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出版者:中国水利水电出版社

作者:飞乐鸟工作室

出品人:

页数:159

译者:

出版时间:2015-7-1

价格:39.90

装帧:平装

isbn号码:9787517031987

丛书系列:

图书标签:

• 水彩
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• 2018
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《水彩画技法从入门到精通》 是一本旨在引领读者踏入缤纷多彩的水彩世界，并一路攀登至技艺精湛彼岸的综合性教程。本书并非泛泛而谈，而是以扎实、系统的教学理念，层层递进地剖析水彩画的方方面面，让初学者不再望而却步，也让有一定基础的爱好者能够精进技艺，找到突破的瓶颈。 一、 基础篇：水彩的基石与对话 在正式提笔作画之前，对水彩这一媒介有深入的了解至关重要。本书的开篇，将带领读者进行一场关于水彩的“对话”。 认识你的伙伴：画材的奥秘 纸张的选择与特性： 水彩纸并非越厚越好，不同的纹理、克重（gsm）会对水分的吸收、颜料的附着以及画面的质感产生显著影响。我们将详细解读“冷压（Cold Press）”、“热压（Hot Press）”和“粗纹（Rough）”等不同纹理纸的特点，以及它们各自适合的表现风格。我们会深入探讨不同品牌水彩纸的纤维构成、增白剂的使用等细微之处，帮助读者根据自己的创作需求，挑选最契合的“画布”。比如，冷压纸的纹理适合表现细腻的层次和变化，而粗纹纸则能赋予画面独特的肌理感，适合表现岩石、树皮等粗犷的景物。 颜料的家族： 水彩颜料的种类繁多，从管状颜料到块状颜料，从透明色到半透明色，从矿物质颜料到合成有机颜料，每一种都有其独特的性格。本书将详细介绍不同品牌（如温莎·牛顿、史明克、荷拜斯等）的颜料系列，分析其颜料的纯度、着色力、耐光性以及颗粒感。我们会对比分析一些经典色彩的冷暖倾向、透明度差异，并提供一套基础色卡的建立与使用指南，帮助读者理解色彩的语言。我们会着重讲解“贵金属色”、“单色素”、“混色”等概念，以及如何利用颜料的特性，避免“灰、脏”的出现。 画笔的语言： 圆头笔、平头笔、扇形笔……不同的笔头形状和毛质（如马毛、貂毛、合成纤维）决定了画笔的吸水性和出水性，从而影响着线条的粗细、色彩的晕染以及笔触的表现力。我们将解析不同画笔在水彩中的应用场景，并提供一套画笔的保养与清洁技巧，让每一支画笔都能成为您得力的助手。例如，一把好的圆头笔能够轻松画出流畅的线条和细腻的笔触，而一把大号的平头笔则能快速铺设大面积的色块，营造出水面的波光粼粼或天空的广阔无垠。 其他辅助工具： 调色盘、水罐、海绵、喷壶、遮盖液、美纹纸胶带……这些看似不起眼的小工具，却能在水彩创作中发挥画龙点睛的作用。我们将一一介绍它们的功能与用法，以及如何巧妙地运用它们来创造出意想不到的视觉效果。例如，遮盖液可以帮助我们保留高光，海绵可以模拟出树叶的纹理，喷壶则能制造出朦胧的雨雾效果。 水与色的和谐：技法的入门 湿画法（Wet-on-Wet）： 在湿润的纸面上施加湿润的颜料，让色彩自然晕染、融合，是水彩最具魅力的表现手法之一。