具体描述
"Understanding Post-Tonal Music" explores the compositional and musical processes of twentieth-century post-tonal music. The book is intended for undergraduate or general graduate courses on the theory and analysis of twentieth-century music. The aim of the book is to increase the accessibility of post-tonal music by providing students with tools for understanding issues like pitch organization, rhythm and meter, form, texture, and aesthetics. By presenting the music first and then deriving the theory, "Understanding Post-Tonal Music" leads students to greater understanding and appreciation of this challenging and important repertoire.
作者简介
目录信息
读后感
应该配套谱例好好研究。此书也弥补了一部分国内现代派音乐研究的空缺。唯一遗憾是此书最后一部分关于近代音乐的举例实在有点太片面。但是此书是以音集理论作为基点的，所以难免会成这样。同时如果可能若能研究此书每一章后面的推荐的乐谱那应当是有十足的进展。可惜很多谱子国...
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用户评价
《理解后调性音乐》这本书，无疑是我近期最令人惊艳的阅读体验之一。 在我翻开这本书之前，后调性音乐对我而言，就像一个充满迷雾的领域，我常常被那些看似杂乱无章的音符弄得不知所措，甚至一度怀疑自己是否真的具备理解音乐的天赋。 然而，这本书以一种极其清晰、流畅且充满智慧的方式，为我驱散了这些迷雾。 作者并没有选择一种干巴巴的理论堆砌，而是以一种“故事”的方式，娓娓道来。 他从音乐的历史发展脉络入手，逐步引导读者去理解为什么后调性音乐会应运而生，以及它所代表的时代精神和哲学思考。 我特别欣赏书中对“打破常规”的阐释。 作者没有将后调性音乐仅仅视为一种“新奇”的技法，而是将其置于一个更广阔的艺术和哲学背景下进行解读。 他让我们看到，这些作曲家们是如何在挑战传统的束缚，寻求新的表达方式。 这种对创作动机的深入挖掘，让我对那些曾经令我困惑的音乐，有了全新的认识。 书中对十二音技法、序列音乐等核心概念的讲解，堪称典范。 作者并没有仅仅停留在技术层面的描述，而是通过大量的音乐实例，以及对作曲家创作思路的还原，让我们能够真正“听懂”这些技法是如何运作的。 我记得在读到关于韦伯恩的分析时，作者用一种非常形象的比喻，将他的音乐比作“精密的手表”，每一个零件都至关重要，共同构建出精巧而完整的整体。 这种比喻，让我一下子就抓住了韦伯恩音乐的核心特质。 此外，作者对后调性音乐在不同作曲家、不同时期所呈现出的多样性，进行了细致的梳理。 他让我们看到，后调性音乐并非是一个单一的概念，而是涵盖了无数种可能性的探索。 我认为这本书最成功之处在于，它不仅传授了知识，更重要的是，它培养了一种新的音乐欣赏能力。 读完这本书，我感觉自己仿佛拥有了一副新的“音乐眼镜”，能够看到后调性音乐中隐藏的深刻结构、丰富情感和独特美学。
