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出版者:Signet Book

作者:Aaron Copland

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-03

价格:USD 6.99

装帧:Mass Market Paperback

isbn号码:9780451628800

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《音乐的耳朵：如何聆听、理解与欣赏》 本书导读：开启你的音乐探索之旅 音乐，作为人类最古老、最普世的艺术形式之一，以其无形却强大的力量触动着我们的心灵。然而，我们有多少人真正懂得如何聆听音乐？我们是否只是被动地接收声音的洪流，还是能够深入其中，领略其蕴含的结构、情感和思想？《音乐的耳朵：如何聆听、理解与欣赏》正是为了满足这一深切需求而诞生的。本书并非旨在为你提供一张枯燥的音乐史年表，也不是一本充斥着晦涩术语的理论手册，而是一次真诚的邀请，邀请你以一种全新的、更具洞察力的方式走进音乐的世界，解锁其中无限的宝藏。 为什么我们需要“会听”？ 我们每天都在接触音乐：在广播中、在电影里、在咖啡馆里、在自己的播放列表中。音乐陪伴着我们的喜怒哀乐，烘托着我们的生活场景。然而，仅仅“听到”音乐，与“聆听”音乐，之间存在着天壤之别。听到，可能只是声音的掠过；而聆听，则是一种主动的、专注的、充满好奇的探索。 想象一下，当你听一首熟悉的旋律时，是否只是随波逐流，感受着表面的起伏？而当你真正学会了如何聆听，你便能发现隐藏在旋律之下的和声是如何丰富其色彩，节奏是如何赋予其生命，配器又是如何为不同的乐器赋予独特的角色。你会开始理解，为什么有些音乐能让你潸然泪下，有些音乐能让你心潮澎湃，有些音乐又能让你感到宁静祥和。这并非神秘的魔法，而是作曲家精心设计的艺术语言，而本书正是你解读这门语言的钥匙。 《音乐的耳朵》将带领你走出被动接受的舒适区，进入一个主动参与、深度体验的音乐领域。你将学会如何辨识和理解音乐的基本构成元素，如何分析音乐的情感表达，以及如何构建起自己独特的音乐鉴赏体系。本书的核心理念是：聆听音乐，是一项可以被培养和提升的技能，就像学习一门外语，或者掌握一项绘画技巧一样，需要方法、实践和耐心。 本书将为你揭示什么？ 本书并非一本包含特定音乐作品分析的书籍，而是致力于教授一套普遍适用的聆听原则和分析框架。我们将聚焦于音乐本身的内在逻辑，而非其历史背景或演奏者的个人故事。这就像学习如何欣赏一幅画，我们首先要了解色彩、构图、笔触，而不是先去研究画家的生平。 第一部分：音乐的基石——聆听的初步感知 在本书的开篇，我们将一同踏上一次基础的感官之旅。我们将深入探索音乐最基本的元素，这些元素就像是构建一座宏伟建筑的砖石，它们是理解一切复杂音乐现象的出发点。 旋律：音乐的灵魂之线：你将学会如何关注旋律的走向——是舒缓的、跳跃的、还是跌宕起伏的？旋律的起伏变化如何影响你的情绪？我们还将探讨旋律的重复、变奏和发展，这些技巧如何让一个简单的音乐主题变得生动有趣，并承载更多的信息。我们将不依赖具体的乐谱，而是通过你的耳朵，去感受旋律的起承转合。 节奏：音乐的脉搏与律动：节奏是音乐的骨架，是驱动音乐前进的力量。你将学习如何辨识音乐的速度（快、慢、中速），理解拍子和节拍的作用，以及不同的节奏型如何营造出不同的氛围——是激昂的、沉稳的、还是轻盈的？我们将探讨节奏的复杂性，例如切分音和切分节奏，它们如何打破常规，为音乐增添活力。 和声：色彩与深度的营造者：和声是音乐的色彩，是旋律的伙伴，也是情感的催化剂。我们将尝试去辨识和声的变化，理解和弦的构建如何影响音乐的色彩——是明亮的、忧郁的、还是紧张的？