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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Hal Leonard Publishing Corporation

出品人:

页数:648

译者:

出版时间:1992-2

价格:$ 42.38

装帧:Pap

isbn号码:9780793513291

丛书系列:

图书标签:

• 古典乐
• 假书
• 乐谱
• 钢琴
• 流行爵士
• 合奏
• 即兴演奏
• 音乐教材
• 音乐爱好者
• 演奏曲谱

弦歌不辍：一部探索音乐演变与跨文化影响的恢弘史诗 导言：超越流派的界限 本书并非简单地对某一特定音乐流派进行梳理或归档，而是以一种更加宏大和批判性的视角，深入剖析了自巴洛克时代迄今，西方音乐体系在面对全球化浪潮与技术革新时所经历的深刻变革、冲突与融合。我们旨在构建一部关于“音乐的真实性”与“艺术的适应性”的探讨，关注那些在历史洪流中被刻意忽略或边缘化的声音，而非仅仅聚焦于主流教科书所定义的“标准曲目集”。 第一部分：古典主义的幻影与根源的追溯 本书的第一部分将目光投向了启蒙运动时期，探讨了所谓的“古典时期”音乐风格是如何在特定的社会政治结构下被塑造和神圣化的。我们不会满足于对海顿、莫扎特和贝多芬的表面赞颂，而是深入挖掘其创作背后的赞助人制度、宫廷审美标准以及早期印刷技术对音乐传播的影响。 1.1 风格的建构与意识形态的投射： 详细分析奏鸣曲式和交响曲结构如何成为理性主义美学的物质载体。我们着重考察了“清晰性”、“平衡性”和“普适性”这些概念是如何被用来构建一种排他性的欧洲中心主义音乐语言，以及这种语言如何压制了民间音乐和非正式演奏实践的存在空间。 1.2 巴洛克的回响与遗忘： 本章致力于恢复巴赫、亨德尔等作曲家作品中那些在19世纪被“简化”和“标准化”的演奏实践。通过对早期手稿和乐器学的研究，揭示了“标准音高”和“标准指法”在历史演进中的人为干预，以及这些改变如何无形中改变了音乐的情感表达范围。我们特别关注了数字对位法的复兴潜力及其在当代创作中的应用潜力。 1.3 歌剧：权力、欲望与舞台的张力： 歌剧作为那个时代最昂贵的艺术形式，是社会权力结构最直观的体现。本章对比了意大利美声学派与德语严肃歌剧在叙事策略上的差异，探究了“英雄咏叹调”和“宣叙调”在引导观众情感反应中的技术机制，并批判性地审视了其中隐含的性别角色和阶级固化现象。 第二部分：浪漫主义的扩张与个体意志的觉醒 进入19世纪，音乐开始从宫廷转向公共音乐厅，从为贵族服务转向为新兴资产阶级和日益觉醒的民族主义情绪发声。本部分着重于探讨这种转变带来的形式上的解放与精神上的焦虑。 2.1 表现主义的边界探索： 探讨李斯特和瓦格纳如何通过扩大管弦乐队编制、引入“主导动机”（Leitmotif）系统以及挑战传统调性，来描绘个体灵魂深处的无限体验。我们将分析《尼伯龙根的指环》如何不仅仅是一部音乐剧，而是一次对欧洲神话体系的激进重构，以及这种重构在随后的民族音乐学中引发的连锁反应。 2.2 民族主义的“民间声音”与异域情调的捕捉： 详细考察斯美塔那、德沃夏克以及俄罗斯“五人团”如何从本国民谣、舞蹈和史诗中提炼“民族特色”。本书批判性地分析了这种“挪用”行为的复杂性：一方面是对本土文化的肯定，另一方面也存在着将民间元素降格为异国情调点缀的危险。 2.3 室内乐的私密化与知识分子的对话： 室内乐在浪漫主义时期逐渐成为作曲家进行最深刻、最晦涩的思想交流的载体。本章专注于勃拉姆斯、舒曼晚期作品中对形式的坚守与对内心世界的激烈表达之间的张力，探讨了听众如何从被动的接受者转变为需要具备特定“文化资本”才能完全理解的参与者。 第三部分：现代主义的断裂与声音景观的重塑 20世纪的两次世界大战彻底打破了既有的美学共识，音乐也随之进入了一个前所未有的分裂与实验阶段。 3.1 调性的崩塌与十二音体系的哲学： 深入解析勋伯格开创的无调性探索，将其视为对传统西方形而上学体系崩塌的音乐回应。我们将对比第二维也纳乐派的严谨性与斯特拉文斯基作品中对原始节奏的回归，分析“非人性化”的音色选择如何成为对工业化社会的一种控诉。 3.2 电子时代的黎明与声音的解放： 这一部分聚焦于录音技术、磁带实验以及早期合成器的出现，如何彻底解放了音乐的“时间性”和“空间性”。我们探讨了具体音乐（Musique Concrète）如何将日常噪音提升到艺术的殿堂，以及电子乐如何模糊了作曲家、演奏者与听众之间的界限。 3.3 爵士乐的结构与自由即兴的逻辑： 将爵士乐视为一种具有独特美学逻辑的“复调城市音乐”。本书不会停留在对“蓝调音阶”的简单介绍，而是着重分析比波普（Bebop）和自由爵士（Free Jazz）在面对既有音乐结构时的颠覆性策略，特别是其对节奏复杂性和集体即兴策略的创新性处理，及其对20世纪后半叶前卫古典音乐的影响。 结论：未来的调性——开放的结构与持续的对话 本书的收尾部分，我们将总结现代音乐的多元化趋势，探讨后现代主义对“原创性”概念的消解。我们认为，音乐的未来不在于回归某一种固定的、可被编目索引的“标准”，而在于对所有历史时期、所有文化领域的声音素材保持开放、审慎且批判性的对话能力。真正的音乐史，是一部不断修正、不断质疑自身界限的编年史。