本书将从最基础的“湿接湿”开始，引导读者掌握如何控制水分的量，以及颜料在湿润纸面上的扩散速度，从而表现出如梦似幻的色彩过渡，例如渲染天空的云彩、表现朦胧的花瓣。我们会通过大量的示范，教会读者如何通过调整纸面的湿润度来控制晕染的范围和柔和度。 干画法（Wet-on-Dry）： 在干燥的纸面上施加颜料，可以获得清晰、锐利的线条和色彩边界，适合表现细节和轮廓。本书将从“干笔触”和“湿笔触”的细腻区分讲起，解析如何在干燥的纸面上控制水分，以画出细腻的毛发、清晰的建筑线条，或是植物的叶脉。我们会强调如何通过调整画笔的含水量来获得不同粗细和质感的线条。 叠色法（Glazing）： 在底层干燥的颜料上，一层一层地叠加透明的颜料，可以加深色彩的层次，丰富画面的色彩表现力，并营造出透视感和光影效果。本书将详细讲解叠色法的使用技巧，如何通过色彩的叠加来表现物体的体积感和质感，例如金属的光泽、玻璃的通透感。我们会深入探讨色彩学原理在叠色中的应用，例如如何通过叠加互补色来产生微妙的灰色调，或如何通过叠加暖色和冷色来表现光线的变化。 渲染法（Washing）： 大面积地铺设均匀的色彩，是水彩画中常用的技法，用于表现天空、地面、背景等大块的色调。本书将教授读者如何调配出均匀饱满的色水，如何避免出现“水痕”和“斑驳”，以及如何通过多次渲染来加深色彩。我们会探讨不同面积的渲染技巧，从大面积的留白到小范围的精致渲染。 其他基础技法： 如“干擦法”表现粗糙质感，“点彩法”塑造肌理，“留白法”保留高光等，都将在基础篇中得到详细的讲解和示范。 二、 进阶篇：技法深化与风格探索 掌握了基础的技法后，本书将带领读者进入一个更广阔的创作领域，探索技法的精妙运用，并逐步形成个人的艺术风格。 色彩的深度运用： 色彩混合的奥秘： 告别死记硬背的“三原色”理论，我们将深入探讨色彩在水彩中的实际运用。从“互补色”的对比与调和，“邻近色”的和谐统一，到“冷暖色”的对比与平衡，再到“色相”、“明度”、“纯度”在水彩中的具体表现。我们会讲解如何通过巧妙地混合颜色，调出丰富细腻的灰、大地色系，以及如何运用色彩来引导观者的视线，营造氛围。 光影的色彩表现： 光影是塑造物体形态和空间感的重要手段，在水彩中，光影的色彩表现尤为重要。本书将解析不同光源（如日光、灯光）对物体色彩的影响，以及如何在水彩中运用色彩的冷暖、明暗变化来表现光影效果。我们会通过对不同材质（如金属、玻璃、布料、皮肤）的写生练习，来体会光线照射下的色彩变化。 氛围的色彩营造： 色彩是传达情感和营造氛围的强大工具。本书将引导读者如何通过色彩的选择和搭配，来表现不同的情绪和场景，例如清晨的宁静、黄昏的温暖、雨天的忧郁、夏日的明媚。我们会分析不同色彩组合所带来的心理感受，并提供相应的创作案例。 构图的艺术： 黄金分割、三分法等经典构图法则： 构图是画面的骨骼，决定了画面的稳定感、动感和视觉焦点。本书将详细讲解构图的基本法则，如黄金分割、三分法、对称构图、对角线构图等，并结合水彩画的特点，指导读者如何将这些法则巧妙地运用到自己的作品中，让画面更具吸引力。 视觉引导与平衡： 如何利用线条、色彩、明暗等元素，引导观者的视线在画面中流动，并保持画面的视觉平衡，是构图的关键。