评分《理解后调性音乐》这本书，对于我这样一位对古典音乐有着深厚兴趣，但又常常被现代音乐的复杂性所困扰的听众来说，简直是一盏指路明灯。 在读这本书之前，我总是觉得，那些不再遵循我们熟悉的三度音程构建的和声，以及不再有明确的“家”的旋律，要么是作者的“故意为之”，要么就是一种“噪音”。 然而，这本《理解后固性音乐》以一种极其人性化的方式，循序渐进地解开了我的困惑。 作者首先从我们最熟悉的音乐元素——音高、节奏、音色——入手，然后巧妙地将这些基本要素置于后调性音乐的语境中进行重新审视。 我特别喜欢书中关于“音响空间”的描述。 作者将传统的调性音乐比作一个有明确边界和重力的宇宙，而将后调性音乐比作一个更加自由、更加开放的星系，在那里，音符可以以任何我们想象不到的方式相互作用。 这种比喻让我一下子就理解了后调性音乐的“解放性”。 书中对十二音技法、序列音乐等重要概念的阐释，非常到位。 作者没有使用生硬的专业术语，而是通过大量的音乐实例和巧妙的比喻，将这些原本听起来令人生畏的理论，变得清晰易懂。 我记得在讲解十二音技法时，作者将其比作一种“点石成金”的技法，每一种音程关系，无论多么不寻常，都能在整体的音列中找到其合理的位置。 这种理解方式，让我对那些看似“不和谐”的声音，有了新的认识。 此外，作者还对后调性音乐在不同历史阶段的发展进行了梳理，从 Schoenberg 的突破，到 Webern 的极端，再到 Ligeti 的探索，他清晰地描绘了后调性音乐不断演变的图景。 这让我对后调性音乐的历史脉络有了宏观的把握，不再觉得它们是零散的、孤立的创作。 我认为这本书最成功的地方在于，它鼓励读者去“聆听”，去“感受”，而不是仅仅去“分析”。 作者在书中反复强调，理解后调性音乐的关键在于开放的心态和积极的聆听。 读完这本书，我感觉自己仿佛掌握了一套全新的“音乐语言”，我开始能够欣赏那些曾经让我困惑的音乐，并且从中发现新的美。
评分《理解后调性音乐》这本书，对我来说，与其说是一本理论书籍，不如说是一次深刻的音乐“思维重塑”之旅。 在我接触这本书之前，我对后调性音乐的理解，充其量停留在“不和谐”的层面，我总觉得那些声音似乎缺乏一种内在的逻辑和秩序。 然而，这本书以一种非常系统且引人入胜的方式，为我揭示了后调性音乐背后深层的思维模式和美学追求。 作者的开篇，并没有直接进入理论的深水区，而是从对音乐最基本元素的重新审视开始，将我们熟悉的音高、节奏、音色等概念，置于一个全新的视角下来考察。 我特别欣赏书中关于“倾听”的哲学思考。 作者强调，理解后调性音乐的关键，在于培养一种“倾听的艺术”，一种能够超越传统调性思维的感知能力。 他用大量的例子，说明了如何去关注音程的非传统关系，如何去体会节奏的自由跳跃，如何去捕捉音色的独特质感。 这种对听觉体验的深入挖掘，让我意识到，我之前的聆听方式是多么地局限于传统。 书中对十二音技法、序列音乐等核心概念的阐释，可以说是入木三分。 作者并没有仅仅停留在技术层面的介绍，而是深入探讨了这些技法如何反映了作曲家的哲学观念和对音乐本质的理解。 我记得在读到关于勋伯格的分析时，作者引述了他关于“音乐的自由”的观点，让我对十二音技法的“严谨”与“自由”之间的辩证关系有了更深的认识。 此外，作者还对后调性音乐在不同文化背景下的发展进行了比较，展现了其全球性的影响和本土化的演变。 这种跨文化视野，让我对后调性音乐的理解更加全面和深刻。 我认为这本书最宝贵之处在于，它不仅仅是提供了知识，更重要的是，它激发了读者对音乐进行深度思考的兴趣。 读完这本书，我发现自己能够以一种更加开放和好奇的心态去面对那些曾经让我望而却步的现代音乐，并且从中找到前所未有的乐趣。
评分《理解后调性音乐》这本书，对我来说，简直是一场关于音乐“思维革命”的洗礼。 在我阅读这本书之前，后调性音乐对我而言，就像一个被神秘面纱笼罩的国度，我总是对它充满好奇，却又因为其复杂性和“不寻常”而望而却步。 而这本书，以一种近乎“翻译”的智慧，为我揭开了那层面纱。 作者的叙事方式非常引人入胜，他并没有直接跳入高深的理论，而是从音乐最基础的构成元素——音高、节奏、音色——出发，然后循序渐进地将它们置于后调性音乐的语境下进行重新审视。 我尤其欣赏书中关于“调性”的重新定义。 作者并没有将调性仅仅看作是“主-属”关系，而是将其拓展到更广阔的理解范畴，这让我明白，后调性音乐并非是对传统的“否定”，而是对音乐表达可能性的“拓展”和“深化”。 