デッサンから見る透明水彩の基本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:グラフィック社

作者:永山 裕子

出品人:

页数:111

译者:

出版时间:2009-6-25

价格:JPY 1944

装帧:大型本

isbn号码:9784766120196

丛书系列:

图书标签:

• 水彩
• 永山裕子
• 绘画
• 永山裕子❤
• 【外文版】
• ♢水彩
• ♢教本
• f6(201809-201908)
• 透明水彩
• 绘画技法
• 素描
• 绘画教程
• 艺术
• 绘画
• 水彩
• 基础
• 技法
• 艺术指导

光影之语：以素描为基石，解锁透明水彩的自由表达 本书并非一本教你如何临摹大师作品的速成指南，亦非罗列繁复技法的参考手册。相反，它是一场深入人心的探索，一场将“看见”的本质转化为“画出”的旅程，一场以素描的严谨逻辑为起点，逐步拥抱透明水彩独特魅力与无限可能性的对话。 我们常常惊叹于水彩那轻盈、通透、捕捉瞬间光影的魔力，但这份看似随性的表达，背后却蕴含着对物象本质深刻理解的必然。透明水彩的魅力，恰恰在于它需要我们在下笔之前，便已在心中构筑起一座坚实的视觉城堡。而这座城堡的基石，正是我们用眼睛去观察、用大脑去分析、用双手去描绘的素描。 素描：看见世界的语言 在你决定在纸面上倾注色彩之前，你是否真正“看见”了你想要描绘的对象？一朵花的形态，并非只是简单的花瓣堆叠，而是结构、体积、光影相互作用的产物。一座建筑，并非只是冰冷的线条堆砌，而是空间、比例、透视在现实中的投影。素描，正是训练我们“看见”这一切最直接、最有效的方式。 本书将带你穿越素描的浩瀚海洋，但我们并非在海面上泛舟，而是深入海底，探寻构成水彩表现力的真正根源。我们将从最基本的线条入手，理解线条的质感、力度以及它们如何勾勒出物体的轮廓与形体。线条并非只是画框，它是思想的延伸，是观察的记录。 随后，我们将进入体积的世界。球体、立方体、圆柱体……这些最基本的几何形体，是理解所有复杂物体形态的钥匙。通过对光线的追溯，我们将学习如何利用阴影来塑造体积感，如何区分亮部、中间调、暗部以及反光，从而让二维的纸面焕发出三维的生命力。这不仅仅是绘画技巧，更是一种对物理世界运行规律的感知。 体积的感知，自然而然地导向了空间。透视，是素描中揭示空间奥秘的语言。一点透视、两点透视，它们如何将平面的画布延展成无限的空间？理解了透视，你才能在画面中准确地安排物体的位置，营造出真实可信的深度感。无论是宏大的风景，还是细腻的静物，透视都是构建其空间秩序的无形之手。 更进一步，我们将探讨纹理与材质。一块粗糙的石头，一束丝滑的丝绸，一滴晶莹的水珠——它们在视觉上有着截然不同的感受，这源于其表面的纹理和光线在其上的反射方式。素描中的皴法、点画、排线，都是在模拟这些不同的材质表现。学会用素描的语言来“说”出材质的特性，是为水彩赋予真实触感的第一步。 从“形”到“色”：素描如何指导水彩的运用 许多初学者在面对水彩时，往往急于调色，试图用色彩来“填补”形体的不足，却往往陷入“色彩混乱”的泥沼。本书的核心理念在于，色彩并非无根之木，它是依附于形体、受光线制约的。 素描带来的对形体、体积、光影的深刻理解，将直接指导你如何运用透明水彩。 光影的色彩语言： 素描中的明暗关系，在水彩中转化为色彩的冷暖变化。面向光源的部分，往往偏暖；背离光源的部分，往往偏冷。