The Chronicle of Opera, Second Edition

The Chronicle of Opera, Second Edition pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Thames & Hudson
作者:Michael Raeburn
出品人:
页数:260
译者:
出版时间:2007-06-11
价格:280.00元
装帧:Paperback
isbn号码:9780500286678
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐参考书
  • Opera
  • Music History
  • Classical Music
  • Performing Arts
  • Music Reference
  • Second Edition
  • Cultural History
  • Musicology
  • Biography
  • Arts & Entertainment
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具体描述

"Practical for reference and delightful for browsing....Excellent introduction for the opera novice as well as the more experienced listener." — Booklist

Four hundred years after it began, opera's combination of grandeur and intimacy continues to beguile audiences around the world. Covering subjects as diverse as the opening of La Scala in Milan, the legendary career of Maria Callas, and the extraordinary success of the Three Tenors, The Chronicle of Opera celebrates the great eras of music and performance, mixing fact and anecdote, personalities and stylistic development with hundreds of illustrations.

Opera developed quickly from its modest beginnings as the re-creation of classical Greek drama. By the seventeenth century, the time of Monteverdi, it included all the components of much later operas: choruses, arias, recitatives, instrumental ensembles, and interludes. Toward the end of the eighteenth century, artifice had been replaced by the classical perfection and wit of Mozart. The next hundred years saw the rise of romanticism, with famous masterworks by Rossini, Donizetti, Verdi, and Wagner, while the twentieth century saw the brilliant innovations of Berg, Stravinsky, Britten, and Gershwin, among many others.

A new section brings the story of opera into the twenty-first century. The comprehensive reference section includes biographies, a timeline, opera house openings and premieres, a glossary, and a discography, making this an essential reference book for all opera lovers. 320 illustrations, 100 in color.