这种深刻的见解，彻底改变了我对许多现代音乐的固有偏见。 书中对十二音技法、序列音乐等关键概念的阐释，可谓是细致入微且通俗易懂。 作者并非仅仅罗列理论，而是通过大量的音乐片段和精妙的类比，将这些复杂的技法展现在我面前。 我记得在讲解十二音技法时，作者将其比作一种“音乐的骨架”，在这个骨架上，任何音程关系都可以被搭建，从而创造出无穷的音乐可能。 这种形象的解释，让我对那些曾经让我感到“杂乱”的声音有了更清晰的认识。 此外，作者还对后调性音乐在不同历史时期、不同作曲家之间的发展进行了梳理，这让我对后调性音乐的丰富性和多样性有了更深的理解，不再觉得它们是孤立的创作。 我认为这本书最成功的地方在于，它不仅传授了知识，更重要的是，它激发了读者对音乐进行深度思考的兴趣，让我能够以一种更加开放和好奇的心态去面对那些曾经让我感到困惑的音乐。
评分这本《理解后调性音乐》简直是我近期听过最令人振奋的书籍之一！ 作为一名对音乐充满好奇，但又常常被那些“非传统”的和声和旋律搞得云里雾里的小乐迷，我一直渴望找到一本能够真正拨开迷雾、引领我走进那个神秘又迷人的后调性音乐世界的向导。而这本《理解后调性音乐》恰恰扮演了这样的角色。 我特别欣赏作者的叙事方式，他没有一开始就抛出艰涩的理论术语，而是循序渐进地从音乐的基本元素——音高、节奏、音色——入手，然后巧妙地将它们与后调性音乐的特殊语境联系起来。 这种“由浅入深”的学习路径，对于像我这样非音乐专业背景的读者来说，简直是福音。 我记得书中有一个章节，详细阐述了如何去“聆听”那些不再遵循传统调性中心的声音，作者用了很多生动形象的比喻，比如将无调性音乐比作一幅没有明确焦点的抽象画，或是将十二音技法比作一个精密设计的棋局。这些比喻让我一下子就抓住了重点，不再觉得那些复杂的音程组合是杂乱无章的噪音，而是充满了内在逻辑和独特的美感。 此外，书中对一些重要作曲家作品的分析也让我印象深刻。作者挑选的案例并非都是最晦涩难懂的，而是选择了一些具有代表性和过渡性的作品，并对其进行深入剖析。他不仅解释了作品的结构和技法，更重要的是，他引导读者去感受这些音乐的情感和思想。当我读到关于勋伯格《月光下的皮埃罗》的分析时，我仿佛真的能听到那个“梦幻般、略带病态”的声音，感受到其中复杂的情感波动。 作者的语言非常清晰流畅，没有那种学术著作的官僚气，读起来就像是在与一位知识渊博的朋友聊天。 他鼓励读者去质疑、去探索，而不是被动接受。 我觉得这本书最宝贵的地方在于，它不仅教授了“是什么”，更重要的是教会了“如何去理解”。它提供了一套思考后调性音乐的框架和工具，让我在未来的音乐探索中，能够更加自信和有方向。我强烈推荐给所有对现代音乐感兴趣，但又希望获得扎实理解的朋友们！
评分《理解后调性音乐》这本书，无疑是我近期阅读过的关于音乐理论的图书中最具启发性的一本。 在我翻开这本书之前，后调性音乐对我而言，就像一个高深的迷宫，我总是被困在入口，无法深入。 我曾经试图通过一些其他书籍来了解，但那些过于技术化的语言和抽象的概念，常常让我望而却步。 这本《理解后调性音乐》却截然不同。 作者并没有直接扑向复杂的理论，而是先从音乐最本质的构成元素——音、节奏、和声、织体——开始，以一种非常循序渐进的方式，将这些基本概念与后调性音乐的特殊语境巧妙地连接起来。 我特别赞赏作者在解释“无调性”时所使用的类比。 他将传统的调性音乐比作一座有明确中心和方向的城市，而无调性音乐则更像是一片广阔的、充满无限可能性的开放空间。 这种形象的比喻，一下子就消除了我对无调性的畏惧感，让我觉得它并非是“混乱”，而是“自由”。 书中对一些关键的后调性音乐技法，如十二音技法、序列音乐、偶发音乐等，都进行了非常清晰和详细的阐释。 作者在解释这些技法时，并没有仅仅停留在理论层面，而是通过分析具体的音乐片段，展示了这些技法是如何在实际作品中运用的，以及它们如何塑造了音乐的听感。 我记得在读到关于勋伯格十二音作品的分析时，作者不仅仅列出了音列的排列，更重要的是，他引导我们去体会音列是如何影响旋律的进行、和声的构建以及整体的织体。 这种“理论联系实践”的方式，让复杂的理论变得触手可及。 此外，作者还对后调性音乐在不同国家、不同作曲家之间的发展差异进行了梳理，这让我对后调性音乐的丰富性和多样性有了更深的认识。 我不再觉得后调性音乐是一个单一的概念，而是涵盖了各种各样的探索和风格。 整本书的语言风格平实而不失优雅，作者的叙述引人入胜，能够将我完全带入到对音乐的思考中。 我觉得这本书最大的价值在于，它不仅让我“知道”了后调性音乐是什么，更重要的是，它让我学会了“如何去听”和“如何去感受”后调性音乐。
