的原始存在。 第二章：新浪漫主义的幽灵与极简主义的回归 在对前卫主义的极端理性和偶然性的疲惫中，七十年代开始出现了一种对情感表达和可听性（Hearability）的重新渴望。本章分析了“新浪漫主义”或“新表现主义”在特定作曲家群体中（如美国的芬内西（Crumb）或某些欧洲后浪漫主义者）的复兴迹象。这并非是对十九世纪的简单回归，而是在经历了现代主义洗礼后，对“美感”和“情感深度”的审慎重估。 同时，我们将焦点转向对时间感的根本性颠覆——极简主义（Minimalism）。从拉蒙特·扬（La Monte Young）对纯音的冥想，到史蒂夫·赖奇（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的相位（Phasing）技术，极简主义提供了一条绕过复杂结构化叙事、直接作用于时间知觉的路径。我们探讨了极简主义与美国文化中对重复、劳动和商业化逻辑的复杂关系。极简主义的重复性，究竟是通往禅宗般的超脱，还是对消费主义单调性的艺术性模仿？ 第三章：电子媒介的介入与声音的物质性 声音不再仅仅是声波的振动，它成为了可被塑造、合成、扭曲的物质。本章聚焦于电子音乐的早期发展，特别是科隆的 WDR 工作室和巴黎的 GRM 的不同路径。 我们对比了电子声学（Electronic Sound Synthesis）与具体音乐（Musique Concrète）的本体论差异。具体音乐家（如皮埃尔·舍费尔 Pierre Schaeffer）将录制的现实世界的声音片段（噪音、环境声）视为“现成材料”（ready-made），强调声音的“物体性”和记录媒介的痕迹。而电子合成则试图构建一个完全“人造”的声音宇宙。 本章的分析深入到声学物理层面，探讨合成器、滤波器的发明如何彻底改变了作曲家对音高、音色、动态的控制力，并讨论了这些技术如何促成了对传统乐器音响的解构和重组。 --- 第二部分：技术、媒介与听觉的重构 第四章：技术异化与声音的谱系学 本书将重点分析二十世纪后半叶以来，录音技术、合成技术以及后来的数字技术如何不可逆转地改变了音乐的“现场性”和“真实性”。我们审视了“录音”（Recording）本身作为一种艺术媒介的地位——它不再是现场表演的附庸，而是拥有自身叙事结构和美学潜力的实体。 我们将探讨后现代对“原创性”（Originality）概念的消解。采样（Sampling）作为一种核心技术，其伦理和美学意涵是什么？当我们把巴赫的赋格或爵士乐的即兴片段嵌入到新的声音环境中时，我们是在致敬、挪用，还是在进行一次批判性的解构？ 本章引入了关于声学景观（Soundscape）理论的讨论，借鉴赫尔曼·冯·赫尔曼（R. Murray Schafer）的工作，将音乐置于更广阔的环境声音背景下考察。现代音乐的实践，无论是对极端高频的探索还是对不可闻低音的利用，都是对我们传统听觉过滤机制的挑战。 第五章：数字时代的声音拓扑学：算法与无限性 随着计算机和数字信号处理（DSP）的普及，音乐创作进入了算法驱动的领域。本章讨论了算法作曲（Algorithmic Composition）对传统作曲家角色的冲击。作曲家从“写谱人”转变为“系统设计者”。我们分析了对复杂数学模型和混沌理论的应用，以及这些实践如何试图在看似随机的表象下，重建一种新的、非人类中心主义的结构秩序。 本章还将关注网络媒介对音乐传播和体验的影响。流媒体、数字档案、即时反馈机制如何重塑了音乐的价值评估体系？当音乐的稀缺性消失，其“艺术价值”是否也随之稀释或转移？ 第六章：跨界与融合：音乐的“后体裁”状态 二十世纪末至今，体裁的界限变得日益模糊。本章探讨了当代音乐如何主动渗透或吸收其他领域的声音实践。 我们审视了噪声（Noise）的合法化进程，从早期工业噪音的戏剧化运用，到后来的对噪声音乐（Japanoise, Power Electronics）的本体论研究，探究了声音的“美学价值”如何扩展到传统意义上被排斥的范畴。 此外，我们还分析了当代古典音乐与全球流行文化（如电子舞曲、嘻哈的复杂节奏结构、电影配乐的宏大叙事）之间的张力与交集。这种融合，既是对古典音乐中心主义的反抗，也是对自身听众基础的拓展尝试。这种“跨界”究竟是真诚的对话，还是仅仅是符号的拼贴？ --- 结论：聆听的伦理与未完成的未来 本书的最终论点在于：理解当代音乐，需要放弃对统一风格或单一“进步方向”的执念。当代音乐的本质，在于它对音乐作为一种稳定、可被完全把握的实体的宣告终结。 我们提出的“聆听的伦理”要求听众和研究者接受碎片化、接受不适感，并将“理解”视为一个持续的、动态的、充满张力的过程。当代音乐艺术家的努力，正是通过不断地拓展声音的疆域和聆听的极限，来反映我们所处时代的复杂性、矛盾性与无限的可能性。本书试图提供必要的批判工具，以导航这个不断演变、充满挑战和令人着迷的声音世界。 --- 关键词索引： 序列主义、偶发性、极简主义、具体音乐、合成、噪声美学、声音景观、算法作曲、时间知觉、后现代性、听觉体验。