《歌剧编年史:第二版》 是一部深入探索歌剧艺术各个层面的宏大著作。它不仅仅是一部历史记录,更是一次关于人类情感、戏剧表达与音乐创新交织的深刻旅程。本书以其严谨的研究、细腻的笔触以及对歌剧文化丰富性的全面呈现,为读者打开了一扇通往歌剧世界的大门。 宏观视角下的演进与变革: 本书的开篇便以开阔的视野,勾勒出歌剧艺术自其诞生以来的发展脉络。从巴洛克时期那充满仪式感与神话色彩的早期歌剧,到古典时期精致的结构与清晰的叙事,再到浪漫主义时期情感的奔涌与戏剧张力的极致释放,以及现代歌剧对语言、形式与主题的不断拓展与颠覆,《歌剧编年史:第二版》都进行了详尽的梳理与解读。作者并未将这些时期割裂开来,而是着力展现它们之间的内在联系与相互影响,揭示了歌剧艺术在不同历史语境下如何回应社会变迁、哲学思潮以及审美观念的演变。 例如,在探讨巴洛克歌剧时,本书深入剖析了其在美声唱法、华丽炫技以及宏大场面上的侧重点,并将其置于当时宫廷文化的背景下进行理解。而进入古典时期,则重点阐述了莫扎特等大师如何将歌剧的戏剧性与音乐性完美融合,塑造出更具人性的角色与更富逻辑性的情节。进入浪漫主义时期,本书则浓墨重彩地描绘了威尔第、瓦格纳等巨匠如何通过激昂的旋律、深刻的人物刻画以及宏大的叙事,将歌剧推向了情感表达的巅峰。即便是在探讨20世纪及以后的现代歌剧,本书也并非简单罗列新作品,而是着重分析了作曲家们在音乐语言、结构形式、题材选择以及舞台呈现上所进行的突破性尝试,例如对十二音体系、简约主义、电子音乐的应用,以及对现实题材、社会议题的关注。 地域风情与民族特色: 歌剧艺术的魅力,很大程度上在于它能够吸收并融合不同地域与民族的文化精髓。《歌剧编年史:第二版》对此有着极为深刻的认知,它在梳理全球歌剧发展史时,特别关注了不同国家和地区的歌剧传统及其独特的贡献。 意大利作为歌剧的发源地,其美声歌剧的辉煌成就自然是本书的重头戏。从早期坎蒂亚的歌剧到罗西尼、贝里尼、董尼采蒂的 bel canto 时代,再到威尔第的民族歌剧以及普契尼那充满东方韵味的浪漫主义杰作,本书都进行了细致的梳理。但本书并未止步于此,它同样深入探讨了德国歌剧的哲学深度与史诗气质,尤其是瓦格纳的“乐剧”理念及其对后世的影响。法国歌剧那独特的典雅与宏大,以及俄国歌剧强烈的民族色彩与深刻的社会批判,也都在本书中得到了充分的体现。此外,本书还触及了东欧、北美等地区在歌剧发展中的探索与创新,展现了歌剧艺术如何在全球范围内开枝散叶,并与当地文化相互滋养。 剧目精粹与大师之声: 一部歌剧史,离不开那些不朽的剧目和卓越的作曲家。《歌剧编年史:第二版》精心挑选了各个时期最具代表性的歌剧作品,对其音乐、剧本、人物塑造、艺术风格进行了深入的剖析。从蒙特威尔第的《奥菲欧》到莫扎特的《费加罗的婚礼》,从威尔第的《茶花女》到瓦格纳的《尼伯龙根的指环》,再到德彪西的《佩利亚斯与梅丽桑德》以及斯特拉文斯基的《春之祭》,本书都力求呈现作品最核心的艺术价值。 对于每一部被深入解读的剧目,本书不仅仅停留于情节的介绍,更着重于分析作曲家如何运用音乐手段来刻画人物、营造氛围、推动剧情。例如,对莫扎特歌剧的分析,会强调其对人物心理的精准捕捉和戏剧结构的精巧安排;对威尔第歌剧的分析,则会突出其旋律的动人心魄与情感的真实流露;对瓦格纳的作品,则会深入探讨其“乐剧”的 Gesamtkunstwerk(总体艺术)理念,以及导引性动机(leitmotif)的巧妙运用。 同时,本书也对那些对歌剧发展产生深远影响的作曲家、指挥家、歌唱家和导演进行了生动的描绘。这些大师们不仅是艺术的创作者,更是歌剧传统的塑造者和传承者。本书通过他们的传记片段、艺术理念以及对作品的独特诠释,让读者得以窥见歌剧艺术背后鲜活的人物与炽热的情感。 主题深度与文化意涵: 歌剧并非仅仅是音乐与戏剧的结合,它更是人类思想、情感与社会议题的载体。《歌剧编年史:第二版》敏锐地捕捉到了这一点,它将歌剧置于更广阔的文化背景下进行审视,探究歌剧所承载的深刻主题与文化意涵。 本书会分析歌剧中反复出现的主题,如爱情的伟大与毁灭、命运的不可抗拒、权力与欲望的斗争、社会不公的控诉,以及对人性弱点的揭示。例如,在分析浪漫主义时期的歌剧时,本书会探讨爱情在其中所扮演的至高无上的角色,以及由此可能引发的悲剧。在分析19世纪末及20世纪的歌剧时,则会关注现实主义、自然主义思潮对歌剧题材的影响,以及作曲家们对社会底层人物命运的关注。 此外,本书还探讨了歌剧如何与哲学、宗教、文学、绘画等其他艺术形式相互渗透,以及歌剧在不同历史时期所扮演的社会角色。歌剧既可以是皇室贵族的娱乐,也可以是民众情绪的宣泄;它可以是道德教化的工具,也可以是反叛精神的象征。本书通过对这些多维度的解读,让读者认识到歌剧艺术所蕴含的丰富文化内涵。 音乐语言的探索与创新: 音乐是歌剧的灵魂,《歌剧编年史:第二版》自然不会回避对歌剧音乐语言的深入分析。本书会追溯歌剧音乐形式的演变,从早期的宣叙调与咏叹调的区分,到二重唱、三重唱、合唱的丰富运用,再到十四行诗、奏鸣曲式等古典音乐结构的融入。 本书也会重点关注作曲家们在和声、旋律、配器等方面的创新。例如,对瓦格纳的分析会提及他如何打破传统的调性限制,运用复杂的和声,以及其管弦乐队如何成为一个强大的表现工具。对印象派作曲家如德彪西的分析,则会探讨其对色彩感、氛围感的追求,以及如何运用新的和声语言来营造朦胧而富有诗意的意境。进入20世纪,本书会深入剖析十二音体系、序列音乐、极简主义等新的作曲技法在歌剧中的应用,以及它们为歌剧带来的新的表现可能性。 舞台呈现与时代精神: 歌剧的魅力也离不开其独特的舞台呈现。《歌剧编年史:第二版》并非仅仅是音乐研究,它同样关注歌剧的视觉元素与表演实践。本书会回顾歌剧舞台设计、服装、灯光等方面的演变,以及它们如何与音乐和戏剧融为一体,共同营造出作品的整体氛围。 同时,本书也会探讨不同时代对歌剧表演风格的要求。从早期注重声乐技巧的“装饰音时代”,到强调情感表达的浪漫主义时期,再到现代注重戏剧塑造和导演创意的时代,歌剧的表演实践也在不断地发展和演变。本书会通过对一些著名导演和歌唱家的案例分析,展现歌剧舞台艺术的多样性与创造力。 结语: 《歌剧编年史:第二版》是一部集历史性、学术性、艺术性于一体的巨著。它以其广博的知识、深刻的洞察以及对歌剧艺术的热爱,为读者提供了一个全面而深入的歌剧世界。无论是歌剧初学者,还是资深爱好者,都能在这部书中找到丰富的启迪与无尽的享受。它不仅是一部了解歌剧历史的工具书,更是一次引导读者去感受、去理解、去热爱歌剧艺术的精彩旅程。本书的价值在于,它不仅仅呈现了“是什么”,更深刻地挖掘了“为什么”与“如何”。它带领读者穿越时空,感受那些不朽的旋律如何诉说人类最深刻的情感,那些宏大的舞台如何映照出时代的精神,以及那些卓越的艺术家如何用生命点燃了歌剧艺术永恒的光芒。