评分《理解后调性音乐》这本书，是我近期在音乐探索之旅中遇到的一个里程碑。 在翻阅它之前，后调性音乐对我来说，更像是一个抽象的概念，一个遥不可及的领域，我常常对它感到好奇，却又不知从何入手。 而这本书，则像一位循循善诱的老师，为我打开了通往这个领域的大门。 作者以一种非常独特且引人入胜的方式，构建了他的叙事。 他并没有一开始就堆砌复杂的理论，而是从音乐最根本的元素——音高、节奏、音色——入手，然后巧妙地将这些元素置于后调性音乐的特殊语境下进行探讨。 这种“由内而外”的梳理方式，让我在学习过程中，始终能感受到音乐的“脉搏”。 我尤其欣赏书中关于“调性”的重新定义。 作者并没有将调性仅仅局限于传统的“属-主”关系，而是将其拓展到更广阔的理解范畴，这让我得以明白，后调性音乐并非是对调性的“否定”，而是对调性概念的一种“重塑”和“拓展”。 这种深刻的见解，彻底改变了我对许多现代音乐的偏见。 书中对一些关键的后调性音乐技法，例如十二音技法、序列音乐，以及更具实验性的音乐形式，都进行了详细而生动的阐释。 作者善于运用类比和形象的比喻，将原本晦涩的理论变得容易理解。 我记得在讲解十二音技法时，作者将其比作一个精心设计的“音高框架”，在这个框架内，每一颗音符都有其特定的位置和意义，而整体的组合则创造出独特的听觉体验。 这种解释方式，让我对这些技法有了直观的认识。 此外，作者对后调性音乐在不同历史时期、不同作曲家之间的发展差异，进行了清晰的梳理。 他勾勒出了从 Schoenberg 的早期探索，到 Webern 的极端严谨，再到 Messiaen 的色彩斑斓，以及 Ligeti 的声响雕塑等一系列的发展脉络。 这让我对后调性音乐的丰富性和多样性有了深刻的理解。 我认为这本书最成功之处在于，它不仅传授了知识，更重要的是，它培养了一种新的音乐感知能力。 读完这本书，我感觉自己能够以一种更加开放和包容的心态去聆听那些曾经让我感到困惑的音乐，并且能够从中发现意想不到的美。
评分《理解后调性音乐》这本书，对于我这样一位曾经对现代古典音乐感到“无从下手”的听众来说，无疑是一次重要的“启蒙”。 在我拿到这本书之前，我对后调性音乐的印象，大多停留在“听不懂”、“听起来不舒服”的阶段，我总觉得那些脱离了我们熟悉的三度音程构建的音乐，是艺术家们故意制造的“噪音”。 然而，这本书以一种极其耐心且富有洞察力的方式，彻底改变了我的认知。 作者并没有一开始就抛出艰涩的理论，而是从我们最熟悉的音乐元素——音高、节奏、音色——入手，然后以一种非常自然的逻辑，将它们与后调性音乐的特殊语境联系起来。 我特别喜欢书中关于“聆听”的探讨。 作者强调，理解后调性音乐的关键，在于培养一种“积极的聆听”态度，一种能够超越传统调性思维的感知方式。 他通过分析具体的音乐片段，教导我们如何去关注音程的非传统关系，如何去体会节奏的自由变化，如何去捕捉音色的独特质感。 这种对聆听过程本身的引导，让我意识到，问题并非出在音乐本身，而是出在我之前“听”的方式。 书中对十二音技法、序列音乐等核心概念的阐释，既严谨又易懂。 作者善于使用贴切的比喻和生动的音乐实例，将原本可能枯燥的理论，变得引人入胜。 我记得在讲解十二音技法时，作者将其比作一种“音乐的语法”，在这个语法下，每一个音符的排列组合都有其独特的意义和可能性。 这种理解方式，让我对那些看似“无序”的音符有了新的认识。 此外，作者对后调性音乐在不同历史时期、不同地区的发展差异，进行了清晰的梳理，这让我对后调性音乐的丰富性和多样性有了更深的理解。 我认为这本书最宝贵之处在于，它不仅传授了知识，更重要的是，它培养了一种新的音乐感知能力，让我能够更加自信地去探索和欣赏那些曾经让我却步的音乐。
