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出版者:万卷出版公司

作者:沃尔夫

出品人:

页数:124

译者:吕屹

出版时间:1999-1

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806013137

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《笔尖下的生命：写意人物的东方韵致》 在中国画的悠长历史中，人物画始终占据着举足轻重的地位。它不仅是技艺的展现，更是情思的寄托，是对时代风貌、人生百态的生动记录。而今，我们奉上这本《笔尖下的生命：写意人物的东方韵致》，旨在带领读者走进一个充满灵动与意趣的中国写意人物画世界。 本书并非一味地罗列枯燥的笔法口诀，也不是简单的步骤分解。我们更希望通过对中国写意人物画精神内核的探寻，引导读者理解其背后所蕴含的文化底蕴与哲学思考。写意，顾名思义，在于“写”其意，而非“描”其形。它追求的是一种形神兼备、意境高远的艺术境界，是通过简练而传神的笔墨，捕捉人物的神韵与内在情感，让观者在方寸之间，感受生命的气息与灵魂的跃动。 第一章：墨韵之魂——写意人物的精神溯源 本章将带领读者回溯中国写意人物画的历史长河，从先秦的人物画萌芽，到魏晋的风流人物，再到唐宋的鼎盛时期，直至明清的世俗化与文人化倾向，勾勒出写意人物画的发展脉络。我们将重点解析历代名家的创作理念与艺术风格，例如顾恺之的“传神写照”，吴道子的“吴带当风”，张萱、周昉的仕女画，以及明清时期陈洪绶、任伯年等大家笔下的各具特色的写意人物。 深入探讨“意”在中国写意人物画中的核心地位。它并非空洞的概念，而是对人物内在气质、精神状态、性格特点的精准把握与艺术提炼。我们将通过分析经典作品，阐释如何在造型上做到“似与不似之间”，如何在笔墨上体现“以形写神”，如何在构图上营造“画外之意”。 此外，本章还将触及中国传统哲学思想对写意人物画的影响，如道家的“天人合一”、儒家的“仁者爱人”等，这些思想如何潜移默化地体现在人物的造型、神情以及作品所传达的意境之中。通过对这些精神层面的梳理，读者将对写意人物画有一个更深刻、更宏观的理解。 第二章：形随心动——人物造型的写意之道 本章将聚焦于人物造型的写意法则。不同于西方写实绘画对精确解剖学的严苛要求，中国写意人物画更加强调“以意赋形”，即造型服务于情感表达与精神塑造。 我们将从最基础的“三头六身”、“十三身长”等中国画人物比例法则讲起，但强调这些比例并非僵化的教条，而是灵活运用的指导。更重要的是，我们将深入探讨如何通过笔墨的提炼与夸张，来塑造人物的个性特征。例如，如何在勾勒脸部时，通过眉眼的疏密、嘴角的一点上扬或下垂，传达喜怒哀乐；如何在描绘身躯时，通过线条的曲直、顿挫，表现人物的体态与气质，如“汉子的雄浑”、“仕女的柔美”。 本章还将详细介绍不同人物类型的写意造型要点： 士人风骨：如何通过飘逸的长袍、潇洒的发髻，以及淡然的神情，展现文人雅士的超然物外； 仕女风韵：如何用婉转流畅的线条，表现女性的婀娜多姿、含蓄内敛； 老者之沉：如何通过饱满的面部皱纹、深邃的眼神，刻画岁月的沉淀与智慧； 孩童之趣：如何捕捉孩童的天真烂漫，用稚拙而灵动的笔触，表现其活泼可爱。 我们将强调“写意不等于随意”，造型的准确性是写意的前提，而笔墨的生动性则是写意的灵魂。通过大量的范例分析，读者将学会如何从生活中观察人物，如何在脑海中提炼典型形象，并将其转化为笔下的生动意象。 第三章：笔墨飞扬——线条与墨色的写意表现 笔墨是中国画的灵魂，也是写意人物画最核心的表现语言。本章将围绕线条和墨色的运用，深入探讨其在写意人物画中的表现力。 我们将系统介绍中国画中最基础也是最重要的线条——“用笔”。这不仅仅是“画线”，而是蕴含着力量、速度、情感的“写”。我们将解析各种用笔方法： 中锋与侧锋：如何运用中锋的圆润、劲健来勾勒骨骼与轮廓，如何运用侧锋的苍劲、洒脱来表现衣纹与动态； 顺锋与逆锋：理解顺锋的流畅与婉转，以及逆锋的凝重与苍辣，并学会如何在恰当的位置使用，以增强线条的表现力； 顿挫与提按：探讨线条的起承转合、轻重缓急，如何通过笔尖的提按变化，赋予线条生命力，使其富有节奏感和韵律感。 在此基础上，本章将深入讲解“用墨”的丰富变化： 墨色层次：从浓、淡、干、湿、润、枯的“五墨”变化，到“宿墨”、“涨墨”等技法的运用，如何用墨的丰富性来塑造形体、表现质感、渲染气氛。 墨分五色：如何理解和运用“焦、浓、重、淡、清”的墨色关系，使画面既有层次感，又显得生动而富有体积感。 破墨与积墨：探讨这些技法如何在写意人物画中运用，以产生独特的笔墨趣味与艺术效果。 