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读后感

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翻开这本《The Chronicle of Opera, Second Edition》,我原本期待能找到一些关于歌剧黄金时代的深度剖析,或者至少是对瓦格纳、威尔第等巨匠晚期作品的全新解读。然而,这本书更像是一本精心编纂的歌剧史年鉴,侧重于事件的罗列和剧目的时间顺序,而非对艺术思潮的深刻挖掘。我尤其关注的是其对十八世纪早期那波利派歌剧改革的论述,希望了解格鲁克是如何在复杂的政治背景下,推动“改革歌剧”的诞生,并重塑观众对歌剧艺术的认知。遗憾的是,书中对此的描述相对浅尝辄止,更多的是提及了关键人物的姓名和首演日期,却缺乏对当时美学理念冲突的具体描绘。比如,关于巴洛克歌剧如何逐渐走向僵化,以及改革派如何通过引入更具戏剧张力的宣叙调来打破咏叹调的过度炫技,这些核心的艺术争论,在这本书里没有得到应有的篇幅来展开。我花了大量时间试图从中寻找关于“音乐戏剧”与“传统大歌剧”之间哲学差异的辩证分析,但最终发现,它更倾向于提供一个清晰的、不带太多个人色彩的“事实清单”,这对于一个追求学术深度的读者来说,无疑是一种知识上的“饥饿”。我更希望看到的是,作者如何将这些历史碎片编织成一张有力的批判性网络,而不是仅仅将其整齐地码放好。

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阅读过程中,我不得不承认,它在收集和整理歌剧首演的细节资料方面确实做到了详尽无遗,这对于一个希望快速核对某个剧目具体首演日期或原始卡司信息的资料检索者来说,无疑是便利的。然而,我阅读这本书的初衷,是想探讨“场域理论”在歌剧史研究中的应用,即探讨剧院、赞助人、王室权力与作曲家创作意图之间的复杂互动关系。比如,我想知道在某个特定时期,哪个剧院的艺术品味如何影响了普契尼早期作品的修改倾向。这本书似乎完全回避了这种社会学或权力结构层面的探讨。它更像是一本只关注舞台上发生的事情的记录本,对于台下的权力博弈,对于赞助人对选材的干预,对于观众阶层对歌剧形式的期待与反作用力,它保持了令人遗憾的沉默。这种纯粹的“作品中心论”的叙述方式,虽然确保了内容的“纯净”,却大大削弱了歌剧艺术作为一种社会文化现象的丰富性和层次感。我期望看到的是,作者如何将剧院的财务报表与咏叹调的结构进行对照分析,但此处只有冷冰冰的日期和剧名,缺乏了那种将历史脉络“活化”的洞察力。