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我是在一个资深音乐朋友的强烈推荐下购入这本《Classical Fake Book》的，老实说，我一开始有点怀疑——毕竟市面上的“经典”太多了。然而，当我真正开始使用它的时候，我明白了朋友为什么如此激动。这本书的“经典”二字绝非浪得虚名，它似乎囊括了音乐史上那些真正经受住了时间考验的作品，而且，它提供的不仅仅是旋律线和根音，更重要的是，它在许多关键的和弦上提供了非常具有演奏性的内声部建议（通过和弦名称体现）。这对于那些希望从“照着弹”升级到“真正理解和声走向”的演奏者来说，简直是醍醐灌顶。我发现自己在练习过程中，不再只是机械地重复音符，而是开始思考每一个和弦是如何构建出特定的情绪和色彩的。这种引导式的学习体验是很多教材所无法比拟的。而且，这本书的纸张质量非常优秀，反光度控制得很好，即使在光线不佳的排练室，也依然能保持清晰的阅读体验。总而言之，这本书已经成为了我日常音乐探索中不可或缺的伙伴，它不仅是一本工具书，更像是一本能够激发无限创作灵感的艺术品。

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这本乐谱集简直是为所有对爵士乐和标准曲目有热情的人量身定做的宝藏！我必须承认，当我第一次翻开它的时候，我就被那种精心的编排和丰富的曲目数量所震撼。它不像市面上很多同类的乐谱那样，只是简单地堆砌一些老掉牙的曲子，而是经过了非常细致的筛选和整理。曲谱的清晰度是让我印象最深刻的一点。通常情况下，很多大部头的乐谱在印刷上都会出现这样那样的问题，要么是五线谱和和弦符号挤在一起，要么是页面边缘裁剪不当导致有些小节看不全。但《Classical Fake Book》在这方面做到了近乎完美。所有的音符都清晰可辨，和弦标记的位置也极其合理，即便是快速的演奏或者即兴创作时，也不需要费力去辨认那些模糊不清的符号。而且，它收录的曲目跨度非常广，从早期的布鲁斯影响到后来的波普风格，几乎涵盖了爵士乐黄金时代的精华。对于一个正在努力提升自己演奏技巧和和声理解的音乐人来说，这本书简直就是一本行走的“百科全书”。我尤其喜欢它对一些经典“AABA”格式歌曲的处理方式，它不仅提供了基础的和声走向，还巧妙地在某些关键转调处做了提示，这对于初学者摸索复杂的和声进行提供了极佳的范例。我感觉自己仿佛拥有了一位私人导师，随时可以翻开它来获取灵感和知识。这绝对是我近年来购买的最有价值的音乐书籍，强烈推荐给所有想深入探索爵士乐世界的同仁们。