本书将通过大量的范例分析，教授读者如何有效地组织画面元素，避免画面“头重脚轻”或“散乱无章”。 留白与负空间的妙用： 在水彩中，留白并非“空白”，而是具有生命力的空间。本书将深入探讨留白在构图中的作用，如何通过巧妙的留白来突出主体，增强画面的空气感和意境。 肌理与质感的表现： 刻画物体的表面特征： 不同物体有其独特的表面肌理和质感，如丝绸的光滑、毛发的柔软、岩石的粗糙、木纹的细腻。本书将通过大量的实例，教授读者如何运用不同的水彩技法，如干擦、点彩、刮擦、叠加等，来精准地表现这些细微的质感差异。 自然元素的肌理表现： 树叶的脉络、花瓣的绒毛、水面的涟漪、岩石的纹理……本书将指导读者如何观察并运用水彩特有的表现力，将自然的肌理之美生动地呈现在画面中。 三、 精通篇：创作实践与风格塑形 当读者对水彩技法有了全面的掌握后，本书将进入更具挑战性的创作阶段，鼓励读者独立思考，大胆实践，并最终形成属于自己的独特风格。 多样的绘画主题与创作思路： 风景写生与创作： 从近景的花草树木到远景的山川湖海，从城市街景到乡村田野，本书将提供不同类型的风景写生指导，并鼓励读者将写生经验转化为富有个人情感的创作。我们会探讨如何捕捉自然光线的变化，如何表现季节的特征，以及如何将现实的风景进行艺术化的处理。 静物写生与创意： 围绕水果、花卉、器皿、布艺等常见静物，本书将引导读者从观察入手，理解物体的结构、色彩和光影，并在此基础上进行富有创意的静物组合与表现。我们会鼓励读者打破常规，尝试新颖的摆放方式和视觉角度。 人物与肖像： 虽说水彩在表现人物写实性方面有一定难度，但其独特的透明感和晕染效果，也能赋予肖像画别样的魅力。本书将简要介绍人物写生的基本要点，以及如何用写意的方式捕捉人物的神韵。 动物与自然： 动物的灵动，植物的生机，都需要细致的观察和精准的描绘。本书将提供动物和植物的写生技巧，强调捕捉它们的动态和生命力。 从观察到表达：写生与创作的转化： 如何有效观察： 培养敏锐的观察力是创作的源泉。本书将指导读者如何从“看”到“理解”，如何抓住物体的本质特征，如何感知色彩和光影的变化。 写生中的取舍与提炼： 现实世界纷繁复杂，写生并非照搬。本书将引导读者如何在写生过程中进行筛选、概括和提炼，将繁杂的细节转化为富有艺术表现力的画面。 激发创作灵感： 引导读者从生活、自然、艺术作品中汲取灵感，并学习如何将这些灵感转化为具体的绘画构思。 独立思考与风格的形成： 批判性思维与自我评估： 鼓励读者在创作过程中不断反思，审视自己的作品，找到不足之处，并尝试改进。 探索与实验： 风格的形成是一个不断探索和实验的过程。本书将鼓励读者大胆尝试不同的技法、色彩搭配和构图方式，寻找最适合自己的表达语言。 从模仿到创新： 在学习借鉴名家作品的同时，最终要走出自己的道路。本书将引导读者如何在理解前人艺术的同时，融入自己的思考和情感，创造出具有独特风格的作品。 《水彩画技法从入门到精通》不仅是一本技法教程，更是一本引领读者在水彩艺术道路上不断探索、不断成长的伙伴。它以严谨的逻辑、丰富的案例、循序渐进的教学模式，帮助每一个热爱水彩的人，都能从零开始，逐步迈向技艺的巅峰，最终在五彩斑斓的水彩世界里，绘出属于自己的精彩。