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这本书的语言风格是极其严谨且学院派的,句子结构工整,论述过程逻辑分明,这本无可厚非。然而,这种过度追求客观和全面的倾向,导致了阅读体验上的巨大缺失——情感的温度被完全抽离了。我一直在寻找那些关于伟大歌剧首演之夜的、能让人身临其境的描述,那些关于某位天才嗓音如何征服挑剔的听众,或者某个创新性布景设计如何引发全场哗然的生动轶事。我希望通过文字,能“听见”蒙特威尔第《奥尔费奥》中那悠扬的牧歌调,或者“感受”到普契尼歌剧高潮处那种令人窒息的戏剧张力。但这本书几乎完全是干燥的学术陈述,没有一丝一毫的浪漫色彩的渲染。它像是一份严谨的法律文件,准确无误地记录了“谁在何时、何地、演出了什么”,却完全无法传递歌剧作为一种“活的艺术”所应有的激情与震撼。对于那些因为对歌剧的热爱而渴望重温那些辉煌瞬间的读者而言,这本书提供的知识是足够的,但灵魂的满足感却无从谈起,它更像是一本工具书,而非引人入胜的“史诗编年”。

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我特别对二十世纪中叶,尤其是战后先锋派歌剧的兴起抱有浓厚兴趣,例如布列瑟和施托克豪森等作曲家如何利用电子音乐、空间化声学和非传统声乐技巧来挑战歌剧作为一种叙事形式的传统边界。我对这本书在该部分的内容分配感到非常失望。对于这些具有颠覆性的作品,篇幅占比极小,介绍如同“路过”一般匆匆带过,仅仅提及了它们的存在,却没有深入剖析其背后的技术创新和美学宣言。例如,关于“随机性”在歌剧结构中的应用,以及如何通过非线性叙事来解构观众对“高潮”和“结局”的期待,这些都是二十世纪音乐史上的重要议题,但在本书中却被轻描淡写地处理了。相比之下,对于十八世纪某个相对边缘的歌剧节庆的详尽描述,反而占据了相当大的篇幅。这让整本书的重心显得严重失衡,仿佛作者对于探索艺术的边界和未知领域持有一种本能的抗拒,更愿意停留在那些已经被历史充分“消化”和“驯化”的经典作品上,对于需要更多批判性解读的当代尝试,则选择了回避或简化处理,这使得它在现代性歌剧史的梳理上显得苍白无力。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮,那种厚重的纸张质感和典雅的字体排版,营造出一种阅读古典巨著的庄严感。我原本是带着对十九世纪下半叶法国歌剧,特别是德彪西《佩利亚斯与梅丽桑德》的独特影响力的探究兴趣而来的。我希望了解,在德语和意大利语歌剧的主导地位下,法国印象派音乐如何悄然渗透并挑战了传统的叙事结构和和声语言。这本书在这方面的处理却显得过于保守和传统。它详细记录了《卡门》在首演后的商业波动,以及马斯内作品的流行程度,但当涉及到音乐语言的根本性变革时,笔锋仿佛就变得犹豫了。比如,关于德彪西如何运用模糊的和声色彩来表达角色的内心世界,而非依赖传统的调性冲突来推动情节,这本书几乎没有给出令人信服的音乐分析来支撑其历史地位。它仅仅是罗列了首演信息和评论家的初期反应,而缺失了对音乐文本本身进行深入“聆听式”解读的尝试。对于想探究歌剧艺术如何跨越世纪界限,实现从浪漫主义到现代主义的过渡的读者来说,这本“编年史”显得力不从心,它仿佛停留在了一个更早的、更注重历史事件记录的时代,对音乐本体的革命性变化缺乏足够的敏感度与笔墨去描绘。

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