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**书评三：结构松散，更像是系列讲座的汇编而非统一论著** 这本书给我的感觉是，它更像是一个由不同专家在不同时间主讲的系列讲座的文字记录，而不是一部经过精心打磨、逻辑链条严丝合缝的学术专著。每一章在主题上虽然都围绕“当代音乐”展开，但章节之间的过渡和知识的递进关系，显得有些生硬和跳跃。你会发现，上一章还在热烈地讨论某个特定作曲家的理念，下一章突然就转向了对某个流行音乐子类的社会学分析，中间缺乏一个有力的理论骨架将其统摄起来。这种碎片化的结构使得读者很难建立起一个系统性的认知地图。当你试图将这些零散的知识点串联起来，形成一个关于“当代性”的连贯理解时，会发现连接的“线”太细，容易断裂。例如，书中对“噪音音乐”的描述，与对“算法生成音乐”的讨论，虽然都属于当代范畴，但两者在哲学基础上的差异远大于它们在书中被探讨的深度。如果作者能采用一个更具原创性的分类框架，或者沿着一条清晰的时间线或理论演进路径来组织材料，这本书的阅读体验无疑会更加流畅和令人信服。

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**书评五：叙事口吻的“中立”态度，使得论点缺乏必要的锋芒和立场** 这本书的语言风格是极其审慎和平衡的，作者似乎竭力避免对任何一种音乐形式做出倾向性的价值判断，力求做到绝对的客观。这种“面面俱到”的态度，虽然在一定程度上保证了书的包容性，但却削弱了它作为一本批判性论著应有的力量。当代音乐的领域充满了激进的姿态和鲜明的立场，许多重要的发展本身就是对既有范式的反叛和挑战。然而，在本书中，无论是反叛者还是卫道者，似乎都被置于一个高度相似的、被平视的地位来讨论。例如，在讨论到完全摒弃传统和声的音乐思潮时，作者的描述几乎与描述一种回归田园牧歌式的民谣创作时所用的语调并无二致，都只是冷静地陈述了它们的“存在性”。这种缺乏立场的叙事，让读者难以分辨出哪些是真正具有颠覆性的变革，哪些只是昙花一现的风格尝试。最终，全书读下来，留下的印象是“当代音乐是如此多样”，而非“当代音乐正在向何处去，以及为什么”。它像一个忠实的记录者，却不是一个有洞察力的思想领航员。