理解了这一点，你就能摆脱“固有色”的束缚，用更具生命力的色彩来表现物体的光感。例如，一块红色的物体，在冷光照射下，其阴影部分并非只是更深的红色，而是可能带有一丝紫色或蓝色。素描的经验，让你在调色时更加精准，避免色彩的“脏”与“灰”。 体积的色彩层次： 素描中对体积的塑造，通过水彩的层层叠加得以加强。透明水彩的特性在于其“透”，每一层颜色都带有前一层的痕迹。这使得我们可以通过多次叠加来营造出色彩的丰富层次，从最亮的留白，到最深的暗部，每一步的色彩变化都与素描中对体积的分析息息相关。学习如何利用水彩的“透”来表现体积的厚重与轻盈，是本书将重点探讨的内容。 材质的色彩质感： 不同的材质，在光线下的色彩表现也截然不同。金属的反射光会带来耀眼的亮部和冷峻的阴影，而丝绸则会在明暗过渡中呈现出柔和的光泽。素描中对材质纹理的刻画，为水彩的色彩表现提供了方向。例如，你可以根据素描中观察到的纹理，用干笔触、湿笔触，或蘸取不同浓度颜料的方式，来模拟出金属的光泽、布料的褶皱、或者肌肤的细腻。 空间的色彩氛围： 素描中的透视关系，在水彩中可以通过色彩的远近变化来进一步强化。一般来说，近处的物体色彩鲜艳、对比度强；远处的物体色彩则相对柔和、饱和度降低，甚至带有空气透视带来的蓝色调。理解了这一点，你就能用色彩在画面中“铺展”空间，营造出深远、开阔或压抑的氛围。 透明水彩的自由与掌控 透明水彩的独特魅力，在于它既有随机的“晕染”之美，又需要精确的“笔触”控制。本书将带领你认识并掌握这种“在可控的随机性中寻找表达”的艺术。 水与色的舞蹈： 水在透明水彩中扮演着至关重要的角色。不同的水量，会带来不同的色彩效果：水多则色彩淡雅、晕染自然；水少则色彩浓郁、笔触明显。我们将学习如何根据画面需求，灵活运用“湿画法”（湿纸上画）与“干画法”（干纸上画），以及介于两者之间的“半湿画法”，来创造出水彩独有的流动感、透明感与肌理感。素描对线条和面的理解，将帮助你决定在哪些区域需要大胆的水色淋漓，哪些区域需要精细的笔触勾勒。 色彩的叠加与透明： 透明水彩的“透明”二字，是其艺术性的核心。它允许我们一层一层地叠加色彩，而不会让下层颜色完全被覆盖，反而会与上层颜色相互融合、相互影响，从而产生丰富的色彩变化与肌理。本书将深入探讨如何运用叠加技法，来表现物体的层次感、色彩的深度以及光影的微妙过渡。从最浅的底色开始，逐步叠加，直到塑造出饱满而富有生命力的形象。 留白的力量： 在透明水彩中，纸面的留白并非“未完成”，而是重要的绘画元素，它代表着最亮的光源、最纯净的色彩，甚至是一种呼吸感。如何巧妙地利用留白，来塑造高光、表现透明感，以及为画面留下想象的空间，是本书将引导你思考和实践的。素描中对光线的敏锐观察，将帮助你准确地判断哪里需要保留纸面的纯净。 色彩混合的艺术： 跳出“三原色+白”的传统概念，透明水彩鼓励我们去探索色彩之间意想不到的和谐与碰撞。通过颜料的物理混合与视觉混合，我们可以创造出无穷无尽的色彩变化。本书将为你打开色彩理论的大门，但更重要的是，将引导你通过大量的实践，去感受色彩的情绪、温度与力量，并学会如何将它们与你素描中所理解的形体、光影和材质融为一体。 本书并非教你画出“像”的画面，而是教你如何“看”懂世界，然后用透明水彩的语言，自由地“表达”你所看见的一切。 它是一次对观察力的训练，一次对造型能力的巩固，一次对色彩语言的探索，更是一次对艺术表达的自由赋权。准备好，以素描为 compass，以透明水彩为笔，去绘制属于你的光影叙事吧！

