"Practical for reference and delightful for browsing....Excellent introduction for the opera novice as well as the more experienced listener." — Booklist
Four hundred years after it began, opera's combination of grandeur and intimacy continues to beguile audiences around the world. Covering subjects as diverse as the opening of La Scala in Milan, the legendary career of Maria Callas, and the extraordinary success of the Three Tenors, The Chronicle of Opera celebrates the great eras of music and performance, mixing fact and anecdote, personalities and stylistic development with hundreds of illustrations.
Opera developed quickly from its modest beginnings as the re-creation of classical Greek drama. By the seventeenth century, the time of Monteverdi, it included all the components of much later operas: choruses, arias, recitatives, instrumental ensembles, and interludes. Toward the end of the eighteenth century, artifice had been replaced by the classical perfection and wit of Mozart. The next hundred years saw the rise of romanticism, with famous masterworks by Rossini, Donizetti, Verdi, and Wagner, while the twentieth century saw the brilliant innovations of Berg, Stravinsky, Britten, and Gershwin, among many others.
A new section brings the story of opera into the twenty-first century. The comprehensive reference section includes biographies, a timeline, opera house openings and premieres, a glossary, and a discography, making this an essential reference book for all opera lovers. 320 illustrations, 100 in color.
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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮,那种厚重的纸张质感和典雅的字体排版,营造出一种阅读古典巨著的庄严感。我原本是带着对十九世纪下半叶法国歌剧,特别是德彪西《佩利亚斯与梅丽桑德》的独特影响力的探究兴趣而来的。我希望了解,在德语和意大利语歌剧的主导地位下,法国印象派音乐如何悄然渗透并挑战了传统的叙事结构和和声语言。这本书在这方面的处理却显得过于保守和传统。它详细记录了《卡门》在首演后的商业波动,以及马斯内作品的流行程度,但当涉及到音乐语言的根本性变革时,笔锋仿佛就变得犹豫了。比如,关于德彪西如何运用模糊的和声色彩来表达角色的内心世界,而非依赖传统的调性冲突来推动情节,这本书几乎没有给出令人信服的音乐分析来支撑其历史地位。它仅仅是罗列了首演信息和评论家的初期反应,而缺失了对音乐文本本身进行深入“聆听式”解读的尝试。对于想探究歌剧艺术如何跨越世纪界限,实现从浪漫主义到现代主义的过渡的读者来说,这本“编年史”显得力不从心,它仿佛停留在了一个更早的、更注重历史事件记录的时代,对音乐本体的革命性变化缺乏足够的敏感度与笔墨去描绘。
评分翻开这本《The Chronicle of Opera, Second Edition》,我原本期待能找到一些关于歌剧黄金时代的深度剖析,或者至少是对瓦格纳、威尔第等巨匠晚期作品的全新解读。然而,这本书更像是一本精心编纂的歌剧史年鉴,侧重于事件的罗列和剧目的时间顺序,而非对艺术思潮的深刻挖掘。我尤其关注的是其对十八世纪早期那波利派歌剧改革的论述,希望了解格鲁克是如何在复杂的政治背景下,推动“改革歌剧”的诞生,并重塑观众对歌剧艺术的认知。遗憾的是,书中对此的描述相对浅尝辄止,更多的是提及了关键人物的姓名和首演日期,却缺乏对当时美学理念冲突的具体描绘。比如,关于巴洛克歌剧如何逐渐走向僵化,以及改革派如何通过引入更具戏剧张力的宣叙调来打破咏叹调的过度炫技,这些核心的艺术争论,在这本书里没有得到应有的篇幅来展开。我花了大量时间试图从中寻找关于“音乐戏剧”与“传统大歌剧”之间哲学差异的辩证分析,但最终发现,它更倾向于提供一个清晰的、不带太多个人色彩的“事实清单”,这对于一个追求学术深度的读者来说,无疑是一种知识上的“饥饿”。我更希望看到的是,作者如何将这些历史碎片编织成一张有力的批判性网络,而不是仅仅将其整齐地码放好。
评分这本书的语言风格是极其严谨且学院派的,句子结构工整,论述过程逻辑分明,这本无可厚非。然而,这种过度追求客观和全面的倾向,导致了阅读体验上的巨大缺失——情感的温度被完全抽离了。我一直在寻找那些关于伟大歌剧首演之夜的、能让人身临其境的描述,那些关于某位天才嗓音如何征服挑剔的听众,或者某个创新性布景设计如何引发全场哗然的生动轶事。我希望通过文字,能“听见”蒙特威尔第《奥尔费奥》中那悠扬的牧歌调,或者“感受”到普契尼歌剧高潮处那种令人窒息的戏剧张力。但这本书几乎完全是干燥的学术陈述,没有一丝一毫的浪漫色彩的渲染。它像是一份严谨的法律文件,准确无误地记录了“谁在何时、何地、演出了什么”,却完全无法传递歌剧作为一种“活的艺术”所应有的激情与震撼。对于那些因为对歌剧的热爱而渴望重温那些辉煌瞬间的读者而言,这本书提供的知识是足够的,但灵魂的满足感却无从谈起,它更像是一本工具书,而非引人入胜的“史诗编年”。
评分阅读过程中,我不得不承认,它在收集和整理歌剧首演的细节资料方面确实做到了详尽无遗,这对于一个希望快速核对某个剧目具体首演日期或原始卡司信息的资料检索者来说,无疑是便利的。然而,我阅读这本书的初衷,是想探讨“场域理论”在歌剧史研究中的应用,即探讨剧院、赞助人、王室权力与作曲家创作意图之间的复杂互动关系。比如,我想知道在某个特定时期,哪个剧院的艺术品味如何影响了普契尼早期作品的修改倾向。这本书似乎完全回避了这种社会学或权力结构层面的探讨。它更像是一本只关注舞台上发生的事情的记录本,对于台下的权力博弈,对于赞助人对选材的干预,对于观众阶层对歌剧形式的期待与反作用力,它保持了令人遗憾的沉默。这种纯粹的“作品中心论”的叙述方式,虽然确保了内容的“纯净”,却大大削弱了歌剧艺术作为一种社会文化现象的丰富性和层次感。我期望看到的是,作者如何将剧院的财务报表与咏叹调的结构进行对照分析,但此处只有冷冰冰的日期和剧名,缺乏了那种将历史脉络“活化”的洞察力。
评分我特别对二十世纪中叶,尤其是战后先锋派歌剧的兴起抱有浓厚兴趣,例如布列瑟和施托克豪森等作曲家如何利用电子音乐、空间化声学和非传统声乐技巧来挑战歌剧作为一种叙事形式的传统边界。我对这本书在该部分的内容分配感到非常失望。对于这些具有颠覆性的作品,篇幅占比极小,介绍如同“路过”一般匆匆带过,仅仅提及了它们的存在,却没有深入剖析其背后的技术创新和美学宣言。例如,关于“随机性”在歌剧结构中的应用,以及如何通过非线性叙事来解构观众对“高潮”和“结局”的期待,这些都是二十世纪音乐史上的重要议题,但在本书中却被轻描淡写地处理了。相比之下,对于十八世纪某个相对边缘的歌剧节庆的详尽描述,反而占据了相当大的篇幅。这让整本书的重心显得严重失衡,仿佛作者对于探索艺术的边界和未知领域持有一种本能的抗拒,更愿意停留在那些已经被历史充分“消化”和“驯化”的经典作品上,对于需要更多批判性解读的当代尝试,则选择了回避或简化处理,这使得它在现代性歌剧史的梳理上显得苍白无力。
评分其实纯属看画玩
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