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**书评二：时代洪流下的文化剪影，缺乏对核心矛盾的直面** 我阅读此书时，最深刻的感受是它成功地捕捉到了过去几十年里音乐文化中那些引人注目的“瞬间”和“话题”。它像是一本精美的图册，收集了不同流派在特定历史节点上如何与社会、技术、商业力量相互作用的精彩瞬间。比如，书中对数字技术如何重塑了听觉体验的讨论，描绘得生动而具有画面感。然而，这种叙事策略也带来了一个明显的局限性：它倾向于陈述现象，而不是剖析现象背后的根本性张力。当代音乐的核心矛盾——例如，艺术的纯粹性与市场的商业化之间的永恒拉锯，或者严肃性与通俗性在后现代语境下的消融与重构——在书中往往被轻描淡写地带过，处理得过于和谐了。我期待看到更尖锐的批评，或至少是对某些“热门”流派的“不合时宜”的深刻反思。书中对某些流派的描述，读起来更像是一种对现状的赞美式总结，缺少了对“为什么会这样”以及“这是否健康”的追问。整体感觉，它更像是一份详尽的文化年鉴，记录了谁在什么时候做了什么，但对于这些行为在音乐本体论上造成了哪些不可逆的改变，探讨得略显谨慎和保守。

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**书评四：丰富的案例，略显不足的理论深度支撑** 这本书在搜集和罗列当代音乐的各种“实例”方面，无疑是下足了功夫，这一点必须肯定。它涉及的音乐案例之广，确实能让读者对当代音乐的多元化有一个直观的认识。无论是对特定实验剧场的描述，还是对某张里程碑式专辑的背景介绍，都显得信息量十足。然而，这种“广度优先”的策略，不可避免地牺牲了对所列举案例背后的“为什么”的深入挖掘。它告诉你“发生了什么”，但没有足够有力地解释“为什么这些选择是必要的，它们在音乐史的坐标系中究竟意味着什么”。很多时候，对于一个重要的概念，作者仅仅是引用了某个权威人士的一句话作为总结，然后便迅速转移到下一个案例的介绍上，仿佛害怕在任何一个点上停留太久而显得“不够当代”。这种做法，对于那些已经对音乐史有基本了解的读者来说，会感觉像是在翻阅一份精心制作的、但缺乏深刻见解的百科全书摘要。我更希望看到作者能选择几个关键的理论支点，用它们去解构和分析这些丰富的案例，而不是仅仅将案例堆砌在一起。

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**书评一：对音乐理解的拓宽，而非深入的初探** 这本书的阅读体验，坦白说，更像是一次在广阔的当代音乐地貌上进行的一次轻松的观光。它提供了一张地图，标记了主要的“景点”——比如电子音乐的流变、后极简主义的脉络，以及一些后现代思潮对音乐创作的影响。然而，如果你期望深入到技术或理论的腹地进行一次考古式的挖掘，这本书的深度可能会让你略感不足。作者的笔触是亲切的、科普式的，非常适合那些对“当代音乐”这个标签感到好奇，但又对那些晦涩难懂的学术术语望而却步的入门者。例如，在讨论到序列主义和随机音乐时，书中更多的是描述了它们诞生的时代背景和一些标志性人物的观点，但对于它们是如何在结构上打破传统调性体系的，讲解得相对比较宽泛，缺乏具体的乐谱分析来支撑。这就好比看了一场精彩的音乐会预告片，你了解了气氛和主要的演员，但不知道具体的剧情走向和幕后是如何调度灯光的。对于一个渴望建立扎实理论框架的读者来说，这本书更多地是作为一种启发性的“引言”，它成功地激发了兴趣，却没能提供足够坚实的工具去自己探索更复杂的领域。它像一位热情的向导，指引你看到了远处的山峰，但攀登的工具包里，装载的似乎都是些轻便的野餐用具，而非专业的登山装备。

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