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作为一个业余的钢琴手，我对于乐谱的实用性有着近乎苛刻的要求。我需要的是那种可以直接拿到现场，不带任何多余累赘，能够瞬间启动演奏状态的工具书。《Classical Fake Book》完美地扮演了这个角色。它的装订方式非常坚固，我把它放在钢琴架上，翻阅了无数次，它都没有出现松散或者散页的迹象，这对于经常需要携带乐谱出门的我来说，是一个巨大的加分项。这本书的便携性与其内容的深度形成了有趣的对比——它内容如此丰富，但实体书的尺寸控制得非常好，不会显得笨重。当我需要快速确定一首不熟悉的歌曲的和弦进行时，这本书总能迅速提供清晰、准确的导航。我特别欣赏它对那些结构稍微复杂、转调频繁的曲目的处理方式，它没有采用过于简化的和弦代换，而是忠实地保留了原作的和声色彩，同时用最简洁的方式呈现出来，这对于培养我耳朵的准确性和指法的灵活性大有裨益。我曾经尝试用过好几本不同的“大本”乐谱集，但它们要么就是重点过于偏向某一时期，要么就是和声标注得过于保守。而这一本，就像是邀请你一起参与一场跨越数十年的爵士乐盛宴，每道“菜肴”都保持着最佳的烹饪状态。

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说实话，我之前对这种“Fake Book”的期望值并不高，很多时候它们更像是一种“应付之作”，重点在于“量”而不在于“质”。但《Classical Fake Book》彻底颠覆了我的看法。它的质量控制非常到位，给人的感觉是背后有一群真正懂音乐、并且对演奏者体验有要求的专家团队在把关。首先是曲目的选择，它没有陷入那种“数量压倒一切”的怪圈，而是更注重那些在爵士乐历史上具有里程碑意义的作品。我找到了一些我找了很久但总是在其他版本中缺失的罕见改编版本，这让我感到非常惊喜。其次，页面的布局设计简直是天才之举。他们似乎理解了在酒吧或舞台上翻页的困难性，所以采用了既紧凑又易读的排版。即便是双页的跨页，曲目的连贯性也保持得非常好，没有出现那种让人措手不及的断句。更重要的是，这本书在保持原曲精髓的同时，进行了一些非常实用的简化处理，使得它既能满足资深乐手进行复杂即兴的需求，也能让正在学习和弦转换的新手快速上手。我发现自己可以更专注于音乐表达本身，而不是纠结于如何看清乐谱上的每一个音符。这本书的价值远远超过了它所标示的价格，它为我的演出和练习带来了一种前所未有的流畅感和信心。

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从整体的编纂哲学来看，《Classical Fake Book》体现了一种对爵士乐传统的深刻尊重，同时也融入了现代乐手对于效率的追求。我特别喜欢它的“曲目密度”——它在有限的空间内塞入了极高的信息量，但又不至于让人感到拥挤或压迫。每一个乐曲条目都经过了深思熟虑的排版，旋律的起承转合清晰可见，伴奏的和弦标记则恰到好处地分布在不干扰主旋律阅读的位置。这种平衡感是很难达到的。我曾试图用其他电子资源来替代它，但最终发现，实体书的这种稳定性和触感带来的连接感是电子设备无法给予的，尤其是在需要快速切换思维和乐器声音的现场演奏中。这本书让我能够自信地面对各种临时邀约的演出，因为我知道，无论对方提出哪一首“标准曲”，我都有一个可靠的、经过验证的参考版本可以依靠。它就像是爵士乐的“罗马公法”，一套大家共同遵守且推崇的音乐语言基石。我确信，无论你的演奏水平如何，这本书都能为你带来扎实的理论支持和丰富的演奏材料。

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