我们将通过对历代大师作品中笔墨运用的深入剖析，引导读者理解“一笔不苟”、“笔笔有法”与“意在笔先”的辩证关系。即使是简单的几笔勾勒，也能表现出人物的神情与动态，这正是写意笔墨的魅力所在。 第四章：情韵交织——衣纹与发饰的写意描绘 衣纹与发饰是人物画的重要组成部分，它们不仅承载着人物的服饰信息，更能够极大地增强人物的艺术表现力。本章将专注于衣纹与发饰的写意描绘技巧。 我们将首先讲解衣纹的绘制要点，强调“随形赋纹”的原则，即衣纹的走向与形态必须符合人物的体态与动态。 大块衣纹：如何用大写意的笔法，以饱满的墨色和流畅的线条，表现衣物的褶皱与体积感，如“曹衣出水”与“吴带当风”的对比与借鉴。 小块衣纹：如何用精练的笔触，勾勒衣物的细节，如衣角的翻飞、袖口的轻拂，以增加画面的层次与动感。 用墨晕染：如何在衣纹的转折处运用淡墨或湿墨，营造出衣物的质感与光泽感。 对于发饰的描绘，我们将强调“以简驭繁”的理念，即用最少的笔墨，表现出最生动的发型与细节。 发丝的表现：如何运用不同的线条粗细、虚实变化，表现出头发的蓬松、垂坠或飞扬。 发髻的造型：根据人物身份与时代背景，勾勒出不同风格的发髻，如汉代古朴的发髻，唐代华丽的发髻，以及历代文人雅士的飘逸发髻。 点睛之笔：如何在发簪、珠翠等配饰上，用工致的笔法或亮丽的色彩，起到画龙点睛的作用。 本章将通过大量的实例示范，教会读者如何将笔墨技法与造型观察相结合，让衣纹与发饰成为传达人物个性和情感的重要载体。 第五章：神采飞扬——五官神情的写意刻画 眼睛是心灵的窗户，而人物的神情更是写意人物画的灵魂所在。本章将重点阐述五官神情的写意刻画技巧，这是决定一幅人物画是否“活”起来的关键。 我们将从脸部结构的简略处理开始，强调写意人物画中的“以神写形”，而非刻板的解剖。 头部比例：简要介绍头部与身体的比例关系，以及面部五官的大致位置。 五官的简练勾勒： 眼睛：如何通过眼睑的虚实、瞳仁的点染，以及眼角的轻挑或下垂，表现人物的眼神——可以是明亮、可以是深邃、可以是忧郁、可以是狡黠。我们将分析不同眼神所传达的不同情绪。 鼻子：寥寥几笔，如何勾勒出鼻梁的挺拔或柔和，鼻翼的宽窄，以及鼻子的立体感。 嘴巴：通过嘴角的一点勾勒，表现出人物的微笑、沉思、惊讶或轻蔑。我们将探讨“一点一点，全神俱现”的奥秘。 眉毛：如何用不同的笔触，表现眉毛的浓淡、长短、走向，从而影响人物的面部表情，如剑眉的英气、柳叶眉的秀美。 耳朵：虽然常常被衣物遮挡，但关键时刻，耳朵的形状与位置，也能为人物形象增添细节。 本章将着重讲解“传神”的艺术。如何在人物的眼神、表情、姿态中，捕捉并放大其内在的情感与性格。我们将通过对不同人物类型（如喜悦、悲伤、愤怒、沉思等）的表情描绘，引导读者学习如何“以意传情”，让观者一眼便能读懂人物内心的世界。 第六章：意境生辉——构图与设色的写意之美 一幅成功的写意人物画，离不开精妙的构图与恰当的设色。本章将探讨构图的章法与设色的妙用，使画面意境生辉。 在构图方面，我们将打破西方传统的黄金分割或对称构图，强调中国画的“气韵生动”与“虚实相生”。 留白之妙：中国画的留白并非空无一物，而是“计白当黑”，是画面意境的重要组成部分。我们将探讨如何在人物周围留白，以营造空间感、烘托人物，并引导观者的视线。 疏密与聚散：如何通过人物的安排，形成画面的疏密对比，达到视觉上的平衡与动感。 透视与借景：虽然写意人物画不拘泥于严谨的西方透视，但我们会探讨如何通过简单的景物烘托，如山石、树木、建筑的一角，来增强画面的纵深感和场景的完整性。 全景、中景、近景的运用：根据表现内容，选择最适合的构图方式。 在设色方面，我们将强调“以墨为主，以色为辅”的原则，以及“色不碍墨，墨不碍色”的技法。 墨色的基本运用：重申本章介绍的墨色变化，以及如何与设色相辅相成。 淡彩与重彩：探讨写意人物画中淡彩的清雅、雅致，以及重彩的华丽、浓烈，并根据人物形象与主题选择合适的设色方式。 色彩的象征意义：简要介绍中国传统色彩的象征意义，如红色的热情，黄色的尊贵，青色的宁静等，如何在画面中巧妙运用，以增强艺术感染力。 烘染与提亮：讲解如何运用淡墨或淡彩进行烘染，以及如何用略深的颜色或适当的亮色来突出人物的重点，如脸部、手部或服饰的局部。 本章将通过分析大量不同风格的写意人物画作品，展示构图与设色的无穷变化，引导读者在创作中，将笔墨、造型、情感与意境融为一体，最终创作出具有东方韵致的生命画卷。 《笔尖下的生命：写意人物的东方韵致》，不仅仅是一本技法教学的参考书，更是一扇通往中国传统艺术精神世界的窗口。我们希望通过本书，能激发读者对写意人物画的热爱，引导读者在笔墨的挥洒中，找到属于自己的艺术语言，创作出触动人心的佳作。愿每一位拿起画笔的朋友，都能在笔尖下，描绘出属于生命的精彩乐章。