你将开始理解，为什么某些和弦的组合听起来那么和谐，而另一些则会产生冲突感。本书将引导你聆听和声的张力与解决，感受其带来的情感冲击。 音色：乐器的“声音之形”：每一种乐器都有其独特的“声音之形”，也就是我们所说的音色。我们将探索不同乐器的音色特征，从弦乐的悠扬、管乐的嘹亮，到打击乐的有力、键盘乐的丰富。你将学习如何辨识不同的乐器，以及作曲家如何通过乐器的组合来创造出丰富多样的音响效果，例如管弦乐队的宏大，或是室内乐的精致。 第二部分：音乐的构建——理解音乐的组织与形式 仅仅感知到音乐的元素是不够的，我们还需要理解这些元素是如何被组织起来，形成一首完整、具有逻辑性的音乐作品的。《音乐的耳朵》将引导你进入音乐的结构层面，让你看到音乐的“蓝图”。 乐句与乐段：音乐的呼吸与段落：如同语言由词语组成句子，句子组成段落一样，音乐也由乐句和乐段构成。你将学会如何识别音乐的“乐句”，感受其如同呼吸般的自然起伏，以及乐段的划分如何为音乐提供清晰的结构。我们将探讨，作曲家如何通过重复、对比和发展乐句，来构建出具有逻辑性的音乐段落。 曲式：音乐的骨架结构：曲式是音乐作品的整体框架，是理解音乐宏观结构的关键。我们将介绍几种最基础、最常见的曲式，例如三部曲式、二部曲式、回旋曲式等。理解曲式，能够帮助你预测音乐的走向，更清晰地把握作品的整体脉络，而不是在音乐的海洋中迷失方向。 织体：音乐的“层叠”之美：织体描述的是音乐中不同声部的组合方式。我们将区分几种主要的织体，如单音织体（只有一条旋律线）、主调织体（一条清晰的主旋律，配以简单的伴奏）、复调织体（多条独立的旋律线同时进行）。不同的织体能够带来截然不同的听觉体验，从简洁明快到繁复精妙。 第三部分：音乐的表达——情感、意义与听众的参与 音乐最吸引人的地方，莫过于它能够触动我们的情感，传递意义。本书的第三部分将深入探讨音乐的情感表达，以及听众在理解音乐中的主动角色。 情绪的密码：音乐如何唤起情感：我们将分析音乐中的哪些元素（旋律的走向、和声的色彩、节奏的力度、音色的选择）能够直接或间接地影响我们的情绪。你将学习如何解读音乐所传达的喜悦、悲伤、愤怒、宁静等各种情感，并理解这些情感是如何通过音乐的逻辑和结构来编织的。 音乐的叙事与意境：超越纯粹的声音：有些音乐似乎在讲述一个故事，有些音乐则营造出一种特定的意境。我们将探讨，作曲家如何通过音乐的元素组合，来引导听众进行想象，并赋予音乐超出纯粹声音的意义。这可能涉及到对自然景象的模仿，对情感经历的描绘，或是对抽象概念的探索。 积极的聆听：成为音乐的协作者：本书不希望你成为一个被动的接受者，而是鼓励你成为一个积极的、参与式的聆听者。你将学习如何带着问题去听，如何主动去预测，如何用自己的经验和感受去与音乐对话。理解音乐，本质上是一个与作曲家、演奏家共同创造意义的过程。 本书的价值与展望 《音乐的耳朵：如何聆听、理解与欣赏》是一次关于音乐感知和理解的深入探索。本书不提供现成的答案，而是为你铺设一条通往自我发现的道路。通过学习本书所提供的原则和框架，你将能够： 提升你的音乐鉴赏能力：你将不再满足于模糊的“好听”或“不好听”，而是能够更清晰、更深入地理解你所聆听的音乐。 拓展你的音乐视野：你会发现，原来如此多的音乐作品中蕴含着如此丰富的层次和细节，等待你去发掘。 加深你与音乐的情感连接：当你理解了音乐的语言，你与音乐之间的交流将变得更加深刻和有意义。 培养终生的音乐兴趣：本书旨在为你点燃对音乐持久的热情，让你在未来的日子里，能够随时随地，从音乐中获得慰藉、启迪和乐趣。 阅读本书，你无需拥有任何音乐背景或乐器演奏经验。你只需要一颗好奇的心，一对愿意倾听的耳朵，以及对音乐世界探索的热情。让我们一起，开启这场非凡的聆听之旅，让音乐真正成为你生命中不可或缺的、更加丰富和深刻的存在。

