具体描述
Merce Cunningham and the Modernizing of Modern Dance is a complete study of the life and work of this seminal choreographer/dancer. More than just a biography, Copeland explores Cunningham's life story against a backdrop of an entire century of developments in American art. Copeland traces his own experience of Cunningham's dances-from the turbulent late '60s through the experimental works of the '80s and '90s-showing how Cunningham moved dance away from the highly emotional, subjective work of Martha Graham to a return to a new kind of classicism. This book places Cunningham in the forefront of an artistic revolution, a revolution that has its parallels in music (John Cage, and the minimalist composers who followed him), painting (Jaspar Johns, Robert Rauschenberg), theater (the "happenings" of the '60s), and dance itself (the Judson School of dancers). An iconclastic and highly readable analysis, this book will be enjoyed by all those interested in the development of the American arts in the 20th century.
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读后感
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用户评价
坦白讲，这本书的阅读体验是有些“挑战性”的，它不会用通俗易懂的例子来讨好你，需要读者投入极大的专注力和耐心去解码其中的深层含义。我经常需要停下来，合上书本，在房间里踱步思考作者刚刚提出的那个概念究竟是如何在舞台上转化为可见的实体的。但正是这份需要“努力”的特质，让每一次的顿悟都显得格外珍贵和令人满足。它像是一块未经雕琢的璞玉，需要读者自己去打磨和发掘其光芒。我尤其欣赏其中对于“观众参与”的讨论——不是指观众的互动，而是指观众的“在场”本身如何成为作品不可分割的一部分。这种对观看行为本身的重新定义，让我对剧场艺术的未来产生了更深层次的遐想。书中的某些篇章读起来，简直像在阅读一本关于物理学和拓扑学的入门读物，充满了对空间几何学的迷恋。它强迫你跳出日常的、线性的时间观，去体验一种多维度的、同时发生的瞬间。对于那些寻求心灵触动而非简单信息获取的读者来说，这本书无疑是一次深刻的精神洗礼，它教会我如何更敏锐地捕捉生活中的节奏变化和空间布局。
评分我花了很长时间才消化完这本书的最后一部分，那部分内容似乎将所有的技术性探讨都抛开，转而进入了一种近乎冥想或诗歌的状态。如果说前面部分是“如何做”，那么最后部分就是“为何存在”。作者在这里探讨了艺术创作的终极意义——那种超越商业考量、超越历史评价的、个体精神的自由伸展。这种对纯粹艺术的执着，在如今这个充斥着快速反馈和市场导向的时代，显得尤为珍贵和振聋发聩。我感受到的不是一种胜利者的姿态，而是一种持续不断的、对自我设限的挑战和警惕。书中穿插的那些简短的个人感悟，像星辰一样点缀在宏大的理论体系中，它们是温暖的、人性化的，平衡了整体的疏离感。这本书最大的魅力或许在于它的“留白”哲学——它没有给出最终答案，而是提供了一套工具，邀请读者自己去构建自己的答案。读完后，我感觉我的感官被重新校准了，对日常生活中光线、节奏、以及人与人之间无形张力的感知能力都得到了显著的提升。这绝对是一部需要反复阅读、并随着生命阅历增长而能读出新意的经典之作。
评分我得说，初读这本书的时候，我的心境是带着一丝批判性的审视的，毕竟面对这样一位舞蹈界的巨匠，期待自然很高，但也难免担心内容是否会过于自说自话，流于晦涩的精英主义。然而，随着阅读的深入，我发现作者的文字展现出一种令人惊讶的克制与精准，它没有采用那种故作高深的学术腔调，反而更像是一位经验丰富的匠人，在向我们展示他工具箱里的每一件精密工具。书中对不同时期作品排练过程的细节描绘，那种对“系统”的坚持和对“规则”的构建，读来令人拍案叫绝。他如何将一系列看似随机的动作序列，通过特定的算法或时间框架锁定，从而创造出既自由又严谨的结构，这种思维方式的展示，对我从事其他创造性工作的人来说，也是极大的启发。这不仅仅是舞蹈技巧的记录，更是对一种跨学科思维模式的清晰呈现。我特别留意了其中一章对音乐与动作之间关系的论述，它颠覆了我以往对两者必须同步或对立的刻板印象，作者笔下，音乐更像是一个环境背景，动作则是在这个背景下自主呼吸的生命体。这本书的价值在于，它提供了一个理解复杂系统运作的绝佳模型，即如何在既定的限制内激发最大的创造潜能。
评分这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种简洁到极致却又蕴含着无尽张力的设计语言，一下就抓住了我的眼球。我拿到手的时候，那种厚重而有质感的纸张触感，就让人心生敬畏。我原本以为这是一本关于舞蹈理论的枯燥论著，没想到它更像是一本精心编排的视觉日记，充满了对空间、时间以及肢体运动之间微妙关系的哲学探讨。作者似乎有一种魔力，能将那些稍纵即逝的瞬间凝固下来，让我们得以近距离观察那些复杂编排背后的逻辑起点。阅读的过程，与其说是在吸收知识，不如说是在进行一场沉浸式的冥想。每一页都像是一个精心搭建的舞台，光影的布局、舞台上的空无，都讲述着比任何华丽辞藻都要深刻的故事。我尤其喜欢其中对“偶然性”在创作中的作用的探讨，那种对确定性的打破和对未知领域的拥抱，非常具有启发性。它让人反思艺术创作的本质，是否真的存在一条可以被精确复制的“正确”路径。这本书的排版也极为考究，大片的留白不是浪费，而是对留白本身意义的强调，让读者的思绪得以自由驰骋，去填充那些未被言明的空白。这不仅仅是一本关于舞蹈的书，它更像是一本关于如何“观看”和“存在”的指南，引领我进入了一个全新的感知维度。
评分这本书的装帧和装帧设计本身就散发着一种近乎冷峻的美感，它似乎在用一种非常“冷静”的方式，来处理那些在舞台上燃烧的、充满活力的创作过程。我关注的重点在于其中对“排练”这一环节的剖析，这部分内容极其详尽，几乎可以视为一个微观的组织行为学案例研究。作者如何管理一群才华横溢但个性迥异的舞者，如何建立一套透明且高效的沟通机制，同时又能保护好每一个个体在探索中的脆弱性，这些管理上的智慧，远超艺术范畴。书中多次提及的“非等级制度”的排练环境，对我这个身处传统结构中的人来说，既是向往，也是深思。它揭示了，真正的创新往往诞生于权力结构被暂时悬置的空间里。读到这里，我开始意识到，这本书的受众远不止于舞蹈界人士，它为任何致力于打破僵化组织、追求高效协作和纯粹表达的领域，提供了宝贵的参照。文字的密度很高，每一个形容词的选择都仿佛经过了极其严苛的筛选，没有一句废话，每一句话都负载着重量。
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