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这本书的装帧和纸张质量也值得称赞。作为一本需要反复翻阅和实践操作的教程，纸张的厚度和光洁度直接影响了绘画体验。这本书的纸张吸水性和晕染效果控制得非常好，能够很好地承载水彩的特性，不会出现墨色渗得到处都是的尴尬情况。更重要的是，作者的文字风格极其亲切自然，没有那种高傲的距离感。她分享了自己创作过程中的“失败”经历和从中总结出的宝贵经验，这让读者在学习时倍感放松，不会因为一两次画砸了就产生强烈的挫败感。这种“坦诚相见”的教学态度，是很多传统教材所不具备的。

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我原本对水彩人物动态的表现力一直心存疑虑，总觉得水彩的湿性难以捕捉快速、有力的动作。这本书中的“运动瞬间”章节彻底打开了我的视野。作者通过非常巧妙的“形体简化”和“动态引导线”的技巧，教会读者如何在保持水彩特有韵味的同时，准确传达人物的运动感和力量感。她甚至讨论了如何利用水痕和飞白来强化运动产生的速度感，而不是刻意去描绘每一个肌肉的细节。这是一种更高维度的理解，它教我们取舍，教我们在水彩的限制中找到最大的自由度。这本书无疑是提升我水彩人物绘画水平的一剂猛药，物超所值。

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坦白说，市面上的水彩书浩如烟海，但很多都停留在理论层面，或者只关注特定的主题，比如“唯美少女”或“古典肖像”。这本书的广度让我感到惊喜。它涵盖了从儿童到老人的不同年龄段刻画，甚至还专门辟了一个章节来讨论如何捕捉人物在不同光照下的情绪变化。我尤其欣赏作者在表现人物眼神上的技巧——眼神是人物的灵魂，而水彩表现眼神的难度非常高，稍不留神就会显得呆滞。书中关于如何用极少的笔触点亮高光、营造深邃感的讲解，简直是神来之笔。我尝试用它教的方法画了一双眼睛，那双眼睛仿佛真的有了故事。

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翻开这本书，我立刻被它精致的排版和清晰的步骤图所吸引。很多绘画教程的书籍，步骤图往往模糊不清，或者干脆只有文字描述，让人看了一头雾水。然而，《水彩人物技法》的每一个示范作品都像是艺术品一样精美，而且作者非常细心地标注了每一步使用的颜料、笔触的方向和力度控制。我跟着书里的一个“雨中漫步”的示范练习，虽然我画出来的远不如作者那么惊艳，但至少我知道如何去铺设背景的湿润感，以及如何用留白来表现人物的湿发效果。这本书的实用性极强，感觉就像是请了一位耐心的私人导师在旁边指导。它不仅仅是教你“怎么画”，更重要的是告诉你“为什么这么画”，这种深度的剖析，对于希望提升技能的读者来说，价值太大了。

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这本《水彩人物技法》实在是让人爱不释手，简直是绘画爱好者的福音。我从前总是对水彩人物画望而却步，总觉得色彩的叠加和光影的捕捉太难以捉摸，尤其是人物的动态和表情，更是让人抓狂。但是，这本书彻底颠覆了我的固有认知。它没有那种高高在上的学院派说教，而是非常接地气地从最基础的笔触开始讲解，无论是透视关系还是人体结构，都用非常直观的图例进行了拆解。我特别喜欢作者讲解如何处理皮肤的微妙色调变化，那简直是一门艺术。比如，书中提到用叠色法来营造面部红晕和阴影的层次感，而不是简单地堆砌颜色，这让我豁然开朗。

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