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这本书的魅力在于其深邃而不失人文关怀的基调。它不仅仅是在分析音符，更是在探讨人类情感与形式美学的永恒对话。作者对“动机发展”的剖析尤其令人深思，他揭示了音乐如何像生命一样，从一个微小的种子（动机）生长、变化、抵抗，最终完成一个完整的人生周期。读到关于主题变奏的部分时，我清晰地看到了命运的不可预测性与音乐结构中内在秩序的并存。这使得听音乐成为了一种对生命哲学的反思。我甚至觉得，这本书可以被视为一本关于“如何观察世界”的指南，只不过它选择的媒介是声音。它教会我，在纷繁复杂的世界中，去寻找隐藏的模式、欣赏精妙的结构、并对那些稍纵即逝的美保持警觉。读完后，我感觉自己的内心世界变得更加丰富和有条理，对于世间万物，都有了一种更具层次感的把握。它带给我的提升，早已超越了音乐本身。

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翻开这本书的封面，一股对音乐世界深深的敬意扑面而来。作者似乎拥有了一种近乎巫术般的能力，能将那些晦涩难懂的音乐理论转化为人人都能理解的语言。读着读着，我忽然意识到，原来我过去听音乐的方式是多么的肤浅。那些旋律的起伏、和声的交织，不再是简单的背景音，而是一个个精心编排的故事。我记得有一次，我正在听一首巴赫的赋格，脑海中完全浮现出作者描述的那种“声音的建筑学”，每一个声部都像是在进行一场严谨而又充满激情的对话。这绝不仅仅是一本教你“如何听”的书，它更像是一把钥匙，为你打开了通往音乐灵魂深处的密室。它要求你投入心神，去感受那些隐藏在音符背后的情感脉络和结构逻辑。读完之后，我再听任何音乐，哪怕是最简单的流行歌曲，都会不自觉地去分辨其中的层次感，去追溯旋律是如何从一个音符自然地导向下一个音符的。这种感官上的提升，是任何其他音乐入门书籍都无法比拟的。

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这本书的叙述方式简直是天才之举，它没有采取那种枯燥的教科书模式，而是完全以一个充满热情的向导的口吻进行引导。我尤其欣赏作者对于“时间”在音乐中扮演角色的探讨。我们通常认为音乐是瞬间的艺术，但作者却能将时间拉伸、扭曲，让你感受到一个乐章是如何在听觉的“现在”中构建出过去的记忆和对未来的期盼的。读到关于奏鸣曲式那一段时，我简直是拍案叫绝。作者没有堆砌复杂的术语，而是将其比喻为一场戏剧冲突：呈示部的好奇与矛盾，发展部的激烈挣扎与探索，以及再现部的最终和解与回归。这种具象化的描述，让那些原本高高在上的古典音乐概念变得触手可及。对我而言，它改变了我对“结构”的理解，不再是死板的框架，而是生命体本身的呼吸起伏。现在，即便是听一些结构松散的现代音乐，我也会尝试去寻找其中潜在的内在逻辑线索。

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坦白说，刚开始接触这本书的时候，我有些担心会因为自己的音乐知识储备不足而跟不上。毕竟，对于许多人来说，音乐欣赏还停留在“好听”和“不好听”的二元对立上。然而，作者的文笔极富耐心和感染力，他仿佛知道听众在哪里会感到困惑，总能适时地抛出一个精妙的比喻来化解疑虑。最让我印象深刻的是他对“音色”的描绘，他没有仅仅停留在乐器本身的物理属性上，而是赋予了每一种音色独特的人格和情感倾向。小提琴的哭泣、圆号的庄严、长笛的轻盈，都被赋予了鲜活的生命力。读到此处，我立刻放下书本，跑去重听了马勒的交响曲，那些原本模糊不清的管弦乐声部，此刻清晰得如同站在指挥台前。这本书的价值在于，它极大地丰富了我的“听觉词汇库”，让我学会了如何更精准地表达我对声音的感受。这不再是单向的灌输，而是一场双向的、充满互动的探索。

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这本书的另一个显著特点是它跨越了流派的限制，虽然对古典音乐的分析尤为深入，但其核心的聆听哲学是普适的。它教导的不是去崇拜某一位作曲家或某一个时代，而是去尊重音乐的内在法则——无论是巴洛克时期的对位法，还是二十世纪先锋派的无调性探索，背后都有其必然的美学逻辑。我发现自己对那些过去一直认为“怪异”或“难以理解”的作品产生了新的兴趣。比如对位法的讲解，让原本觉得冗长复杂的复调音乐变得层层递进，充满智力上的挑战和满足感。作者似乎在传递一个信息：真正的音乐欣赏，需要付出努力，它是一种主动的“工作”，而不是被动的“接收”。这种对听众主动性的强调，让我感受到了被尊重，仿佛我不再是一个单纯的消费者，而是一个共同的创造者，参与到对音乐意义的构建之中。这种深刻的代入感，是其他同类书籍难以企及的。

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