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作为一名长期在绘画圈子里摸爬滚打的老手，我对技术层面的东西非常挑剔。市面上很多“精通”级别的书籍，往往只是堆砌了各种复杂的技巧，比如什么“干刷刮擦法”、“盐晶体法”等等，但缺乏将这些技巧融入到实际创作中的指导思路。然而，这本书的价值恰恰在于它的“融会贯通”。它并没有把我当成一个纯粹的新手来哄骗，而是直接将我带入了中高级的创作流程。书中有一章专门讲解了如何构建复杂的风景画中的空间层次感，作者通过分析大师作品的用光和用色习惯，总结出了一套行之有效的“视觉引导线”的布局方法。我尝试着运用它去画一幅海边的日落，发现之前困扰我很久的“画面焦点不突出”的问题迎刃而解。最让我印象深刻的是，它对“留白”这一核心概念的解读，不同于传统教学中仅仅强调“不要画到留白处”，而是将留白视为画面中主动的“光线载体”，这种思维上的提升，远比学习一两个新笔触要宝贵得多。

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我更欣赏这本书的**人文关怀**和**心态引导**。绘画学习，尤其是水彩这种变数极大的艺术形式，很容易让人产生焦虑。当你努力模仿却总是达不到预期的效果时，很容易就想放弃。这本书的作者似乎完全理解这一点。在穿插于各个技巧讲解之间，有许多篇幅是用来探讨如何培养“观察力”和“耐心”的。比如，作者提到，真正的精通不是能一笔画好一个复杂的物体，而是能接受水彩的随机性，并将其转化为作品的优势。他分享了自己早期大量的“失败作品”分析，这种坦诚让读者感到非常亲近和鼓舞。通过阅读这些片段，我开始调整自己的预期，不再追求照片般的精确复制，而是更注重捕捉光影瞬间的“感觉”。这种从技术层面上升到艺术哲学层面的探讨，让这本书的价值远远超过了一本纯粹的“How-to”指南。

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这本关于水彩画的书，说实话，我一开始是抱着将信将疑的态度买的，毕竟市面上类似的教程琳琅满目，很多都只是停留在“介绍工具”和“教你画个苹果”的肤浅层面。但翻开这本书后，我立刻发现它与众不同。作者的叙述方式非常细腻，完全不是那种冷冰冰的教科书腔调。书中对色彩理论的阐述，简直可以说是深入骨髓，它不仅仅告诉你“红色加黄色等于橙色”，而是让你理解**为什么**会产生这种变化，以及在不同光照条件下，这种混合色的微妙差异该如何捕捉。特别是关于“湿画法”和“干画法”的结合运用，书里给出了大量的实践案例，每一个步骤都配有高分辨率的图例，让你能清晰地看到笔触的走向和水分的渗化过程。我以前总觉得水彩的透明感很难控制，要么水多了画面糊成一片，要么水少了颜色干涩缺乏灵动，但这本书通过对“纸张湿度”和“颜料浓度”的量化描述，彻底帮我打破了这种困境。它真的能让你从根本上理解水和颜料的“脾气”，从而驾驭这种迷人的媒介。

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这本书的结构设计非常合理，它没有采用那种线性的、枯燥的章节递进方式，而是采取了模块化和专题化的叙述结构。我个人特别喜欢它最后几章关于“个人风格探索”的章节。在此之前，所有的内容都是在打基础、铺设轨道，让你熟悉规则。但当我们掌握了基本的规则之后，如何打破规则、形成自己的标记就成了新的挑战。这本书在这方面提供了非常开放的思路，它列举了十几种不同的光线处理哲学，比如“低饱和度下的情绪表达”或者“高对比度下的戏剧冲突构建”，然后鼓励读者去尝试不同的组合，而不是生硬地模仿作者的某一种固定风格。这种开放式的结局处理，给了我极大的创作自由度，感觉就像是作者完成了引路的工作后，将画笔的掌控权彻底交还给了我，让我有勇气和方向去探索属于我自己的水彩语言。

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说实话，这本书的装帧和排版也极其考究，看得出出版方是下了大功夫的。通常这种技法书，为了节省成本，印刷质量总是不尽如人意，尤其是涉及到水彩这种对颜色还原度要求极高的媒介，廉价的纸张和油墨会严重误导学习者。但这本书的纸张厚实，纹理清晰，即使用最便宜的初级水彩颜料来练习，也能清晰地看到纸张本身的纹理对颜料渗透的影响，这对于理解不同材质对作画效果的改变至关重要。而且，书中的色彩样本都进行了严格的校对，我对照着书上的图例进行调色练习，发现成品和书上的示例非常接近，这极大地增强了我学习的信心。它不仅仅是一本“教你画什么”的书，更像是一本“帮你认识你手里工具”的指南。这种对细节的把控，让学习过程中的挫败感大大降低，我甚至可以直接把书放在画板旁边作为临摹和参照的标准。

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画完了垂耳兔，已经送人了。

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美术教材除了国画类都还是看翻译版的吧……有人很会画但教学更需要抽象思考，而出书因为无法面对学生所以更需要大量经验之后总结出来的通用技巧和作者本身的表达能力。

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实用入门技巧，单色练习印象尤其深。

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美术教材除了国画类都还是看翻译版的吧……有人很会画但教学更需要抽象思考，而出书因为无法面对学生所以更需要大量经验之后总结出来的通用技巧和作者本身的表达能力。

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新世界????