评分这是一本足以改变我音乐聆听习惯的著作。 在我拿到《理解后调性音乐》之前，我对现代古典音乐的印象，坦白说，有些模糊，甚至可以说是敬而远之。 我总是觉得那些所谓的“后调性”作品，要么是故弄玄虚，要么就是一堆毫无章法的音符堆砌。 然而，这本书彻底颠覆了我的认知。 作者以一种近乎“考古学”的严谨态度，深入浅出地剖析了后调性音乐产生的历史背景、哲学思想以及美学观念。 我特别喜欢书中关于“调性”这个概念的探讨，作者并没有简单地将它定义为“主-属关系”，而是将其拓展到更广阔的理解范畴，然后在此基础上，解释了为何以及如何打破传统的调性束缚。 这一点至关重要，它让我明白，后调性音乐并非是对传统的否定，而是基于对音乐本质更深层次的追求。 书中对一些关键理论的阐释，比如十二音技法、序列音乐等，并没有采用枯燥的数学公式或抽象的概念堆砌。 作者善于使用类比和具体的音乐片段来解释这些复杂的理论。 我记得他在讲解十二音技法的“序列”时，将其比作一串精心编排的珠子，每一颗都有其位置和意义，而整体的排列组合则创造出独特的韵律和色彩。 这种形象的解释，让我这个音乐理论初学者也能茅塞顿开。 此外，作者对后调性音乐在不同时期、不同风格下的演变也进行了梳理，从早期对调性的模糊化，到 Schoenberg 和 Webern 的十二音体系，再到 Messiaen 和 Ligeti 等人的探索，他清晰地勾勒出了一条发展的脉络。 这使得我对后调性音乐的发展史有了宏观的认识，不再觉得它们是孤立的、难以联系的现象。 这本书的语言风格也非常吸引人，既有学术的严谨，又不失人文的温度。 作者在字里行间流露出对后调性音乐的热爱，这种热情能够感染读者，激发读者去主动地去探索和理解。 读完这本书，我感觉自己仿佛打开了一扇通往新世界的大门，我开始期待去聆听那些曾经让我却步的音乐，并尝试去理解它们所传递的独特信息。
评分《理解后调性音乐》这本书，如果用一个词来形容，那便是“启迪”。 在我开始阅读这本书之前，我对后调性音乐的理解，还停留在“听不懂”的阶段。 我曾经尝试去听一些现代作曲家的作品，结果往往是头晕目眩，觉得那不是我所熟悉的、能够引起共鸣的音乐。 我甚至一度怀疑自己是否缺乏理解音乐的“天赋”。 但这本书，彻底打消了我这种念头。 作者以一种极其友善和包容的态度，引导读者去认识后调性音乐。 他并没有试图强迫读者去接受某种预设的观念，而是鼓励读者带着开放的心态去聆听和体验。 我尤其欣赏书中关于“聆听”本身的探讨。 作者提出了“主动聆听”和“被动聆听”的区别，并强调在后调性音乐中，主动聆听的重要性。 他教导我们如何去关注音高的非传统关系，如何去体会节奏的自由变化，如何去捕捉音色的独特质感。 这种对聆听方式的引导，让我意识到，问题不在于音乐本身有多么“难懂”，而在于我之前的聆听方式是否适合这种音乐。 书中对二十世纪早期音乐发展的梳理，让我对那个时代的音乐家们所面临的困境和探索有了更深的理解。 我看到了他们是如何在试图摆脱传统束缚的同时，又在寻找新的表达方式。 这种历史的视角，让后调性音乐不再是凭空出现，而是有着深厚的历史根源和创作动机。 特别让我感到惊喜的是，作者在讨论一些复杂的音乐技法时，会穿插一些有趣的音乐史轶事或者作曲家本人的语录，这使得原本可能枯燥的理论变得生动有趣。 我记得在读到关于德彪西音乐的介绍时，作者引用了他关于“音乐应该像波浪一样自由”的说法，这句话一下子就点亮了我对德彪西音乐的理解。 整本书的结构也非常合理，逻辑清晰，层层递进。 每一章的内容都紧密衔接，让读者能够逐步建立起对后调性音乐的完整认知。 我觉得这本书最大的成功之处在于，它不仅传递了知识，更重要的是它培养了一种新的音乐认知能力。 在读完这本书后，我发现自己能够更加耐心和细致地去聆听现代音乐，并且能够从中找到乐趣和意义。
评分啃教科书……
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