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相较于那些强调“一笔入魂”或追求“风格化”的速成秘籍，这本书更像是一位耐心且要求严格的导师。它不保证你在读完之后立刻就能画出惊艳众人的作品，但它保证你会在技法、理解和思维层面上打下坚实无比的地基。我最欣赏的细节在于，它对“失误”的处理态度。书中没有刻意隐藏水彩中常见的“脏色”或“笔触失控”的画面，反而用单独的版面来分析这些“错误”产生的原因，以及如何通过后续的补救或利用这些“意外”来优化画面。这种坦诚的态度，极大地解放了我的创作焦虑，让我意识到，绘画是一个不断试错和修正的过程，完美的画面往往是无数次小失误叠加后的最佳结果。这本书真正做到了以“科学的理性”去驾驭“艺术的感性”，让我对水彩学习的长期道路充满了信心和期待。

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关于工具的选择和保养这一章节，我必须给予高度的赞扬。通常，工具介绍部分都是敷衍了事的，无非是“买大牌的”“买XX号笔”。然而，这本书对不同纸张的吸水性、纤维走向，以及不同品牌颜料的颗粒感、流动性进行了详尽的对比分析。它甚至列举了在不同湿度和温度环境下，相同颜料在相同纸张上的微小差异。这种近乎于实验报告式的严谨态度，极大地帮助我这个经济能力有限的初学者做出了更明智的投资。我曾经因为盲目跟风购买了昂贵的进口纸张，结果发现其粗糙的纹理完全不适合我当时练习的细致晕染技法，造成了极大的挫败感。这本书在这一点上给了我及时的纠正，它教会我认识到，工具的“好坏”是相对的，关键在于它是否符合你当前想要达成的“效果”。它让我明白了，昂贵的并非总是最好的，适合自己的才是创作的最佳拍档。

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这本书的封面设计确实很吸引人，那种略带复古的印刷质感，配上干净利落的标题字体，立刻让人觉得这是一本非常扎实的入门读物。我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正处于一个对水彩画从“纯粹兴趣”到“想要系统学习”的转变期。市面上关于水彩的教程汗牛充栋，但很多都侧重于某一类主题的绘制，比如风景、花卉或者人物，内容上往往跳跃性很大，初学者很容易迷失在那些华丽的成品案例中，却找不到“为什么”和“怎么做”的基础逻辑。这本书给我的第一印象是极其严谨的结构，它似乎将水彩的“语言”拆解成了最基础的元素进行剖析，这一点非常符合我这种喜欢探究事物本质的读者。我尤其欣赏它在基础技法讲解时所采用的图文配合方式，不是简单地展示“画完的样子”，而是非常细致地描绘了笔触在纸面上扩散、融合的过程，甚至连墨水和水的比例对最终效果的影响都讨论得非常深入，这让我感觉自己不是在看一本“照着画”的教程，而是在阅读一本关于水彩媒介特性的“科学指南”。那种循序渐进的引导，真的能让人放下心来，一步一个脚印地去建立自己的技术框架。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“观察力训练”的重视程度，这几乎是很多绘画教程中常常被忽视的软肋。作者并没有急于展示如何画出完美的苹果或精致的风景，而是花费了大量的篇幅去讨论如何“看”世界，如何将三维的实体转化为二维的平面表达。他们用了非常抽象的练习来训练我们对光线的敏感度，比如如何仅仅通过调整一个形状的边缘锐度来表现它与光源的关系，或者如何通过微小的色阶变化来暗示物体的体积感。这种训练方法非常硬核，完全摒弃了那种“临摹”式的学习路径，而是鼓励读者建立起属于自己的视觉数据库。老实说，一开始我有些不适应这种“哲学化”的训练，觉得太绕圈子了。但坚持练习了一段时间后，我发现自己看待身边事物的角度真的变了，拿起笔时不再是僵硬地去“复制”物体，而是带着一种理解去“解构”它。这种从根本上提升绘画思维的指导，是这本书真正有价值的地方，也是为什么我愿意把它放在我工作台最显眼的位置。

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这本书的排版简直是一场视觉的盛宴，色彩的运用达到了教科书级别的精准和克制。我发现很多技法书为了追求视觉冲击力，会过度饱和或者使用过于花哨的配色来展示效果，结果反而让读者忽略了技法本身。但这本书不同，它似乎深谙“少即是多”的哲学。即便是讲解最复杂的湿中湿晕染效果，它也特意选择了低饱和度、接近于素描稿的单色调来演示，这极大地降低了初学者的心理压力——我们不必担心自己的颜色搭配出错，只需专注于观察水分和颜料是如何在纸面上共舞的。这种专注于“形体”与“光影”的表达方式，让我深刻体会到，水彩画的精髓远不止于色彩的绚烂，更是对透明度和层次感的精妙控制。当我按照书中的建议，用极淡的灰蓝色调来练习结构铺陈时，我才真正理解了“透明水彩”的含义——每一个新的色层都是对底层色层的尊重与叠加，而不是粗暴的覆盖。这种对媒介本质的深入挖掘，远超出了我对于一本“入门指南”的预期。

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还不错。里面主要讲的是素描起型，如何上色涉及不多。有点大杂烩

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素描打稿方式+作品集

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还不错。里面主要讲的是素描起型，如何上色涉及不多。有点大杂烩